Daniel Guerra Caballero

Katawa Shoujo Shadow of the Truth tabs para guitarra

2012-01-30T08:20:00.000-08:00

Ahora les traigo un nuevo cover, y esta vez es el segundo de la visual novel Katawa Shoujo. El tema es Shadow of the Truth en un arreglo para tres guitarras. Como siempre incluyo los tabs.

Tema: Shadow of the Truth
Juego: Katawa Shoujo
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: https://www.youtube.com/watch?v=0hxSNFmz76s
Tabs: http://www.4shared.com/office/tfyijods/Shadow_of_the_truth_Guitar_Tab.html

Cover de Natasha Luna Málaga - As Death did Us Apart

2012-01-17T07:33:00.000-08:00

Esta vez les traigo un cover de una fantástica solista peruana, Natasha Luna Málaga. Esta cantante y compositora es con total seguridad la mejor exponente de la música oscura (para no encasillarla dentro del goth, dark, etc.) de Perú, y no precisamente en nuestra lengua ya que canta en inglés y francés. Con dos discos formidables (Emilio del 2005 y N del 2008) y un estilo reconocible, es la mejor opción contemporánea en cuánto al género se refiere.

Este es un cover para guitarras, en un arreglo que cubre los teclados también. Como siempre, incluyo los tabs respectivos.

Tema : As Death did Us Apart
Grupo: Natasha Luna Málaga
Disco: Emilio (2005)
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: https://www.youtube.com/watch?v=x4KJuKkBAs8
Tabs: http://www.4shared.com/office/mOVeS5il/As_death_did_us_apart_Guitar_C.html

Katawa Shoujo Breathlessly tabs para guitarra

2012-01-13T06:11:00.000-08:00

Primera entrada del año en la que les traigo un cover de la banda sonora de la visual novel Katawa Shoujo. Este juego que fue lanzado por 4 Leaf Studios hace una semana, ha tenido una gran recepción y posteriormente trataré de escribir en detalle sobre el fenómeno. Mientras tanto, les dejo un arreglo para guitarra del tema Breathlessly. Como siempre, incluyo los tabs.

Tema: Breathlessly
Juego: Katawa Shoujo
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=gEDulBxwlS8
Tabs: http://www.4shared.com/office/3Xf7Oan6/Breathlessly_-_Katawa_Shoujo_G.html

Programa 8 especial de fin de año 2011 Proyecto Nihon

2011-12-31T15:27:00.000-08:00

Después de un largo tiempo de silencio (literalmente), estamos de vuelta con el último programa del 2011, el especial sobre las mejores y peores series estrenadas este año. En esta ocasión, el programa será el último de la primera etapa de los podcast, ya que para el 2012 vamos a reformularlo un poco para que Uds. puedan disfrutarlo más.

Sin más dilación, pues la espera fue muy grande, los dejamos con nuestro podcast especial y les deseamos ¡un venturoso nuevo año 2012!

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Programa nº 8 Especial de fin de año 2011
Duración: 1h:46m:03s
Formato: Mp3
Tamaño: 62 Mb
Participantes: David Martínez, Iván Rodriguez, Lisandro Gómez y Daniel Guerra

Página de Facebook
http://facebook.com/proyectonihon

Correo
proyectonihon@gmail.com

Programas anteriores:
Programa nº1: Piloto. Sobre el proyecto, enfoques, nosotros, preferencias, etc.
Programa nº2: Especial de fin de año sobre las mejores y peores series del 2009
Programa nº3: Tendencias de los animes de los primeros 10 años del S. XXI
Programa nº4: Productos generados por aficionados a la media japonesa
Programa nº5: Especial sobre Satoshi Kon a propósito de su sensible fallecimiento
Programa nº6: Especial de fin de año con las mejores y peores series del 2010
Programa nº7: Análisis de Puella Magi Madoka Magica

Silent Hill (Otherside) Tabs para guitarra y bajo

2011-12-13T11:42:00.000-08:00

Continuando con los arreglos para guitarra, esta vez les traemos un clásico proveniente de los videojuegos de survival horror: Silent Hill. Este tab abarca tres instrumentos de cuerda y hace un arreglo para el teclado, tocándose a tres guitarras y un bajo. Silent Hill (Otherside) es el tema de créditos del mítico juego Silent Hill 1 (PSOne) que con su tono bufonesco mostraba bloopers ficticios tras la pesadilla por la que tuvo que pasar el jugador. Nuestro miembro Daniel Guerra Caballero nos trae los tabs de esta canción proveniente de su juego favorito. ¡Disfruten tocándola!

Tema: Silent Hill (Otherside)
Juego: Silent Hill (ending)
Compositor: Akira Yamaoka
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: https://www.youtube.com/watch?v=-Mp1h_tZQ9s
Tabs: http://www.4shared.com/document/OrOa6uS_/Silent_Hill_Otherside_Cover_Ta.html

Memoria - Fate/Zero ending: Tabs de guitarra

2011-12-09T17:02:00.000-08:00

Seguimos con los covers de temas de animes y esta vez con el ending de una de las mejores series de este 2011: Fate/Zero. La canción se llama Memoria y es interpretada por Aoi Eir. Este es un arreglo para la parte vocal de la versión TV Size. Como siempre, incluyo los tabs. ¡Cojan sus guitarras y disfruten!

Tema: Memoria
Serie: Fate/Zero (ending)
Intérprete: Aoi Eir
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: https://www.youtube.com/watch?v=I8SGwQqpq38
Tabs y mp3: http://www.4shared.com/document/V02R6b7p/Fate_Zero_-_Memoria_Guitar_Cov.html

Plastic Passion Cover - The Cure

2011-12-06T15:49:00.000-08:00

Y volvemos con un cover de mi banda favorita, The Cure. Esta vez es un tema de sus inicios en la versión interpretada este año en el concierto del Sydney Opera House (Australia). Esta es una versión menos rápida, pero igual de post punk. Incluyo los tabs para guitarra y bajo. ¡Disfruten!

Tema: Plastic Passion
Grupo: The Cure
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=ybwVIf6wHrY
Tabs y mp3: http://www.4shared.com/document/pv5xNvol/Plastic_Passion_Cover_-_The_Cu.html

The Munsters Theme Guitar Cover

2011-10-31T11:17:00.000-07:00

En este 31 de octubre les traigo un cover clásico: The Munster Theme Song, este intro tan reconocible de esa serie con la que muchos crecimos (aunque sigo prefiriendo The Addams Family). Como siempre incluyo un pack con la versión Mp3, el vídeo y lo más importante, los tabs.

Tengan un Feliz Halloween y diviértanse tocando esta canción.

Tema: The Munsters Theme Song
Serie: The Munsters
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=cjJUFARXmx8
Tabs y mp3: http://www.4shared.com/file/64eVLek8/The_Munsters_Theme_Guitar_Cove.html

Bizarre Love Triangle Bass Cover - New Order

2011-07-27T21:25:00.000-07:00

Continuamos con las canciones ochenteras, esta vez con el tema más popular de New Order, Bizarre Love Triangle. Este es un cover para bajo de la versión regular del disco Brotherhood del año 1986. Cabe mencionar que el bajista de la banda siempre usa efectos, los cuales le dan ese sonido característico a los temas, y que se ha convertido en una marca personal de Peter Hook. Esencialmente con los efectos de Chorus y un poco de Delay se logra emularlo.

Adjunto el respectivo pack de descarga que incluye los tabs y el mp3.

Tema: Bizarre Love Triangle
Grupo: New Order (Brotherhood, 1986)
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=MrqChZcdI28
Tabs y mp3: http://www.4shared.com/file/jPdLZbqs/Project_-_Bizarre_Love_Triangl.html

Subway Song Guitar and Bass Cover - The Cure

2011-07-16T21:13:00.000-07:00

Luego de haber publicado varios covers relacionados a la media nipona, es momento de volver a los orígenes. Es así que ahora les traigo este cover de mi banda favorita, The Cure. El tema elegido es Subway Song, tema breve de su primer disco Three Imaginary Boys del año 1979.

Como siempre, incluyo los tabs para la guitarra y el bajo, además del backing track.

Tema: Subway Song
Grupo: The Cure (Three Imaginary Boys, 1979)
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=Nmd3HhEOsfk
Tabs y mp3: http://www.4shared.com/file/WwyPzfom/Subway_Song_Cover_Pack.html

Puella in Somnio Guitar Cover y tabs

2011-06-20T12:30:00.000-07:00

Continuamos con los covers para guitarra de la banda sonora de Puella Magi Madoka Magica. Esta vez les traigo un arreglo para tres guitarras del tema Puella in Somnio. Este tema originalmente se ejecuta con un sintetizador, un glockenspiel y un xilófono, pero con los efectos adecuados se ha logrado emular dichos instrumentos.

La versión que les presento es más lenta que la original, ya que así adquiere un aura más sombría; sin embargo, los tabs funcionan perfectamente para la velocidad de la versión original. Incluyo un pack de descarga con el mp3 y los tabs para las tres guitarras.

Tema: Puella in Somnio
Serie: Puella Magi Madoka Magica
Compositora: Yuki kajiura
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=VHPeztqd1WA
Tabs y mp3: http://www.4shared.com/file/3-f7oG85/Pack_Puella_in_Somnio_Guitar_C.html

Tomoe Mami's Battle Theme (Credens Justitiam) Guitar Cover y tabs

2011-05-11T07:01:00.000-07:00

Y aunque la serie Puella Magi Madoka Magica terminó el pasado mes de abril, noticias relacionadas no dejan de aparecer, ya sea anunciando el Café de Madoka, el récord de ventas del Blu Ray y la portada del BD 3. Habiendo sido la serie favorita del fandom y la gran candidata de este blog para ser la mejor del año, esta vez les presento mi tercer cover para guitarra.

El cover pertenece al BGM de la serie, nombrado por ahora como Tomoe Mami's Battle, aunque también se le conoce como Mami's Battle Theme, Mami's Tranformation Theme o simplemente Mami's Theme. Debido a que aún no se lanza el OST, tomaré el nombre más usado. Incluyo un pack para descarga que contiene el vídeo, la versión en mp3, el backing track (la pista de acompañamiento) y los tabs para guitarra.

Actualización: Liberado el OST este 25 de mayo, ya se conoce el verdadero nombre de la canción, "Credens Jutitiam"

Tema: Credens Justitiam (Tomoe Mami's Battle Theme)
Serie: Puella Magi Madoka Magica
Compositora: Yuki kajiura
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=YwAc3uOMCtQ
Tabs y mp3: http://www.4shared.com/file/xpyfPVQX/Pack_Mami_Battle_Theme.html

Programa nº 7 Puella Magi Madoka Magica Podcast (análisis) Proyecto Nihon

2011-05-01T14:28:00.000-07:00

Y ya está disponible la séptima entrega de nuestro podcast de análisis sobre media japonesa. En esta ocasión y a una semana de la emisión de los episodios finales de la serie de SHAFT que gozó de la atención de toda la comunidad web, presentamos nuestor podcast dedicado íntegramente a la revisión de Puella Magi Madoka Magica. Esta fue una serie que deconstruyó el género del mahou shoujo y lo llevó a niveles insopechados, con resultados más que satisfactorios, convirtiéndose no solo en la mejor serie de este año, sino también en un nuevo referente obligado para todos.

Este programa tiene una extensión de 2h:44min en los cuales revisamos los diversos aspectos que hicieron tan especial a esta serie, considerada ya por muchos un título fundamental de todos los tiempos. El programa está dividido en tres partes que analizan los principios del mahou shoujo, la serie misma y la recepción del público.

Sin más, los dejamos con el programa que esperamos sea de su agrado.

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Programa nº 7 Análsis de Puella Magi Madoka Magica
Duración: 2h:44m:03s
Formato: Mp3
Tamaño: 96 Mb
Participantes: Daniel Vasco, David Martínez y Daniel Guerra

URL alojador externo (reproducción on line y descarga)
http://www.4shared.com/audio/0bc6qoGB/Podcast_7_Madoka_Magica_-_Proy.html

URL del programa (reproducción on line y descarga)
http://poderato.com/proyectonihon/nihon-radio-proyecto-nihon/podcast-no-7-puella-magi-madoka-magica-proyecto-nihon

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Programas anteriores:
Programa nº1: Piloto. Sobre el proyecto, enfoques, nosotros, preferencias, etc.
Programa nº2: Especial de fin de año sobre las mejores y peores series del 2009
Programa nº3: Tendencias de los animes de los primeros 10 años del S. XXI
Programa nº4: Productos generados por aficionados a la media japonesa
Programa nº5: Especial sobre Satoshi Kon a propósito de su sensible fallecimiento
Programa nº6: Especial de fin de año con las mejores y peores series del 2010

[Ensayo] El regreso de los vampiros vivientes

2011-04-26T14:15:00.000-07:00

Hablar del llamado mito de los vampiros implica profundizar en una suma de ingentes fuentes y referencias más o menos amplias, más especulativas y menos rigurosas – si se quiere ser exacto –, ya que después de todo, la madeja con que se hila esta trama tenebrosa ha perdido a través de todas sus revisiones el paradójico brillo fúnebre de su fascinación. Las antologías, bibliografías, ensayos, revisiones, tratados, compendios, manuales prácticos de exterminio y demás pulpa o epidermis usada para intentar preservar una taxa mediante la tinta, han terminado por desgastar un género nunca bien ponderado, sea por lo escaso de su brillantez o por lo sórdido (a la par de vulgar) de sus situaciones, relegándolo a un sitial poco menos decoroso que el del entretenimiento. Es cierto que comparar el fin masivo y tosco de difusión del género en sus inicios puede distar en alguna forma del reciente fenómeno que lo evoca embelesado – ahora más que nunca –, resulta injusto; pero es innegable que esta suerte de vuelta al pasado evidencia no solo toda una galería de carencias lectoras sino también una forma de vida, o no vida – pues si somos consecuentes con la parafernalia terminológica, al menos debemos usar la jerga especializada para simpatizar con el “respetable” – resultante de los tiempos modernos – ¿posmodernos? – y de cómo esto afecta el acercamiento académico y comprometido de aquellos que podemos llamar estudiosos cainitas. ->> Continúe leyendo el texto

Considerando que la vuelta al pasado y la revalorización de saberes previos implica una tendencia natural de cualquier área, principalmente de las ligadas a lo popular, no es de extrañar que la fascinación por la literatura de vampiros, correcta y más justamente llamada “libros con vampiros”, haya sido acogida por aquellos vástagos indirectos y poco dignos, algo bastardos tal vez, producto (o subproducto) de las huestes otrora hormonales provenientes de las denominadas subculturas. Así es, este acercamiento a los libros de portada bicromática y espesor impúdico implica un fenómeno más que interesante, pues siendo el target uno que adolece de infinidad de experiencias, reformula con sus hábitos un espectro y lo hace suyo, lo vilipendia y lo viola para fagocitarlo luego y evidentemente apilarlo en una olvidable anécdota. De acuerdo, pecamos de poco claros, ¿pero acaso no es así de incompresible este fenómeno también? Lo cierto es que no, y este discurso no es más que un vehículo para prologar la revisión del fenómeno de consumismo masivo casi irracional de libros con vampiros por jóvenes y adultos. En efecto, nos referimos a la innoble cantidad de productos multimediales liberados con un infernal e industrioso empeño para saciar la demanda. Revisemos entonces, desde una perspectiva sesgada y prejuiciosa, la naturaleza que conlleva al abismo, pues como se sabe abyssus abyssum invocat.

El mundo de lo obscuro, con todos sus reveses mágicos y ultraterrenos parte del supuesto de la compensación, del trato, del engaño si deseamos, pues las fórmulas sulfurosas demandan de su evocador una carencia, una necesidad. Así, este negociado de favores siempre tiene en cuenta la debilidad del contratante, humano a fin de cuentas, por tanto ser sumido en sus propios deseos y limitaciones, vicios y resentimientos, patetismo y mortalidad. Los mitos populares entonces no son más que extensiones de esos deseos que superan las posibilidades humanas ampliando un conocimiento, una habilidad o una simple función biológica; claro, ese cariz aleccionador y preventivo como parte del folclore preserva una tradición cultural étnica de raíces utilitarias mediante advertencias y modelos para un determinado actuar. Por eso, entender la fabulación y ligazón con las artes negras de los individuos en determinados periodos entraña un significado más profundo, que valiéndonos, en este caso, de lo ficcional delataremos como un ciclo. Los vampiros, no muertos, muertos vivos, cainitas, condenados, esenciales, etc. – para mayores términos es suficiente consultar los sendos manuales de bolsillo disponibles en expendios librarios de cualquier esquina, que aquí no se profundizará eso por la máxima scire tacere – representan un ciclo vital similar al humano y más certeramente al adolescente. El hematófago está atado a un círculo que lo vuelve presa de sus necesidades biológicas al igual que los púberes recorren espirales de la libido merced de sus incapacidades. Entonces, ¿la relación es directa y es solo una identificación? No tan sencillo como eso, pero sí influye.

Podemos entender que los hematófagos de toda la historia sean vistos como criaturas románticas, poderosas, atractivas incluso en sus debilidades, ya que son características que le confieren el halo de tragedia e independencia de las leyes morales o religiosas. Pues aquí ya tenemos algunos conceptos interesantes a revisar, pero primero sigamos analizando a estos objetos del deseo. Qué tan atractivo, si no a ojos de impotentes y limitados puede resultar un ser inferior, humano en parte, con más debilidades que las de la pueril caterva; qué tan posible puede ser que una patología como la porfiria eritropoyética congénita o eritropoyética – posible explicación al mito del celebérrimo aspecto del Caballero de la Orden del Dragón – genere exacerbación lúbrica; y finalmente, qué valida al homoerotismo como valor de verdad irreflexivo. Estos tres, de muchos otros cuestionamientos se condicen con sistemas de pensamiento históricos en la danza macabra del paralelismo o la concomitancia cronológica, lo cual no obstante, no las certifica como necesarias per se, si no más bien como soluciones ad hoc. Aunque el vetusto caballero decimonónico haya encontrado atractiva esta figura supra/infra humana, el joven aprovecha las similitudes con su peculiar limitación generacional. La juventud eterna, la independencia, la oposición a modelos morales o religiosos, el erigirse por sobre los límites sociales además de ser tópico de muchos discursos y tendencias liberadoras, caracterizan al joven que en este tiempo anhela más que nunca preservarse joven sin haber dejado de serlo.

“Vivir rápido” tal vez suene prejuicioso o generacionalmente malinterpretado, pero este retorcido comportamiento que Kiley podría llamar Peter Pan Syndrome explica cómo inveterados y pubertos buscan perdurar y perpetrarse jóvenes; curioso deseo pues si hacemos un paralelo con aquello de “todo cambia alrededor menos el vampiro”, se condenarían a un círculo vicioso donde el presente es presa eterna haciendo imposible la aprehensión de saber nuevo. Llevamos esto más lejos de lo que ocurre en realidad, pues esta tendencia puede adivinarse pasajera, solo moda, fascinación mediática, pero continuemos rizando el rizo just for the lulz. Mencionamos que mucho de esto se había heredado de las subculturas, y en efecto, aquellos adolescentes de hace un par de décadas, influenciados por el arte, las humanidades y la música principalmente, revivieron por última vez con éxito el mito de manera consciente siendo intelectualmente activos. La vuelta al pasado en ese caso fue una respuesta a determinada coyuntura social y política, donde el discurso era una manifestación rebelde que adoptaba símbolos y figuras a manera de protesta, desarrollando parafernalias consecuentes. Aunque las motivaciones la hagan menos solemne que el escapismo del cine alemán expresionista, su motivación se asemejó; ahora, es importante anotar que hasta esa revolución, la situación social y económica haya garantizado una respuesta que algunos acusarían proveniente de una juventud de origen burgués y elitista, pero independientemente de eso, porqué no puede/pudo replicarse con las generaciones actuales. Habría que reflexionar antes si era necesario copiar la anterior revolución, puesto que si bien la formación dentro de urbes cosmopolitas es incluso mejor ahora, la sociedad de la información y el flujo de datos de mano de las TICs es un factor determinante que cambió el panorama del Do it Yourself – detonante de la comercialización, masificación, vedetización y ruina de las subculturas – llevando la cultura pop del consumo de los ochentas al monstruo incontrolable de bites y merchandising actual – que no se tilda de negativo del todo.

Ante la pregunta de por qué un género de parásitos sanguinolentos, hematófagos, sanguisugus en general, abarrota los estantes hoy en día – nótese el enfoque de mercancía –, se puede ensayar como respuesta la siguiente afirmación: Siempre fue así, al menos en los tiempos modernos. La cultura pop ha incorporado en sus filas un sin fin de producciones de diversa índole y calidad, tornándolas productos industriales para su consumo; estos seres como parte de toda la imaginería gótica del horror no solo fueron asimilados como paradigmas de un género sino también como figuras, caricaturas iconos socialmente aceptados. Recordemos que la trama romántica y decadente proponían intrigas en las que el convidado de las últimas fiestas pertenecía a la nobleza, era socialmente activo, atraía miradas y embelezaba a cuanta fémina u hombre para victimizarlo. Así es, el vampiro desempeñaba un rol de cazador, pero aspiraba a ser aceptado en un entorno social tanto para conseguir sustento como para mantener lo opíparo de su modo de vida aristocrático. Dicho esto, podemos entender cuál puede ser una de las motivaciones que despierta el interés de los consumidores más jóvenes contemporáneos, la aceptación.

El proceso de madurez es uno complejo y duro desde una perspectiva de la interacción social, la conformación de grupos, clanes, tribus urbanas, sectas, fanclubs, y cofradías de similar índole tienen por motivación la relación con personas semejantes. Pertenecer a un grupo, sentirse aceptado, ser reconocido por una comunidad de gustos idénticos puede compararse en cierto grado con ese accionar del vampiro, que aunque se mimetizaba en la sociedad por alimento, necesitaba rodearse de personas en general. Las carencias de los jóvenes – en un importante porcentaje, introvertidos o insatisfechos – tratan de ser compensadas por la conformación de círculos protectores que funcionen como familias o estructuras sociales. Este es un mecanismo de defensa y último resquicio de la evasión en la que por más estructura jerárquica que exista – basta ver los cargos que se ostentan al interior de los clubes – es preferible a la tediosa realidad. Sí, estamos planteando el supuesto del escapismo, pero acaso ¿no es algo natural en cierta etapa de la maduración? La pasión por el sci-fi, por las viñetas o cómics, las figuras de acción, los fanzines, la literatura de bolsillo y el fan fiction en general son tendencias de una juventud carente, pero anhelante. Esos productos a través de generaciones han representando las preferencias de consumo y han estructurado cual pilar un cierto tipo de aprendizaje del mundo; que ahora se hable de la preferencia por tal o cuál saga mágica o vampírica parece desconocer que las preferencias fueron más por el lado de los formatos que de la temática. Por qué ahora, por qué vampiros, por qué en todo el mundo, por qué se vuelve a lo mismo, son preguntas que yerran en su planteamiento al partir de la creencia de la originalidad. En efecto, estos mitos que incorporan en una mezcla obscena hematófagos y les chiens sales siempre estuvo presente en el S. XX, pero sus éxitos migraron de formatos más de una vez.

Las diversas sagas conocidas, las contemporáneas sobre todo – que elaborar un listado de títulos que revise el género es poco pertinente y repetitivo – de acuerdo a estrategias diversas de marketing supieron aprovechar el interés real, latente y potencial de los consumidores jóvenes, aprendiendo de los fracasos y experimentos de sus franquicias predecesoras. Los títulos de Meyer, Butcher, Gray, Fehan y Harris deben su éxito a las bases comerciales sentadas por Rice, Brite, Huff, Matheson y King, quienes a su vez le debían todo a los escritores del S. XIX que usaron como materia prima el folclore y las baladas de los autores del S. XVIII. No obstante, ahora y gracias al S. XX, cualquier producto de temática vampírica tiene más o menos éxito en el formato que lo soporte, lo que por oposición pone en el tapete el tema de la escasa originalidad y calidad. Desde el siglo pasado se producen series masivas que conviven cronológicamente y son más exitosas de acuerdo a su formato; hoy en día se ha retornado al formato papel, a la literatura por sobre los juegos de rol, historietas, audio novelas, videojuegos, animación y el cine – cuyo caso es peculiar ya que es complemento de los libros en este caso. Esta preferencia varía teniendo en cuenta las necesidades del público que ya definimos como adolescente, en la medida de que adolecen de carencias y de las tendencias de consumo vigentes.

Se cree que se lee poco, la rama más conservadora del mundo académico lo plantea y pese a que tiene algo de verdad, sobre todo en cuanto variedad y calidad de títulos, diría que es más adecuado enunciar que se lee poco en los formatos tradicionales. Se lee más en formatos virtuales, publicaciones no bibliográficas menos limitadas a parámetros tradicionales que a su vez son el pretexto para la lectura iniciática de los libros de bolsillo – para lamento de muchos –, pues sí es compartido el argumento de que si ese tipo de acercamiento no evoluciona rápidamente se quedará en una cándida expectativa de consumo que se obnubila con recursos limitados y una idealizada, a la par que edulcorada, trama de pretensiones oscuras y sanguinolentas que terminará por devorar al lector echándolo a perder. Ése es el panorama de la tendencia, cuyo principal problema es lo que puede generar a mediano plazo en lugar de cuán aceptado se vuelva.

“Subyugada por lo febril de las contorsiones, y mientras el estupor de los extremos desataba su inconciencia, cedió a la invitación permisiva de Aquel, que una vez en el claustro, mostró al instante las cerdas de su vello en el rostro, la espalda enarcada y flagelada, enhiesto y supurante, hediendo a muerte añeja. Solo pudo entonces lamentarse, sofocada por el calor de sus propias entrañas dispersas, de su romántica insensatez”.

Datos de apoyo:

Aracil, Miguel G. (2003). Vampiros: mito y realidad de los no-muertos. Madrid: Edaf.

Arellano, Miguel (2006). Vampiros en el espejo. Buenos Aires: Deauno.

Barber, Paul (2010). Vampires, Burial and Death: Folklore and Reality, With a New Preface. Connecticut: Yale University Press.

Curran, Bob (2007). Vampiros: seducción muerte y eternidad. México D. F.: Selector.

Day, Peter (2006). Vampires: myths and metaphors of enduring evil. Amsterdam: Rodopi.

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Magia - Kalafina (Puella Magi Madoka Magica Ending): Cover y tabs para guitarra

2011-03-23T08:07:00.000-07:00

Con cada vez más noticias y modificaciones que retrasan las fechas de transmisión de los dos últimos episodios de la serie de la temporada - y del año -, Puella Magi Madoka ★ Magica, no queda más que la resignación para quienes seguimos el más reciente trabajo de Shaft. No obstante, como se ha demostrado, el fandom sigue generando material relacionado a esta, su serie favorita; por tal razón les traigo un cover para guitarra eléctrica del ending del anime. Incluyo además, un pack con las tablaturas para primera y segunda guitarra, la versión mp3, el backing track y el vídeo mismo. Espero lo disfruten.

Tema: Magia
Serie: Puella Magi Madoka ★ Magica
Intérprete original: Kalafina
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=JWQPesdY0jA
Tabs y mp3: http://www.4shared.com/get/blafb9-h/Copia_de_M-K_Guitar_Cover__pac.html

Puella Magi Madoka Magica episodio 9: Análisis

2011-03-18T16:34:00.000-07:00

Argumento: Sayaka es encontrada por Kyouko ahogada en la depresión por su drama con Kamijou – nunca podría tenerlo a su lado –, y a punto de convertirse en una bruja. La vorágine generada por la ruptura de su Soul Gem y conversión en Grief Seed, es grande y arrastra su cuerpo hasta el fondo del laberinto de su alma, corrompida ahora en Oktavia von Seckendorff (su nombre de bruja). Kyouko se interna con ella y logra rescatar el cuerpo inconciente de la caída; no obstante, hasta que llega Homura y las saca del lugar deteniendo el tiempo, es incapaz de relacionar a la bruja con Sayaka. Fuera del laberinto se encuentran con Madoka quien no puede creer la muerte/conversión de su compañera, a lo que Homura responde que aquel es el verdadero destino de toda mahou shoujo.

Ya en casa, una Madoka quebrada e impotente es visitada por Kyuubey, quien aprovechando el suceso reciente intenta convencerla de firmar un contrato revelándole información nueva. Él pertenece a una civilización de “incubadores” encargada de controlar el balance de las fuerzas en el universo; la entropía, aquella magnitud física que mide el porcentaje de energía no utilizable es un indicativo de que cada vez más seres consumen más energía de la que se dispone, lo que llevará pronto al final de todo. Las mahou shoujos son elegidas por su potencial emotivo, el cual las llevará a convertirse en brujas generando grandes cantidades de energía, es decir, son instrumentos prácticos para el “Bien Mayor”. Madoka se convertiría en la más fuerte mahou shoujo y luego en la más terrible bruja. Esto hace que ella reconozca a Kyubeey como su enemigo, quien no hace más que manifestar desconcierto por esa “típica” actitud humana.

Posteriormente, mientras Kyouko usaba su Soul Gem para proveer de algo de energía al cuerpo de Sayaka que cuidaba en su apartamento, Kyuubey la contacta. Ambos discuten sobre la situación y lo imposible de la recuperación de Sayaka, pero aun así, Kyouko decide buscar a Madoka para probar un último plan. Luego de haber conciliado sus rencillas anteriores, ambas deciden confrontar a la bruja (Sayaka) aprovechando la fuerte amistad que tenía con Madoka. Lamentablemente los intentos son inútiles y la bruja no solo no reconoce a Madoka sino que intenta matarla. Kyouko quien estuvo en modo defensivo se ve forzada a pelear; la bruja destruye el suelo sobre el que estaban y las tres caen a una plataforma inferior, siendo Madoka rescatada por Homura. Bajo esas circunstancias, Kyouko le pide a Homura que se lleve a Madoka, tras lo cual se sacrifica haciendo explotar su Soul Gem en un ataque frontal. Finalmente, Kyuubey en el apartamento de Homura dice que todo va como lo planeado y que ella no será capaz de evitar que Madoka se convierta en una mahou shoujo >> Continúe leyendo las impresiones y análisis.

Affettuoso, Tempestoso... ¿Allegro ma non troppo también?

Impresiones: Existen convenciones claramente reconocibles en contextos diversos, de hecho en casi cualquier área del pensamiento, sean manifestaciones artísticas o formales – por su valor probatorio – es posible entrever características similares y vinculantes a corrientes de pensamiento o tendencias de moda; pero claro, en estos tiempos es casi una norma que esta revisión suela hacerse bajo la etiqueta de lo contracultural. Estos lugares comunes, parte de una época o esquema mental, justifican su existencia en su propia esencia como factores inseparables y necesarios para su desenvolvimiento y asimilación, pues no es sino hasta que existe uno o más rasgos peculiares que la definición se hace tangible, comprensible y puede adoptarse por un grupo de individuos. Éstos a su vez, se encargarán no solo de entenderlo sino que en algún punto lo harán suyo y hasta podrán modificarlo, o cuando menos influenciarlo; debido a la naturaleza dinámica del esquema de estas manifestaciones culturales, y por supuesto en concordancia con el pensamiento académico, científico, occidental o humano si se quiere. Sin embargo, estas convenciones útiles para reconocer determinados movimientos tras su asentamiento, llegan a un punto de renovación y hasta de la subversión; usando el criterio para las ciencias de Thomas Kuhn, todo paradigma sufrirá un cambio, una renovación subversiva que arrastre al imperante y acomodado. Es cierto que este concepto es aplicado en un contexto de las revoluciones científicas, pero su base se puede usar en otros rangos también; en los movimientos culturales y artísticos, por ejemplo. Tenemos así que todo supuesto será transgredido a merced de la renovación, y como se puede imaginar, salvo excepciones, la primera opción siempre suele ser lo opuesto.

"You talkin' to me? You talkin' to me?..."

Tratando de ser inclusivos, la literatura, el cine, la animación o la creación de ficción en sí, cuenta con géneros delimitados por patrones claros de desarrollo y convenciones obligatorias. Cada diálogo, situación, encuadre, giro y personaje deberá estar moldeado por esta suerte de manual intrínseco de pautas obligatorias; podemos hablar de un tipo de lenguaje de comunicación, y de ser así, para que se dé tiene que usar un código reconocible por los interlocutores. Esa concordancia en un código define lo que es en fin último la pertenencia al colectivo. ¿Qué sucede cuando no se cumple este patrón? Pues el mensaje se pierde y resulta inútil – claro, esto ocurre con la suma de otros factores dependientes de perspectivas culturales, formación o hasta idiosincrasia –, pero en otras ocasiones se conforma un nuevo lenguaje que deberá ser aprendido; uno que puede ser nuevo radicalmente o subversivo como mencionamos antes, confrontando a uno de los interlocutores y obligándolo torcer sus convicciones. Esto entra en el ámbito de la llamada “deconstrucción” de los géneros. Planteada por Jacques Derrida a partir de las ideas de Heidegger, esta “estrategia” muchas veces confundida como una filosofía o como una técnica de crítica literaria, consiste en la revisión y análisis de los elementos que conforman un discurso o texto, identificando sus referentes, revelando su construcción sea a través de procesos históricos o convergencia de metáforas. Esta deconstrucción consiste entonces, en la ruptura de esos esquemas para una mejor comprensión del todo, para entender cómo es su estructura y así pueda reformularse acorde al presente; no obstante, por sí misma no lo hace ya que subvierte el canon, pero no propone una nueva estructura en sí, al menos no abiertamente.

Creo que esa no es la forma correcta de usar RCP

Aunque sea posible emplear y aplicar el criterio de la deconstrucción en un texto, quizás por lo caprichoso, anodino u oscuro de su formulación, a veces resulta inútil desde una perspectiva recalcitrante y tradicional. No obstante, es una estrategia que si bien Jonathan Culler califica de postestructuralista es válida y dependiendo de sus enfoques e interpretaciones – léanse las bibliográficas, literales y reduccionistas – cuestiona el significado de las creaciones; de esos textos literarios y no literarios reconstruyendo – a través de una lectura del discurso y crítica de sus fundamentos analíticos – los elementos que las rodean y forman, sean silencios, paradojas, metáforas, referencias, lugares comunes y demás. Entonces tenemos esto, que el género formado de coincidencias es revisado, interpretado, fagocitado y violado – toda lectura e interpretación desde esta perspectiva deconstructiva es un acto violento –, subvirtiendo su significado esencial. Así, aplicado a un género muy concreto de la media nipona, como es el mahou shoujo, la deconstrucción adquiere matices tal vez magnificados. Sabemos que las series de mahou shoujo se basan en premisas de verdad, amor, inocencia, lucha del bien contra el mal, y la pureza de sus heroínas, quienes aun envueltas en dramas con amenazas de alcance global son capaces de salir victoriosas y virtuosas. El mahou shoujo es un fenómeno amplio, amplísimo de hecho y no pretendemos revisarlo, pero sí es necesario clarificar que la orientación pueril en sus inicios y su edulcoración también es metafórica; son shows infantiles, pero gozan de la aceptación de un público variado. Esta preferencia por historias mágicas lejos de relacionarse con fetiches que no son de interés común, devela que tienen características claras al igual que muchos géneros, pero en este contexto padecen también de puristas conservadores incapaces de soportar la subversión. Quizás las parodias en clave de humor sean las más comunes, no obstante, y pese a esas caricaturizaciones íntegras o en segmentos que pasan por lo grotesco de la exageración, siguen sin perder su esencia y fórmulas. Aquí entra al juego el tema de la subversión pues se está acostumbrado a la burla como concesión coyuntural, mas no al planteamiento que confronte el género con sus contrastes más evidentes, la oscuridad, el realismo, la ciencia, la amargura y la desdicha, imposibilidades en estos universos idealistas. Esto es lo importante del giro, se contravienen las normas y a sus seguidores, se destruye y se reinventa a la vez.

"Feels bad, man..."

De conocimiento popular ahora, occidental, americano incluso – la confluencia del pensamiento francés en su génesis y americano a posteriori – la deconstrucción ha pasado, incluso con sus detractores, a formar parte de colectivos; es cada vez más frecuente hallar el término fuera de contextos académicos estrictos formando parte del habla popular, que aventura sucesivas interpretaciones para entender el mundo desde su perspectiva. Esta tradición anglosajona y universal de asimilar conceptos foráneos ha influido para que en la discusión, si bien no se aplique el método al menos se designe el fenómeno, la llamada deconstrucción del género, del discurso. Si tuviéramos que valernos de algún título para ejemplificar la subversión, deconstrucción y reinvención de un género tendríamos que recurrir a Evangelion obligatoriamente, una producción donde el mecha se reinventó con resultados exitosos evidentes. Con este antecedente, un género muy definido como es el mahou shoujo fue, para el fandom, deconstruido en esta producción por un staff aunque diverso de valía evidente. El equipo de Magica Quartet con Shaft a la cabeza ha sabido interpretar las inquietudes del aficionado, jugar con ellas y plasmarlas en un producto interesante. Es cierto que la particular visión del estudio influencia en la interpretación que podamos tener de cualquiera de sus producciones, pero en este caso, lejos del vanguardismo visual – que aquí también lo tenemos – se conforma un engranaje mayor, una mecánica que subvierte una preconcepción incorporando cargas referenciales y metatextuales. El nivel de profundidad de los temas revisados, el tratamiento del dramatismo, la ambientación de progresión perturbadora, los escenarios de plástica surrealista, el lenguaje particular (runas) y el diseño adrede incongruente, pero tradicional, son la suma de esa intención – pretensión en su momento de concepción, realidad ahora – de reinventar el género, deconstruirlo al extremo de crear un referente, “el” referente del género, tal como su antecesora hizo con el mecha. Se presentó una propuesta extraña en su momento, más por el equipo reunido que por su premisa, se introdujo elementos concesivos con lo preestablecido, se jugó con el espectador – para usar un término del staff podríamos decir también que se les tomó el pelo… pero en el buen sentido – y se dejó al mismo tiempo la puerta abierta a las especulaciones más oscuras posibles, pues considerando que ese staff tenía como guionista a Gen Urobuchi (Saya no Uta y Fate Zero) ya era posible prever algunas cosas. Sin embargo, accedimos al juego, dialogamos los espectadores con los creadores en ese planteamiento, aceptamos interpretando cada milímetro de lo visto, sin dejar de sorprendernos por el desarrollo; he allí el otro valor del producto, el nivel de interacción que ha tenido. Cierto es que las teorías conspiratorias de aficionados poco o nada pueden hacer, pero el staff se ha declarado siempre como un interesado en las expectativas del público, hecho que nos trae a este punto donde no se puede negar la grandeza, simplemente reconocerla.

♫Uninstall, uninstall...♫

Este noveno episodio se ha conectado con el drama desarrollado en los anteriores para proporcionar un cierre planteando el final de un arco o el fin de uno de los obstáculos principales que impedía cumplir la “estrategia” de el/los “agentes interesados” – entiéndase Kyuubey o quizás Kyuubeys como partículas de una conciencia superior única. Hablamos de arcos como segmentos narrativos que desarrollan diferentes realidades, más precisamente puntos de vista o segmentos cronológicos donde la acción y los sucesos responden a motivaciones diferentes dependiendo de la perspectiva de su protagonista. La historia propiamente no desarrolla una segmentación marcada por estos arcos inconexos, ya que toda la historia no muda de ubicación geográfica, ni temporal – al menos hasta hora –, es más como una profundización de personajes y su vínculo superpuesto por las motivaciones propias que devengan o no de las acciones de las demás. Podemos reconocer que el llamado arco de Mami Tomoe tenía su finalidad, introducir a Madoka y Sayaka a este mundo de las mahou shoujo, de allí que surgieran las teorías acerca del fin utilitario y “oportuno” de su muerte trágica; útil porque las niñas podían acceder bajo la promesa del deseo al contrato con Kyuubey, pero más exactamente para introducir claramente, desde la narración, el dilema que conlleva esa elección, la pérdida de la inocencia, la pulsión latente de las emociones agrias y el encuentro final con la muerte. Sayaka por el contrario tuvo que padecer una degradación progresiva, una derrota tras otra con un final trágico dividido en dos que finaliza ciertamente con su conversión en bruja al final del episodio ocho, pero que se cierra con el inicio del noveno. Aquí Sayaka ya no es protagonista, su drama ha dejado de ser el prevalerte para compartir, arrastrar tal vez, en su destino funesto a Kyouko. El manejo del suspense no solo es evidente por la concatenación de historias entre episodios sino por los vínculos que se van forjando a medida que se progresa emocionalmente – aunque sea una avanzada hacia la muerte –, al punto de cambiar una perspectiva o tornarla a su estado original para ser más precisos; sí, hablamos de Kyouko, la comprensión de sus sentimientos y su consecuente sacrificio.

Oh, Kyouko, moderación; recuerda que ya pasó la época
de temas como "Ellos las prefieren gordas"

En las historias de tipo trágico es común usar el recurso del sacrificio, pero ya mencionamos líneas arriba que este show de chicas mágicas incorpora características de otros géneros para contraponerlas a sus principios esenciales, por tanto no resulta un tipo de antojo gratuito sino que se relaciona además con la profundidad emocional corrompida, justamente como otra subversión al género. A diferencia de la oscuridad total del episodio ocho, el noveno tiene momentos cruelmente claros, hasta esperanzadores, con discursos optimistas; todo eso no obstante ayuda a crear una oscuridad tan o más profunda que la de su predecesora. Mientras aún exista una posibilidad, por más que se dude de su efectividad, se puede concebir un desenlace feliz, pero aquí estos enunciados son vacíos, desesperanzados, grises más que luminosos, pesimistas y últimos recursos que no hacen más que certificar la pérdida de todo. No estamos negando la convicción de Kyouko de querer salvar a Sayaka pues rescatarla del laberinto, cargar con su cuerpo, protegerlo en su apartamento, mantenerlo con el mínimo vital y acercarse a su mejor amiga para pedirle su colaboración evidencian una voluntad real, altruista – sabemos ahora que su ofrecimiento de alimento es un acto ritual que sirve para sellar la amistad con el interlocutor, tal como fue con la manzana (el simbolismo de fruto prohibido es más que evidente) ofrecida a Sayaka y el umaibō a Madoka –, que no se condice – tal vez se refuerce incluso – con la pelea a muerte en el episodio cinco. Hablamos de cómo la narración va liberando pistas sobre estos vínculos y es necesario comentar que también conllevan una cruda verdad, la muerte. Tenemos el antecedente de Mami Tomoe y su aceptación, su reconocimiento de la amistad y su reconciliación consigo misma como una condición necesaria para su desaparición. Revisémoslo como datos que dejan traslucir la progresión de los eventos, se accede brevemente a la felicidad para que luego les sea arrebatada, siendo casi como la aceptación de una muerte liberadora que pone fin a la existencia atada a la deshumanizada mahou shoujo. En este punto no se sabía sobre la conversión en casi autómatas de las chicas tras ser despojadas de su alma, ahora la situación es diferente. Las death flags de este episodio hacían prever el desenlace, la muerte de Kyouko y su aceptación, su reconocimiento sobre sí misma y sus ideas, se la humanizó brevemente para arrebatársela al espectador y fundirla en el destino de Sayaka, todo en un episodio, pero que sumado a sus apariciones anteriores compensan esa celeridad.

"It's not like i'm doing this for you, baka!"

Esta suma de conceptos introducidos en una extensión relativamente corta, garantiza un manejo de la historia mucho más efectivo, no se requiere de sendos episodios explicativos que excedan el largo de los arcos para cubrir las cuotas de tiempo; por el contrario, condensan la mayor cantidad de información, textual y visual creando niveles de comunicación, paralela incluso, en una duración limitada. Esta es una de las virtudes de la serie que hasta el momento sabe aprovechar su propio formato, pero esto también contribuye a la introducción del factor externo de la recepción. Todo agente externo capaz de influenciar en el producto creativo – la serie se sigue emitiendo y el staff ha declarado revisar las opiniones de los espectadores – resulta de cuidado ya que además de influenciar en su desarrollo mismo, principalmente interviene en el ámbito de la recepción a través de su opinión. Concretamente el tema aquí es el rol de las expectativas generadas, que ciertamente se han logrado satisfacer, pero eso no garantiza totalmente el mismo efecto respecto a su final. Se espera mucho de la conclusión y la crítica no será concesiva, afortunadamente en este cierre del penúltimo cuarto de la serie hay evidencias para estar confiados. Mencionamos las virtudes que fungen de soporte para estas afirmaciones, de las desarrolladas podemos tomar un ejemplo clarificador, los escenarios posibles. Hasta que no se presente una exposición de los mismos – hecho que no restaría mérito sino que por el contrario reforzaría la idea – la posibilidad de asumir eventos diferentes a los mostrados enriquece la trama, considerando que es un fenómeno natural en toda obra que ofrezca diversos personajes con momentos de protagonismo y una trama sobre el desencanto, la tragedia. El espectador ensayará realidades posibles, creará posibilidades y elecciones, es lo más común en este contexto, especulando con bases o subjetivamente una predicción de los hechos futuros o una explicación de los eventos pasados. Este factor del tercero es muy importante, ya que aquí una pérdida que entraña un significado mayor, como bien apunta Kyuubey, tiene diversas lecturas que ayudan a entender la línea actual de narración. Qué hubiese ocurrido de no presentarse este suceso, qué no hubiese ocurrido, esa es la premisa, más aun si existen agentes que parecen hilar su cuerdas influenciando en las decisiones de las marionetas que son los actores – Kyuubey justificando su accionar por el bien mayor tentando a Kyouko con una falsa esperanza es el mejor ejemplo. No es una ruptura de la llamada cuarta pared, pero sí genera la participación del espectador como agente activo en la composición más allá de su rol habitual.

Servant Class:... LANCER!!!
(Calm down, Shirou)

En el trasfondo del episodio podemos ver claramente el planteamiento de temas morales que se cruzan tanto con los preceptos de la realidad como con los limitados a la ficción, un universo con reglas particulares. No dejamos de lado las referencias críticas al enfrentamiento del pensamiento racional – utilitario – al dilema moral que propugna el derecho humano como eje fundamental, en una perspectiva humanista – correcta, obviamente –, pues estas dos posturas se contraponen considerando que además de sus motivaciones partidarias se sustentan por bases geográficas y raciales. Es más que un pretexto ubicar las contrapartes como miembros de diferentes especies – Kyuubey como miembro de otra civilización racionalista frente Madoka y compañía como civilización regida por muchos preceptos, los morales entre ellos – ya que ayuda a entender las razones de fondo de cada acción/reacción dotando al texto de un dramatismo que coincide con el espectador. Así, los temas primordiales presentados, el arrepentimiento y la compensación adquieren matices crueles al victimizar a los inocentes – si somos estrictos en cuanto a términos, la niñez e inmadurez, es la carencia de cierta capacidad para discernir eficientemente sobre sus propias emociones. En esta situación desventajosa se expone a las menores, a través de un trato engañoso, a obligaciones derivadas de los deseos motivados por caprichos, necesidades egoístas o eventos condicionantes, en base a la compensación, pero una que va más allá de las virtudes recibidas generalmente, acabando con la razón del deseo y su rango de alcance; se ofrece un milagro – con el poder para destruir a Dios mismo como dice la letra del ending – pero este es inútil si a cambio se les arrebatará su humanidad. Ésa es la perspectiva humana, ese dilema que pone en una encrucijada a la contratante y la obliga a deshumanizarse y a la resignación, a diferencia de la perspectiva racional de los incubadores que miden las consecuencias en costos/beneficios sin importarles que el bien mayor requiera de sacrificios. Por otra parte, el arrepentimiento es la consecuencia directa de esta confrontación en la que se ven inmiscuidas las MS, quienes terminan quebrándose perdiendo su humanidad o resignándose a su desaparición – Sayaka y Kyouko respectivamente –, aspirando solo al consuelo del olvido, al placebo que representa la muerte en una forma de expiación por sus pecados humanos, sus pasiones, que paradójicamente son las que deberían mover su ser, su Raison d'être, no solo porque sus poderes devendrían de ellas sino por que eso las hace humanas. Cierto que de una forma retorcida esa deshumanización y conversión a objetos vacíos las hace instrumentos, pero ¿no son acaso sus deseos las que las mueven a partir de ese momento, característica básicamente del ser humano? Sí, no obstante cuando un agente externo interviene, el llamado libre albedrío es una ilusión, un mero engaño. Ese es el truco, sobre Madoka se ha dicho que sería la mahou shoujo más fuerte, pero a su vez es su destino convertirse en la bruja más terrible, ambas caras de la moneda de esta negociación ponen sobre el tablero el alto precio de la compensación como leitmotiv de la historia, donde las jóvenes tienen en sus manos grandes responsabilidades, de escala universal esta vez, como ocurría con el newtype – menores piloteando robots para salvar a la humanidad – de las series mecha.

♫Zettai unmei mokushiroku / zettai unmei mokushiyami, mokushiroku
mokushi kushimo, shimoku kumoshi, moshiku shikumo...♫

Revisemos ahora cómo los personajes interactúan con sus respectivos símbolos. Sayaka, quien esgrime valores hidalgos, muchos de ellos a consecuencia de su encuentro con Mami Tomoe, padece de las consecuencias de sus bajas pasiones, por tanto su laberinto de bruja representa cada motivo que la movió o refleja. Anteriormente las brujas si bien eran vistas como seres deformes y monstruosos, se reconoció desde un primer momento que lo bizarro de sus apariencias guardaba relación con sus dramas; mahou shoujos deshumanizadas que se ven forzadas a acarrear con sus obsesiones materializadas en extensiones de su cuerpo. Miki Sayaka no es la excepción, y por el contrario quizás sea la bruja con mayor simbolismo visto, decimos quizás porque es posible que al conocer su drama somos capaces de identificar cada referencia. Okatavia von Seckendorff es conformada por un laberinto/barrera con rieles de trenes, ruedas de la fortuna, una sinfónica y un anfiteatro como locación espacial, además de presentar la forma de una sirena, armadura y un nombre mismo caballeresco, pero llama más la atención lo doloroso de su conversión al estar su espíritu representado por sus bajas pasiones y que en un apartado inferior, en una recámara aparte permanezca la única sombra de Kamijou en clara referencia a la imposibilidad de admitir sus sentimientos en vida por ese objeto del deseo. La cantidad de referencias empleadas en la construcción de Oktavia es notable y podríamos revisarlas una a una, pero sería un trabajo más pertinente al formato de ficha de personaje, razón por la que resulta suficiente mencionarlas – para profundizar en estos detalles recomendamos revisar el site http://wiki.puella-magi.net/ donde podrán encontrar información cuantiosa sobre el particular. Es importante anotar, por el contrario, las referencias al rol de caballero que incorpora en las personalidades de Sayaka y Kyouko, el vínculo necesario del desenlace. En las historias con predominancia de caracteres femeninos, y concretamente en shows de magical girls el factor lésbico si no es sugerido, es abiertamente propuesto; es casi una norma, uno de los lugares comunes lejos de malinterpretarse con aquella particular visión de la amistad y cercanía que parecen otorgar los japoneses a los adolescentes de sus obras. Ejemplos sobran dentro y fuera del género, siendo los más comunes Bara no Versailles, Shoujo Kakumei Utena y Mahou Shoujo Lyrical Nanoha – obra constantemente relacionada a Madoka Magica no solo por compartir director sino también por presentar rasgos diferentes en el género y ser pese a eso, íconos –, donde el contraste de personalidades representa el complemento en una relación que llega a concretarse o se delimita por las reglas de la serie, siendo solo implícita. Kyouko reconoce que los valores “heroicos” de Sayaka son similares a los que poseía en su infancia y que la motivaron a convertirse en MS, por eso la aversión inicial entre ambas ahora se plantea como posturas diferentes de un mismo pensamiento que ad portas de la muerte no hacen más que confluir en un torrente cálido – el de la compasión, deseo, pasión, ¿amor? – representado por la sangre derramada. Nótese que durante la batalla, la sangre derramada de Kyouko presenta una mezcla cromática de rojo y azul, colores que representan a las dos; junto a las lágrimas de Sayaka – también gotas de lluvia en el episodio – son referencias claras de su naturaleza complementaria, que las enfrenta en la vida, pero las une, ata o hasta encadena en la muerte.

♫In other words, please be true / In other words I lov...♫
¡Lo sabíamos Kyouko, lo sabíamos!

En el caso de Homura tenemos a un personaje estoico, apático, enmascarado en una personalidad conveniente para su propósito, que es el de impedir la conversión de Madoka en MS. Homura pese a quebrarse delante la protagonista en el episodio anterior, sigue usando sus recursos habituales, acompañada de un discurso utilitario esta vez, práctico, cruel, y hasta egoísta; el orgullo al que alude Kyouko es infundado ya que no sabemos – aunque intuimos, especulamos más precisamente – con exactitud qué la mueve, cuáles son las motivaciones exactas y en qué contexto se dieron. Cuando mencionamos que su discurso es utilitario lo hacemos por su paralelo con Kyuubey, quien enarbola el bien mayor que representa salvar a la humanidad sacrificando unas vidas humanas justificando así, la constante tentación a Madoka; Homura por el contrario no propone un bien mayor, pero sí un beneficio propio o compartido al querer salvar a Madoka – ¿y su relación? – de forma egoísta, instándola constantemente a no contratar, pero sin razones claras aún. En otra perspectiva, tanto forma y fondo de ambas posturas no significan una opción, sea por la frialdad o crueldad de aquellas o por la delgada línea que las divide propiciando una incertidumbre informativa. Madoka tiene un predicamento moral porque no es capaz de asir el mundo con sus razonamientos, movidos ahora por los sentimientos; el shock emocional que padece es justificado por la serie de sucesos trágicos ocurridos hasta ahora y coronados con los de este episodio, allí la razón de su incapacidad para reaccionar, la información no es confiable, no es suficiente, es parcial, inoportuna y entra en conflicto con sus preceptos. Kyouko por el contrario, como clara figura protagónica del episodio ve su drama desarrollado y finiquitado, aunque no sabe cómo solucionar las cosas sabe qué debe hacer, intentar y forzar soluciones, por tanto se vincula al destino de Sayaka mediante lo trágico y lo ideal de sus propias creencias. Su personalidad sanguínea, activa, dinámica bien se representa por la gula, por esa actitud insaciable, por esa clara marca masculina de la toma de decisiones y la confrontación – es probable que aquí el espectador note referencias fálicas más evidentes con la respectiva modificación de su lanza – la van a llevar a una conclusión, apresurada en efecto, pero válida desde su perspectiva y es que la deshumanización, con su incapacidad para solucionar dos eventos desafortunados – el caso de su padre y el de Sayaka – y el encuentro con su contraparte complementaria no hacen más que la resignación se apodere de ella y se valga del sacrificio como expiación, sí tal como hizo Sayaka. Ambas comparten situaciones y sus motivaciones aunque diferentes, las orillan a lo mismo; Kyouko expía sus pecados con los ataques de Sayaka, con la desesperación provocada por un plan fallido impulsado por un inocente optimismo reduccionista, se enfrasca en una pelea que se basó en la ignorancia, en la fe únicamente – death flags evidentes – y llega a la conclusión de que sólo aquellas que no tienen nada que perder deberían luchar, una pelea de las desahuciadas. De acuerdo a esto, todos los personajes reaccionan en base a los demás, pero el drama es más notorio cuando sabemos que algunos siguen siendo influenciados o manipulados por intereses que desconocen; Kyuubey revelando que omitió información vital ante Kyouko genera repudio al ser el responsable de haber puesto fin a una niña añorante que en sus momentos finales solo clamó a Dios por un sueño feliz.

Come at me bro!!!

El apartado técnico esta vez se ha valido de animación detallada, los encuadres buscan reforzar situaciones y los escenarios gozan de una gran cantidad de mensajes complementarios al discurso. El relato, la narración y la historia cuentan con técnicas de exposición gráfica que aun sin recurrir al barroquismo visual de episodios anteriores resultan increíblemente adecuadas. Este impacto plástico generalmente asociado a la animación cuasi experimental, más mezcla de de técnicas que innovación gráfica, conduce a una finalidad asociada con lo contado. Esta vez los tiros de cámara son más extremos, la sensación de encierro es más notoria, la claustrofobia del episodio ocho también está presente aquí, y la aparición de elementos simbólicos irrumpiendo en los diálogos es perturbadora. Vemos por ejemplo que fuera del laberinto, durante la reunión de las tres chicas, la presencia de ruido externo, de rieles, de metal y contraluz no solo promueven una imagen del peligro sino también del acecho, basta notar en los extremos dos faros rojos “contemplando” la escena, tal como en el sueño del primer episodio y como en la parada de buses en el episodio ocho, clara referencia a Kyuubey. Este tipo de juego que aprovecha el estado emocional, presenta una serie de escenas oscuras, no difuminadas, de mucha nitidez por el contrario, de buena definición que hace prácticamente a todo background notable en el episodio. Reforzando la situación, los saltos y escenas incrustadas en el diálogo entre Madoka y Kyuubey cambian acorde al tono de la revelación, pasando de la fría y tranquila oscuridad a tonos cálidos asociados al llanto y lo emotivo, incluso los paneos al entorno parecen incrementar el efecto. Las tres tomas de sillas en la habitación no solo referencian a Bokurano como dijimos, sino que son interrupciones visuales que al igual que la sinfónica de Oktavia acompañan los eventos con la finalidad de perturbar, es decir, un crescendo emotivo. Es así como vemos el laberinto final de Oktavia, circular no solo por su primer significado de anfiteatro respecto a lo musical de su obsesión sino por la puesta en escena, tal cual una ópera trágica donde es la reina cruel en el centro y a su vez el monstruo a vencer de los mitos. En síntesis, un episodio formidable, complemento directo del octavo, con revelaciones propias de un episodio múltiplo de tres – una de las cientos de fórmulas ocultas que presenta esta serie – y final de penúltimo cuarto que supone un giro argumental. ¿La serie de la temporada? La pregunta a estas alturas ya es innecesaria, Madoka Magica ya es un fenómeno cuyo análisis apenas empieza; una serie de profundidad en diversos niveles que la posiciona como título fundamental, favorita de este servidor y consentida del proyecto.

So as I pray, Unlimited (and explosive) Spear Works!!!

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A Cruel Angel's Thesis: Cover y tabs para guitarra

2011-03-07T07:25:00.000-08:00

Sin lugar a dudas A Cruel Angel's Thesis (残酷な天使のテーゼ, Zankoku na Tenshi no Tēze), aquella canción interpretada por Yoko Takahashi como opening (tema de inicio) de la serie Shin Seiki Evangelion, se ha convertido a lo largo del tiempo, ya sea por la calidad de su serie o por su propio mérito, en el tema de inicio más popular y en todo un referente musical para generaciones de aficionados a la media nipona. Versionada hasta el cansancio - parece que nunca es suficiente -, para quienes disfrutamos de la música en general, tocamos algún instrumento y además apreciamos la cultura popular japonesa, es casi una obligación saber ejecutar el tema. Por eso les traigo un cover para guitarra eléctrica con un pack de descarga no solo del vídeo sino también de los tabs (tablaturas de guitarra) una versión mp3 y la pista instrumental (backing Track).

Tema: A Cruel Angel's Thesis
Serie: Shin Seiki Evangelion
Intérprete original: Yoko Takahashi
Versión: Daniel Guerra Caballero
En línea: http://www.youtube.com/watch?v=oEJsozBWya0
Tabs y mp3: http://www.4shared.com/file/uFQ-3oeM/EVA_Guitar_Cover_Pack.html

Programa nº 6 Especial de fin de año 2010 Proyecto Nihon [PODCAST]

2011-01-31T00:10:00.000-08:00

Programa número 6 de Proyecto Nihon, que en esta ocasión es el segundo especial anual sobre las mejores y peores series estrenadas durante el 2010. Si bien las emisiones tardan en lanzarse tras su grabación, esta se ha tardado más de la cuenta, teniendo en consideración el tema. No obstante, lanzarlo antes del fin de este primer mes del 2011 es una suerte de agridulce consuelo.

En esta ocasión revisamos en más de dos horas y media los títulos de mayor interés para los espectadores habituales y ocasionales, priorizando, lejos de tendencias y popularidad, la calidad del producto en diversos aspectos. Claro, siempre con mucho de objetivo en cuanto al análisis y más de subjetivo en cuanto a nuestros gustos – es inevitable, después de todo.

Lamentablemente esta edición no incluye los bloopers habituales por cuestiones de tiempo ya que suman alrededor de 240. Teniendo en consideración que grabamos en dos fechas y en periodo de fiestas no es de extrañar tamaña suma. Aun así, serán lanzados posteriormente – lo cual no significa que en los siguientes programas se haga esta misma separación – alcanzando quizás una extensión de media hora repleta de ocurrencias, desvaríos, bromas espontáneas, yerros y montajes retorcidos con ese humor socarrón característico de la sección.

Esperamos que disfruten del programa que tanto tardó en lanzarse, pero que disfrutamos mucho en grabar pese a los problemas técnicos que padecimos gracias a la maldición de Satoshi Kon que ahora nos persigue. Para este 2011 les traeremos algunas novedades, de las cuales pueden ver un pequeño adelanto en la imagen que acompaña a este podcast – sí, lo sabemos, ya pasó la Navidad, pero el dibujo se hizo en esa fecha, así que comprendan.

Son bienvenidos todos sus comentarios y sugerencias.

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Programa nº 6 Proyecto Nihon
Duración: 2h:37m:10s
Formato: Mp3
Tamaño: 92 Mb
Participantes: Daniel Vasco, Iván Rodríguez, Lisandro Gómez, David Martínez y Daniel Guerra

URL alojador externo (reproducción on line y descarga)
http://www.4shared.com/audio/b6XXTMcK/Podcast_6_Proyecto_Nihon__80_k.html

URL del programa (reproducción on line y descarga)
http://poderato.com/proyectonihon/nihon-radio-proyecto-nihon/podcast-no-6-especial-2010-proyecto-nihon

Página de Facebook
http://facebook.com/proyectonihon

Correo
proyectonihon@gmail.com

Programas anteriores:
Programa nº1: Piloto. Sobre el proyecto, enfoques, nosotros, preferencias, etc.
Programa nº2: Especial de fin de año sobre las mejores y peores series del 2009
Programa nº3: Tendencias de los animes de los primeros 10 años del S. XXI
Programa nº4: Productos generados por aficionados a la media japonesa
Programa nº5: Especial sobre Satoshi Kon a propósito de su sensible fallecimiento

Programa nº 5 Especial Satoshi Kon Proyecto Nihon [PODCAST]

2010-10-30T01:11:00.000-07:00

Edición especial del podcast dedicado al análisis de los medios generados en la cultura popular japonesa del colectivo Proyecto Nihon. Este quinto podcast está dedicado íntegramente a la revisión de la obra del director japonés Satoshi Kon con motivo de su sensible fallecimiento el pasado 24 de agosto de 2010.

El programa fue grabado a pocos días de la noticia, no obstante su salida se retrasó por problemas internos. En esta ocasión, el programa divide el tema en dos secciones; estando dedicada la primera a la biografía, técnicas y características del director, mientras que la segunda se avoca a cada una de sus obras (Perfect Blue, Millenium Actress, Tokyo Godfathers, Paranoia Agent y Paprika).

Para este especial, todas las pistas musicales usadas de fondo así como el op y ed fueron extraídas de las bandas sonoras originales de las obras de Kon. Esto, sumado a un total de dos horas con treinta minutos de discusión y análisis es nuestro homenaje y despedida al que fue uno de los más grandes directores japoneses de animación y el mejor en el género del thriller.

Los invitamos a oír este podcast y disfrutar también, además del análisis, la sección de blooopers esta vez tan especial como el programa ya que posee veinte minutos de errores y situaciones curiosas que surgen durante la grabación.

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Programa nº 5 Proyecto Nihon (Especial de Satoshi Kon)
Duración: 2h:30m:04s
Formato: Mp3
Tamaño: 123 Mb
Participantes: Daniel Vasco, David Martínez, Iván Rodríguez y Daniel Guerra

URL del Programa (reproducción on line y descarga)
http://poderato.com/proyectonihon/nihon-radio-proyecto-nihon/podcast-5-especial-satoshi-kon-proyecto-nihon

URL alojador externo (descarga)
http://www.4shared.com/audio/b0L0wdHV/Podcast_5_full__112_kbps_.html

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proyectonihon@gmail.com

Programas anteriores:
Programa nº1: Piloto. Sobre el proyecto, enfoques, nosotros, preferencias, etc.
Programa nº2: Especial de fin de año sobre las mejores y peores series del 2009
Programa nº3: Tendencias de los animes de los primeros 10 años del S. XXI
Programa nº4: Productos generados por aficionados a la media japonesa

Occult Academy episodio 1: La profecía de Maya (Maya no Yogen - マヤの予言) Emitido el 05/07/2010

2010-08-21T16:04:00.000-07:00

Argumento: En una noche de luna llena, un joven corre por el bosque huyendo de una criatura alada de ojos rojos similar a un murciélago. Mientras lo hace, usa su celular para pedir ayuda a un grupo que ha estado monitoreando la situación con equipos electrónicos. Ellos determinan usar un portal de transportación para llevar al chico a su base, pero este llega muerto. Ante el descubrimiento, deciden que los riesgos de la situación son altos así que usarán al último muchacho que les queda. Trasladándose la acción trece años en el pasado, en 1999, Maya Kumashiro llega a la ciudad de Nagano para dirigirse a la Academia Waldstein, un lugar con reputación oscura, pues incluso el taxista que la conduce hasta las instalaciones le advierte de los rumores que se dicen sobre esta academia. Rumores que en todas las circunstancias la asocian con fenómenos paranormales y sobrenaturales. Solo al pisar la entrada, Maya siente incomodidad, animadversión o simplemente fastidio por el lugar, pero aún así se dirige a la capilla de la academia. En el interior, se realiza el velatorio del director del centro de estudios y padre de Maya, quien ya dentro, vestida de blanco y con actitud altiva, que por cierto aviva los comentarios susurrados de los estudiantes, es conducida por una asistente de la dirección al frente.

Durante la ceremonia, la asistenta revela la existencia de un audio grabado en vida por el director para despedirse de sus alumnos. En el audio, el director además de realizar recomendaciones a sus estudiantes decide despedirse intentando mostrarles un espíritu, y es que él realmente promovió cierta afición por el ocultismo teórico en la academia. Los rostros de incredulidad de los alumnos rápidamente cambian a la sorpresa ya que luego de que el director recitara un conjuro erróneo, un espíritu aparezca y poseyera su cuerpo muerto. Dispuesto a atacar a los estudiantes, el espectro se lanza sobre los grupos que pugnan por huir, pero es golpeado por Maya. Ésta empieza entonces a dar un discurso sobre la falsedad del fenómeno, negando la existencia de hechos paranormales y atribuyendo todo a un truco, pero es interrumpida por el espectro que termina huyendo de las instalaciones. Una vez que los estudiantes lograron huir de la capilla, un grupo conformado por una amiga de la infancia de Maya, Kuroki Ami, Naruse Kozue, JK y el conserje apodado Smile van en busca del espectro al que paradójicamente, la hija del director logró identificar clase y características.

Durante la búsqueda, Naruse es poseída por el espectro y ataca a los demás, pero Smile logra hacerle frente golpeándola hasta que huye. No obstante, Maya decide seguirla hasta una habitación en la que se encuentra con su padre. Allí, este se disculpa por haberla abandonado presa de su obsesión por lo sobrenatural y trata de reconciliarse con su hija; ella lo acepta, pero lo ataca pues se dio cuenta del engaño del espectro. Le corta la cabeza con un hacha y la ilusión desaparece liberando también a Naruse. Luego de regresar el cuerpo al ataúd, la asistenta y un guardia de seguridad, discuten acerca del fallo del plan mientras Maya se dirige a la azotea de la academia. Allí recuerda cómo de niña, vivió con su padre y cómo se formó en los temas de ocultismo también, pero llegó un punto en el que aquel se obsesionó tanto que descuidó y maltrató a su familia, razón por la que madre e hija lo abandonaron. Maya decide entonces que ha regresado para eliminar todos esos malos recuerdos de raíz, acabar con esa academia y todo lo sobrenatural. En ese preciso momento, un celular cae del cielo a la par que un portal luminoso se abre y desciende un joven desnudo que la saluda. ->> Continúe leyendo las impresiones y análisis

¿Caídas prematuras? Esto no pinta muy bien desde el principio

Impresiones: La pasión por lo oculto ha sido una característica tan arraigada en el ser humano como su ambición y su deseo de supervivencia. Este desenfreno, inquietud, ansia, tendencia, inclinación y maldición a su vez, le ha granjeado centurias de males y tormentos; felices siempre en pro de la historia, pues enriquecen y apilan las páginas teñidas de sangre de los llamados “mártires”, o en el peor de los casos, nutren las ansias de editores y lectores contemporáneos de paso. La curiosidad, encarnación primitiva del espíritu humano, ha llevado a la caterva universal a indagar en sus propias carencias, incluso desde sus primeros sistemas de interpretación del mundo, haciendo evidentes muchas veces sus debilidades, y fungiendo a cambio como panacea. Así, mercaderes y eruditos de aquellos resquicios, traficantes de anhelos y hasta humanistas de lo imposible desarrollaron saberes y ciencias de lo “oculto” bajo presión de la demanda y hasta por simple fe ciega. Resultado de eras oscurantistas, de supresión de conocimientos y manipulación político-religiosa, este desmembramiento se dedicó a enriquecer lo que ahora llamaríamos nuestra herencia romántica del fin de siglo – de seguro otros prefieren “la locura del fin de siglo” – de la mano de grimorios, tratados, anales y panfletos con indicaciones acerca del porqué de los fenómenos y la quintaesencia de lo maravilloso.

"L'femme à la hache"
(mi revisión antojadiza de L'home à la hache de Paul Gauguin)

Las llamadas ciencias ocultas, ocultismo o simplemente las pseudociencias – para evitar reunir el importante listado de especializaciones ad hoc – no solo fueron protagonistas de la lucha entre validación y refutación de la historia – con eventos más o menos espectaculares y teatrales hasta el siglo XX – sino que supieron “mutar” y actualizarse junto a la “evolución” de las ciencias, logrando instalarse en lo más profundo del ciudadano de a pie, en sus venas y arterias émulas al victorioso Demonio miltoniano de Clemente Palma – autor romántico decadente más que preciso para estos temas. El éxito de estas artes radicó más que en su éxito durante la experimentación, en las personas con poder económico o sin él, capaces de creer. La muerte, principal perseguida del Otro lado, resultó ser solo el ápice de búsquedas radiestésicas, mesméricas, psicofónicas, psíquicas, espectrales, ectoplasmáticas y parapsicológicas en un comercio donde lo fantasmagórico, siendo sarcásticos, y lo mágico, siendo religiosos, se hizo del día a día al punto de difundirse a todo nivel. No obstante y en cruel paradoja, todos los contenidos traficados del pasado, asentados con sus rocambolescas teorías e hipótesis en forma de ouróboro, con la masificación dejaron de ser trascendentales y se hicieron parte del entretenimiento. He aquí nuestro punto de partida, pues la media discutida tantas veces en su naturaleza, aborda estos temas con olor de azufre como algo cotidiano, y más cercano al espíritu literario que a las artes ocultas, de las que heredó lo necrológico.

¿El Ocultismo un juego peligroso?
Será más peligroso dejar solas a esas dos en la pubertad...

Para el público consumidor de historias de ultratumba y paranormales – hago la distinción para dejar en claro que entre magia negra y parasicología “esotérica” hay una gran distancia – la literatura de panfletos resultó el gran productor de entretenimiento de salón, el cual pasaría a diversos formatos a merced de la tecnología; instalándose en los audiovisuales en último punto. Con esto, el cine, oscuro en sus inicios, revaloró las viejas leyendas y tradiciones europeas, que ya sabemos nutridas de caldos de brujas, aparecidos y demonios. Posteriormente, la tecnología usada aquí fue también aprovechada por los estudiosos de lo paranormal para validar sus experimentos; lo importante, sin embargo, es destacar la relación y alianza intrínseca entre estos dos colectivos. Tras muchas adaptaciones fílmicas a lo largo de esta historia, hoy en día es muy habitual, casi obligatorio de hecho, encontrar elementos sobrenaturales en la media nipona, o bien como eje argumental o como características secundarias, pero imprescindibles. Esto sucedió de tal forma que en muchas de las producciones fantásticas, resulta complejo y hasta imposible usar los términos ocultista o paranormal. El abuso de la mezcla de géneros parece haber sido el culpable/responsable de que sea burdo etiquetar una serie, claro, siempre y cuando devenga en el desarrollo de la riqueza argumental, que ante la amplitud de títulos existentes escapa a cualquier revisión mínima. Este fenómeno, como era de esperarse, ha generado títulos con mayor o menor éxito, condición obligatoria en un contexto de producción en masa; la irregularidad de la industria entonces, engrosó el listado de tramas sobrenaturales llegando a su máxima expresión en el periodo de transición comprendido entre los 80’s y 90’s. Aun con este dato, son pocos los antecedentes puros – dejando un listado breve unido sólo por las especializaciones del ocultismo tenemos: Ghost Hunt, Ghost Hound, Sci-Fi Harry, Chaos Head, Psychic Academy Aurabansho, etc. – de referentes directos para la producción en cuestión y sus productores, pues sabemos que los responsables de esta obra son también sus creadores y no simples adaptadores como habitualmente ocurre.

Anime no Chikara:
¿El "monstruoso" y "espeluznante" poder del anime?

Anime no Chikara o “El Poder del Anime”, es el proyecto resultante de la alianza entre TV Tokio y Aniplex para producir series anime originales, es decir, que no sean adaptaciones de historias desarrolladas en formatos impresos o multimediales como los mangas y los juegos. Con una premisa que se diferencia del común denominador y de la tendencia natural en la industria de adaptar historias, el trabajo de este colectivo que inicia en los primeros meses del 2010, no solo se presenta como una renovadora declaración de intenciones sino que además pareció contar con el apoyo del siempre voluble fandom. En virtud de esa cualidad de los aficionados, usamos los tiempos en pasado sobre el impacto de Chikara porque incluso siguiendo el camino de originalidad de guiones vista en muchas series del pasado – Shin Seiki Evangelion, Serial Experiments Lain, Paranoia Agent, Denno Coil, etc. – sus intenciones se rinden a la frase “El camino al infierno está empedrado de buenas intenciones”. Este proyecto ha desarrollado a la fecha tres títulos de géneros tan diferentes como irregulares, los cuales fueron So•Ra•No•Wo•To, Senkou no Night Raid y Occult Academy que generen probablemente confrontaciones entre sus partidarios. Pero ¿qué fue lo que generó que los trabajos posteriores de Chikara sean considerados fallidos contando con una ópera prima por sobre la media? La respuesta es fácil, su orientación.

¿"El poder del anime"?...
¡Patrañas! ¡Siente el poder de la Crítica!

So•Ra•No•Wo•To, primera serie del proyecto pese a ser víctima de acusaciones de plagio en cuanto a diseños, supo encontrar un balance en la mezcla de géneros que propuso; y siendo sinceros no era habitual ver series con trasfondo militar, excusa musical, moe, drama, referencias geográficas reales y una banda sonora realmente inspirada – sin restarle el mérito al título, pero de la mano de Yuki Kajiura cualquier serie sube la media. Sin embargo ese fue su talón de Aquiles, pues las dos obras siguientes serían juzgadas sobre los parámetros de las buenas prácticas logradas con su primera obra. Así, esperando probablemente un manejo similar, el desengaño y decepción de los fans tras ver su segunda obra sentaron el antecedente de la duda ahora confirmada con el último trabajo. Senkou no Night Raid aunque con una pequeña campaña de intriga y teasers atractivos – las referencias a Baccano! eran descaradas – no fue lo que prometía; sus personajes, animación y narrativa correspondían al común denominador de títulos con presupuesto promedio dedicados a cubrir las cuotas obligatorias en los charts por temporada. Está de más decir que las expectativas por su próximo trabajo despertaron discusiones en diversos medios, y el resultado fue predecible en sus contrastes. Como dijimos, el error era un tema de enfoque, y es que con solo producciones originales no se consigue el favor del público ni su aceptación; si planteamos que la industria genera una escala de merchandising con la cuál puede apoyarse, desarrollar una serie desde cero no siempre resultará exitoso – es muy difícil imaginar otro ejemplo de éxito superior a EVA para este caso. Con todos sus riesgos, a eso parece aspirar Chikara ya que ha mostrado una tolerancia por la repetición de lugares comunes y clichés con un descaro tan abierto que no somos capaces de imaginar que no deseen que sus producciones de entretenimiento puedan toparse con una franquicia explotable a largo plazo. Esta estrategia, como se nos mostrará con el correr del tiempo, es un arma de doble filo que temprana aún ya ha empezado a revelar sus consecuencias; pues esos errores a los que aludimos y se adivinaban con su segundo trabajo, con Occult Academy – su última producción y motivo de este análisis – veremos que se repiten y cuantifican.

Lo lamento, pero pese a todo lo que ofrecen no hablaré
bien de su producción, Anime no Chikara

Estrenada el 5 de julio de 2010, Occult Academy, es la más reciente producción de la alianza Aniplex – Tv Tokio bajo el nombre de Anime no Chikara; tiene además en la dirección a Tomohiko Ito quien por primera vez está al frente de un título completo. La serie cuenta con un planeamiento de trece episodios en los que desarrollará un guión rara mezcla de horror, misterio, suspense, comedia, vida escolar y service. Con el encargo de la música para Shoko Nakagawa (Op. Flying Humanoid), Ayahi Takagaki (Ed. Kimi ga Iru basho) y Kazuya Tanaka en la dirección de sonido quien unifica a diversos compositores y arreglistas para el BGM – lo cual podría indicar que es un apartado que resalte especialmente, pero no es así – este título pretende reunir una serie de elementos que han funcionado adecuadamente a través de los años y en diversas ubicaciones geográficas; lamentablemente no lo hace. El apartado musical de presentación y cierre aunque no deficiente, peca de común y repite, tal cual la serie lo hace, sonidos y melodías clasificables en el denominado género J-pop, pero añadiremos también un calificativo temporal, J-pop del S. XXI. La poca variación de notas, melodías, escalas, lírica y tonos vocales en las producciones de la segunda mitad de los diez primeros años de este siglo XXI, ha construido una característica que parece ligada por definición a los tópicos de caracteres y subgéneros. Variando mínimamente – y salvando diferencias mediáticas con coreografías incluidas –, con arreglos rockeros en manos de la excusa moe, la música de este periodo no ha sabido renovarse, y esa es una norma para todas las series ubicadas en el promedio, donde se encuentra Occult Academy. Sin embargo, su regularidad y poco riesgo experimental en el OP y ED no es comparable con el BGM, que sin ser atípico da cuenta de la caricaturización voluntaria/involuntaria que puede provocar. De hecho, un momento crucial de la serie es marcado por el cambio de la música y revela así la verdadera naturaleza burlesca de la serie, que con todos sus gags y guiños no logra sincronizar adecuadamente con la comedia, pero sí con el ridículo de la parodia. Este es un rasgo que comparte con muchas de sus referencias, las cuales citaremos más adelante, pero la música en sí, oscila y se debate entre ritmos guitarreros, pianos de recital y sintetizadores cómicos tanto por sus efectos como por sus ritmos fáciles y repetitivos. La música aquí es importante porque complementa el giro que da la serie con el desarrollo de los eventos, pues se presentaba como un título de suspense durante su primera mitad, para revelar luego y de a pocos, su esencia cómica/paródica – quién dijo que Danny Elfman solo trabaja con Tim Burton. Esto es quizás su error más grande porque además de acompañar a los eventos ayuda a hundirlos en la caricatura. El proyecto despertó interés en diversos sectores tras su anuncio, y es que sea por su primera obra, el diseño de personajes o el tema aparente, las expectativas variaban, decepcionando a muchos – me incluyo – y satisfaciendo quizás al consumidor promedio, que es mayoría.

Me pregunto, ¿dónde habré visto un fondo similar?
Ah, sí, AQUÍ con Takashi en el post anterior
Anime no Chicara, ¿no?...

Habiendo analizado el apartado musical, podemos desarrollar el marco de lo que representa el esquema narrativo y técnico, considerando que también los openings y endings aunque con direcciones variables adelantan mucho de lo que se verá en la serie. Este criterio incluso es aplicado por muchos televidentes para descartar un título, pero no resulta del todo válido en un análisis de la naturaleza que presentamos; más bien parece provenir y funcionar de acuerdo al gusto y hábitos de consumo de series, crueles, prejuiciosos y hasta frívolos a veces. Ya hemos dejando en claro que el título reseñado no es uno que brille por su originalidad ni calidad, siendo así diremos que los elementos que se supone lograrán conectarse con el público espectador no logran su cometido y hasta podríamos acusarlos de desinteresados en este aspecto. Con una animación fluida pese a su carencia de vértigo, diseños de trazo simple y fondos de cumplidora mediana factura – por diseño, cromatismo o por la marca Madhouse quienes son los encargados del BG – no destella; elabora una mezcla preocupada por la presentación de personajes en tamizados cromáticos y la saturación de adminículos y trastos ocultistas, dispuestos aleatoriamente, con una solemnidad descarada que se regodea por toda la pantalla cual enjambre de bichos en un parabrisas. Además de estos excesos que se repetirán en el largo del episodio, la exposición de la protagonista – sobre la que girará el último párrafo – recuerda al intento de publicidad subliminal de grandes corporaciones con afán de manipulación del pusilánime Respetable. Así es, la dirección se orienta a la manipulación, una no muy lograda por cierto, en la que tanta insistencia termina delatándola como pueril. Se nos introduce en una historia presumiblemente de misterio y ficción, de ritmo controlado, argumento y diálogos originarios del suspense para dejarnos caer en cuenta de que fue un error el cambio de orientación posterior o quizás la misma introducción.

¿Fenómenos paranormales magnéticos, psicofonías, white noises
y cintas cromadas? Entonces...
"It's a SONY"

Dividamos a la serie por sus cortinas en dos partes, y la primera a su vez en otras dos, porque así se entenderá que el segundo cuarto va degradándose con los minutos hacia lo cómico y paródico, preámbulo a los dos cuartos finales totalmente burdos – ojo, por su recurso de espectáculo. Entonces, ¿esa introducción en clave “seria” es lo suficientemente importante como para aducir que el resto de la serie se desliga de ella en una merma progresiva de calidad? Sí, pero también puede proponerse que ese intro falla y sobra en el conjunto del episodio. Este uso inoportuno de elementos también puede verse con la incursión de datos muy específicos, quizás incluidos para reforzar esa flemática y conservadora introducción con temperaturas, horas, fechas, años, lugares, distritos y ciudades en un intento de validación – atrás quedó la vieja usanza de los escritores clásicos de indicar sólo la primera letra de los nombres propios. No obstante, la credibilidad no es gratuita y se le niega al iniciar la carrera; el guión manipulador no funciona y solo encuentra su pico creativo, exudado de esfuerzo, en la interacción con el espectador, ya que demanda en ciertos momentos el ojo atento y la ilación de eventos y datos – más útiles en la lectura entre líneas. Pero tampoco seremos totalmente desaprobatorios con el esquema narrativo que cuenta con una técnica atractiva y justificada para la presentación de eventos pasados complementarios a la historia. Sobre esto, sabemos que los flashbacks son recursos muy usados en casi toda producción, y son ya prácticas obligadas en el gremio de guionistas, pero ante el riesgo de su invalidación por culpa de un personaje tendríamos un problema. La protagonista, como toda tsundere, cambia su discurso en base a sus emociones, por tanto su comunicación se halla en un avance y retroceso, de espiral incluso, para complicar más las cosas. Con esta dificultad contar el pasado a través del propio protagonista significaría dos cosas: la invalidación de la personalidad voluble al contar en un tono objetivo los eventos y/o la nulidad del valor probatorio de los enunciados sobre el pasado que esgrima sobre sí – en cada recuerdo tendríamos tantos “tsun tsun” y “dere dere” que sería imposible creer todo lo dicho. Por este motivo los flashbacks que dan cuenta sobre el pasado de nuestra protagonista son contados por otros personajes antes de otorgar la posta a Maya, quedando su discurso limitado a la verdad ya expuesta por sus presentadores previos. Esta es una marca interesante en el fango de inocentadas que conforman la serie – Maya conservando una versión actualizada de su ropa infantil es tan grave como cómico y pervertido – que debido a sus referencias televisivas, fílmicas y ocultistas no se libra de ser “una suerte de comedia con guiños ocultistas y trama sobrenatural de ciencia ficción parasicológica, con ectoplasma chorreante como en película barata ochentera”.

"If there's something weird / And it don't look good / Who you gonna call?"
GHOSTBUSTERS !!!

“Una comedia con guiños ocultistas y trama sobrenatural de ciencia ficción parasicológica, con ectoplasma chorreante como en película ochentera”: Abro este párrafo con la frase/sentencia del anterior, porque define a plenitud el espíritu de la serie; uno dotado de características pares, pero no inconexas. Hablamos de las referencias y el ocultismo. El entendido en esta última materia podrá avistar a una milla de distancia – o a tempranos segundos, para utilizar la unidad de medida más adecuada – que la soberbia mezcolanza vista, da pie a un amasijo poco exacto de recetas y fórmulas ocultistas. No le vamos a pedir especialización y profundidad humanista a un título como este pues la erudición oscura suele manifestarse en otros lares; pese a esto, describiremos estos saberes desde el punto de vista planteado en ese universo ecléctico llamado Occult Academy. Si tomamos como referente que durante la introducción del episodio se profundizó en detalles irrelevantes, la misma inocente deficiencia se repitió con la malversación de términos ocultistas – no podremos librarnos del término en toda la reseña y serie, ya que la dichosa palabra hasta va incrustada en el título. Propio más de un glosario de términos ocultistas que de un grimorio, se cita, nombra, muestra, comenta, define, expone y debate con terminología “especializada” cada situación que demande una explicación racional. El escapismo de la realidad es entonces, encarnación de lo fantástico y obligatorio en esta serie que arma un collage tanto de imágenes como de conceptos con la intención de sofisticar una trama peculiar, que por ahora ni muestra señales de complicarse con los viajes temporales, punto débil de toda obra de ficción en esta línea. Así es, toda referencia mágica es general, burda, mínima y en el peor de los casos errada – es bochornosa, para quienes entendemos de estos temas, la identificación y método de exterminio del espectro de turno, atribuible a una oriental confusión de dos culturas y periodos ampliamente documentados: Egipto y Grecia – por lo que solo cumplen un papel decorativo merced del pretexto inflado desde las referencias. Éstas, cumplen un rol importante en grado sumo para el desarrollo del argumento y es tal su impacto negativo que hasta el público estándar la desaprueba. Esta serie, por tanto, bebe de diversas fuentes ahora de dominio popular, pero surgidas en América; contando en sus filas una amplia gama de títulos a cuestas reconocibles como emblemas de la cultura pop occidental del siglo XX. Esta otra exposición es tan abigarrada y excesiva que no convence, y peca de lo mismo que sus fuentes, en tergiversar los datos. En resumen, toda una desgracia presentada entre réplicas de las máquinas teletransportadoras usadas por Brundle en The Fly (La Mosca, 1986), piquetes de ojos estilo The Three Stooges (Los Tres Chiflados, 1922), descensos luminosos como en Close Encounters of the Third Kind (Encuentros cercanos del tercer tipo, 1977), pines, apodos y actitudes – esta última es un sarcasmo, ver los “amistosos” golpes del conserje – ligadas al Smiley (Harve Ball, 1963), vómito marca registrada de The Exorcist (El Exorcista, 1973), arrastre de un arma cortante – aquí hay varias referencias en una, mencionaré sólo tres: The Texas Chain Saw Massacre (Masacre en Texas, 1974), The Shining (El Resplandor, 1980) y Higurashi no Naku Koro ni [sí, por nuestra favorita Rena para los despistados] (07th Expansion, 2002) –, fantasmas voladores quiebra retratos como los de Ghostbusters (Los Cazafantasmas, 1984) – en honor a la verdad, esa foto del director cambiando su gesto para sacar la lengua arrebata carcajadas –, banda sonora tergiversada de The Omen (La Profecía, 1976) en fórmula invocatoria – el más grande ridículo al usar el cántico Ave Satani compuesto por Goldsmith (“Sanguis bibimus corpus edimus. Ave Satani”: La sangre bebemos, El cuerpo comemos, Salve Satán) – y reacciones sobreactuadas de sorpresa, fluidos nasales segregados, pérdida ¿espectral? de gafas, suspiros entre proposiciones por fortuna ausentes de gotas en la cabeza, chamusque de cabello afro style, y súplicas por la conservación intacto del rostro – la frase “¡En la cara no!” se usa en todo el mundo, pero las viejas generaciones de lectores peruanos sabrán esbozar una sonrisa cómplice al tener como primer referente al cómico Adolfo Chuiman). Este listado que omite otras referencias es clara muestra de que se satura al espectador con guiños innecesarios y que provocan irregularidad en el conjunto. Sin embargo, veremos en las líneas finales la razón de esa “irregularidad”, porque ahora desarrollaremos el último componente importante de la serie, la sexualidad y erotismo.

Maya Kumashiro: El objeto del deseo o El demonio blanco tsundere
¡Qué esperas para lamer mis tacones!

Contrariamente a los casos que hemos venido reseñando donde podíamos hallar una figura protagónica determinante más allá de su rol evidente, e interesante por su compleja personalidad, aquí nos topamos con la falsación de esa fórmula. Al igual que los filmes o series de acción real concebidas para el lucimiento de un actor, Maya Kumashiro es la figura a través de la cual se difumina el interés de mano de un erotismo tan protagónico como otro personaje; donde la palabra service cobra dimensiones monstruosas sin llegar al desenfado de lo evidente y carnal, pero sí de lo sugerente. Aunque Maya no sea un personaje logrado, es la carta de mazo alto jugada desde el principio por el staff; cuenta con un diseño físico y psicológico muy definido, capaz de conectarse inmediatamente con el imaginario y deseo de ciertos aficionados – que nos atrevemos a decir mayoría, en esta época de tendencias tsunderes. De figura esbelta, traje de una pieza, cabello largo y negro, medias altas, inflexiones vocales, tacones altos, brazos níveos y largos, y presencia abrumadora, Maya es el intento de crear a la ¿tsundere definitiva?, hecho que con todo lo negativo que se ha dicho sobre este título, no es factible de una negación rotunda. Si la serie es una caricaturización del género, su protagonista aprovecha esa exageración para definir su naturaleza, obteniendo así un mimetismo y curiosa simbiosis entre las referencias absurdas cómico/hórridas y los clichés de estas chicas intensamente volubles llamadas tsunderes. Se nos vende a Maya entre toda esa maraña de datos cuestionables como un objeto sexual, como el enganche de la serie, como el non plus ultra de la volubilidad femenina y el summum del deseo, en una forma poco decorosa – pero bienvenida, declaro mi debilidad por las tsunderes – que no exitosa. Teniendo censura para aspectos sangrientos y violentos, las situaciones que impliquen la exposición del cuerpo de la protagonista se dan maña para eludir el pantsu shot y aprovechar esa arma contorneada y mortal de la ropa ceñida. Occult Academy no muestra cosas explícitas, pero sí todo cubierto y ceñido, lupanar de la imaginación mordaz del aficionado. De alguna manera u otra, con mayor o menor éxito, por momentos la serie parece encumbrar a Maya como eje central, siendo una excusa para el lucimiento del diseño en virtud del merchandising posterior; independientemente de esto que tiene tanto de criticable como intentar sancionar a los autores de doujinshis – por el tema de los droit d'auteur es decir, algo burdo – no es Maya quien destaca sino sus formas, su actuar, sus miembros, su puesta en escena y su plástica del movimiento en un acierto que per se es válido, pero en el conjunto resta méritos. Precisamente estas curiosidades inspiradas son las que salvan a la serie de caer en el hoyo del ridículo total pues siendo Maya objeto del deseo se le caricaturiza sin deformación SD (Super deformed o chibi) en actos típicos y atípicos – golpear a una protagonista atractiva en el rostro y hacerla rodar cual personaje de caricatura norteamericana –, complementados con el erotismo mencionado – una breve lista: toma en 180 grados con repetición en 3 ocasiones de un plano inferior, acercamientos para las piernas de Maya, referencias fálicas encubiertas de sombra y fetichismo que roza lo incorrecto con los niños del ending.

Descuida Maya, no eres la única sorprendida.
Nadie se esperaba ¡ESO!

Esto es lo que tenemos en Occult Academy situaciones ocultistas sin base histórica o verídica, personajes ridículamente simplones, soft service en cantidades, abundantes referencias a la cultura pop occidental y todos los tópicos japoneses de los últimos tiempos. Estos componentes pese a delatar un producto fallido confirman también algo, su doble o múltiple capacidad de ser interpretada. No es una serie que pueda verse pensando en suspense u horror tradicional, ya que para ese público que gusta de lo serio y para el crítico en general, falla en todos los sentidos; pero podrá verse apelando al descreimiento de las reglas autoimpuestas por nuestras costumbres académicas, negando toda profundidad obligatoria y dando paso al mero disfrute y pasatiempo de sonrisa plena y simple. Esta serie es mala sólo si se la ve con ojos en extremo críticos, pero se torna disfrutable como una comedia ligera con toques paródicos en un visionado libre de prejuicios y pretensiones, porque mientras más se conozca del tema que tratan de contar los realizadores, con los yerros notaremos el valor de caricaturización que posee; uno capaz de entretener al público mayoritario adicto a la comedia ligera y a su vez capaz de hacernos reír, a los demás, de manera cómplice por los errores voluntarios e involuntarios de la serie, tal como lo hicieron las películas de horror/comedia que vimos durante nuestra infancia.

Maya: "Tsudere Service"
All of Us: At home? On Bed? Fuck Yeah!!!

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High School of the Dead episodio 1: Spring of the Dead - Emitido el 05/07/2010

2010-07-16T20:50:00.000-07:00

Argumento: Casi con melancolía, Takashi Komuro recuerda la noche anterior a los sucesos actuales; una noche que ahora parece lejana en medio del caos. Komuro es un estudiante bajo el promedio, descuidado y solitario lo cual no lo priva de sus viejos fantasmas de la niñez, una promesa que hizo con su amiga de la infancia, Rei Miyamoto. En uno de los balcones de su escuela evoca diversos recuerdos relacionados a su relación con Rei, que no pasó de la amistad hasta hace poco cuando fue rechazado por ella. Rei alguna vez sintió afecto por él, pero debido a su indiferencia terminó por entablar una relación con su mejor amigo, Hisashi Igō. Al iniciar la jornada escolar, en un estado depresivo, Komuro es encontrado por la estudiante modelo y autodenominada genio, Saya Takagi quien lo reprende por su comportamiento y minimiza la situación. Tras haberle gritado, lo deja solo con sus lamentaciones, y es allí cuando Komuro presencia el inicio de la tragedia para esta escuela. En los exteriores, un extraño golpea contra las rejas del colegio con insistencia hasta que algunos profesores intentan detenerlo. El sujeto en cuestión no reacciona coherentemente y termina atacando a uno de los maestros mordiéndole el brazo. Ante la sorpresa de los demás maestros, el afectado fallece en el acto, pero tras unos segundos se levanta y los ataca con el mismo método del intruso. De inmediato Komuro corre a su aula para alertar a Rei e intentar sacarla de la escuela. Pese a la resistencia de la chica y con el apoyo de Hisashi, los tres optan por huir juntos.

Conociendo los detalles de la situación y provistos de armas improvisadas prestos a salir de la escuela, escuchan un anuncio por los altoparlantes alertando sobre una revuelta interna. Este comunicado provoca el caos de los estudiantes pues el maestro que emitió el mensaje fue asesinado durante la transmisión. Mientras los estudiantes salen despavoridos hacia su posible muerte e infección, Saya y Hirano toman una ruta distinta de escape al tiempo que el trío inicial opta por lo mismo. Ellos deciden huir por la terraza de la escuela, pero en el trayecto se ven forzados a enfrentarse a los infectados, zombies a los que se refieren como “ellos”. Resultado de este enfrentamiento, Hisashi es mordido mientras protegía a Rei. Habiéndose hecho camino hasta la azotea eliminando infectados, crean una barricada para protegerse, no obstante Hisashi empieza a presentar los síntomas de la infección y ante la negativa de Rei, pide que lo maten. Una vez transformado totalmente, Hisashi los ataca, pero Komuro logra eliminarlo. Devastada por la muerte de su novio y la situación en general, Rei pierde la razón y recrimina a Komuro por sus actos aduciendo celos y venganza de su parte por la relación que mantenía con Hisashi. Tras oír esto, un Komuro silencioso decide abandonar la barricada para enfrentarse a los infectados, lo que hace cambiar de inmediato la actitud de Rei quien le pide perdón. Ambos se quedan juntos en el observatorio de la terraza mientras cae la noche y en la ciudad entera se pueden ver los efectos de la infección.

Estos zombies sí que tienen muy en claro lo que quieren

Impresiones: Entre las diferentes necesidades humanas ligadas, directa o indirectamente a los procesos creativos y resultado de la interacción con el entorno y con aquello que denominamos “cultura”, podemos encontrarnos con elementos, objetos, productos o unidades informativas capaces de motivar una determinada sensación, en muchos casos contrapuestas, pero ineludiblemente complementarias. Y es que aunque parezca paradójico, conceptos absolutos como las máximas cromáticas, espaciales, polares y axiológicas necesitan de dos elementos en su sistema para ser funcionales. Así tenemos que bajo esta característica, la relación humana con sus constructos ha manifestado/desarrollado (cfr.) una serie de necesidades a veces contradictoria, no por eso inválida. Conceptos como creación y destrucción, cotidianos en el quehacer humano han marcado todo tipo de comportamiento social, partiendo desde la psique como raíz – o lo genético según sea la preferencia. Esta tendencia hacia lo muerto y lo vivo, resultado de las pulsiones que Freud nombró como Eros y Thanatos predisponen a determinadas actitudes en relación al origen y fin del ser en sí mismo, pero con un enfoque sexual la mayoría de veces. Valerse del psicoanálisis para explicar un fenómeno de esta naturaleza, en la cultura de masas a través de los medios sobre todo, puede resultar antojadizo, pero es más adecuado que usarlo para una interpretación universal donde su insuficiencia ya es latente. Tenemos entonces, que en la industria del entretenimiento la mezcla del sexo y la muerte en su más expresiva y orgánica degradación, la ficción sobrenatural, aprovechándose en sus orígenes de los deseos latentes y reprimidos de los colectivos, como catalizador creó universos ficcionados, manifestación de los mismos. Todo esto en el género del horror.

"'Cause this is thriller, thriller night And no one's
gonna save you from the beast about strike"

La amplia ficción de horror ha desarrollado para su galería de aberraciones y víctimas protagónicas, caracteres sobre o infra-humanos a cantidades industriales, cada uno más o menos aterrador y ridículo según el contexto. En ese catálogo de criaturas, importado del folclore popular haitiano – con orígenes africanos por supuesto – tenemos al zombie o muerto viviente, resultado de la reanimación mágica – originalmente, y planteada como científica después – por un brujo experto. Carentes de razón y tenaces, estos entes insaciables en su ansia de carne, vida o más “clásicamente” cerebros, se degradan y pudren a velocidades realmente altas, en curioso recordatorio de lo fugaz de la subsistencia, incluso en ese estado. Los zombies, no obstante su fragilidad, gozan de gran popularidad y aceptación en la cultura pop a consecuencia de su paso por la literatura, la radio, los cómics y el cine, su más importante promotor. Asociadas siempre a películas de bajo presupuesto o “serie B”, las producciones fílmicas de horror con zombies han mantenido medianamente una casi religiosa fidelidad a sus orígenes – las etapas son un tema aparte – con tópicos muy claros y fórmulas usadas hasta el hartazgo: escasa profundidad de los personajes, falta de lógica en su premisa, destrucción urbana, ataques colectivos, villanos tras bambalinas, jerarquías de supervivencia y emparejamientos resultantes. Con todo esto, el género apela al entretenimiento, hecho evidente tras toda la asimilación por los formatos de una industria que desde los años treinta la expone en funciones. El cine de zombies engloba en su simplicidad el sentir de una época y podríamos decir hasta una actitud marcada por las hormonas juveniles, el sexo, la diversión, la acción y obviamente los muertos, sean divertidos o no; razón por la que su existencia y relación con esos elementos la hacen objetivamente parte de la cultura moderna. Si es válida una concepción e interpretación artística del género, es discutible, pues si bien evidencia mecanismos de arte, la parte no hace al todo, habiendo otras ramas o formatos de la expresión artística que la desarrollan con más éxito, pureza y estética. Esta afirmación es cuestionable, pero es propia al menos del intento de objetividad – no me considero en lo absoluto fan del tema – ya que no se apoya en el fanatismo – veo mucho más de arte en los cuerpos pútridos y deformes de la obra pictórica de Francis Bacon que en el cine de George A. Romero. Pese a estos antecedentes, y contando con muy pocos títulos precedentes en el mundo de la cultura popular japonesa, desarrollaremos a continuación la última producción del género fuera del circuito americano, un título heredero de ese prolífico cine tan fiel en sus premisas como necio en su autovaloración de calidad, la serie anime High School of the Dead.

Esta escena (posición) será mejor entendida por los lectores de Vatsiaiana

Adaptada del manga de Daisuke Sato y Shouji Sato, guionista y dibujante respectivamente, High School of the Dead o simplemente H.O.T.D, es una serie shounen con todos los elementos que esto implica, más el agregado de la presencia de zombies. Y debe hacerse esta pequeña acotación debido a que con toda la variedad de temas abordados por el manga y anime, estas criaturas no han sido protagónicas ni relevantes en las producciones. Salvando la notable diferencia con Hellsing y sus recientes ovas, podemos contar apenas títulos como Zombie Hunter, Zombie Powder, Kore wa Zombie Desu ka?, Zombie-Loan y Zombie ya Reiko, obras tan nefastas como sus nombres indican. En el caso de la serie que nos ocupa, pese a que fue esperada fervientemente por la comunidad, el tema es la suma del los tópicos antes mencionados más los clásicos fetiches nipones – quizás allí radica el entusiasmo del fandom. Sin embargo, como hemos podido experimentar con ciertas producciones, la adaptación de un estudio de animación es tan importante como la historia misma, y si la trama de H.O.T.D no es de las más elaboradas, no es mala, lo cual permite que con un adecuado tratamiento se eleve por sobre la media o llegue a cumplir con los estándares mínimos de la crítica o del consumidor especializado y experto – en gore, horror, suspense y seinen para ser más exactos. Madhouse, el estudio que nos trajo en la temporada pasada la gran adaptación de ese gran manga llamado Rainbow: Nisha Rokubou Shichinin, esta ocasión trabaja con las ovas de Black Lagoon: Roberta’s Blood Trail y con H.O.T.D, logrando para una producción televisiva un nivel más que acertado al seguir al trabajo original y dotándolo, ensalzándolo y sazonándolo con ese espíritu oscuro y emoción que redunda en la ya conocida épica de los primeros episodios de cualquier serie hecha por Madhouse.

La justicia poética a merced de la libido o Madhouse y su exceso de fluidos

La estética sombría sello de Madhouse y de sus miembros – que hace intuir la existencia de una generación oscura de creadores (cfr.) – marca desde el inicio del episodio un tratamiento embellecido de lo hórrido. Los monólogos, los encuadres, los objetos complementarios de un plano estático, la narración no lineal y su encadenamiento apuestan por la incomodidad y por transmitir el desasosiego al espectador. Se trata de generar en el televidente el desconcierto de los protagonistas y lograr que aquellos se identifiquen con los jóvenes héroes de turno, sin importar que el rango de la edad represente algún problema; pues como se ha comentado anteriormente en nuestros textos y podcasts, la brecha generacional no es válida en la mimetización con los caraceteres ficcionales juveniles del manga/anime debido a que esa misma lozanía y frescura de su edad los hace más vulnerables y cercanos al ideal de un consumidor adulto además del propio niño y adolescente, claro. La dosificación de información cumple un papel importante al momento de sorprender y motivar emociones en el público, cosa que de por sí el género ya posee, aun así, el relato adaptado se da maña para provocar preguntas que no será posible responder, al menos por ahora. El origen de la contaminación o infección zombie no es explicado y por el contrario se ocupa el tiempo en desarrollar a los personajes y sus relaciones como introducción o preludio – no digamos al caos, pues este da inicio al primer segundo de la serie con el recuerdo de Takashi –, siendo muy oportuno el juego de luces y música para la ocasión, pese al poco cuidado de la animación en ciertas tomas, a su ausencia y a la censura.

No se confundan por el ángulo, eso es un bokken

Con todo esto, podemos descifrar que en el actuar irracional se expone una fórmula que clarifica tanto estructura narrativa y uso de planos como la sucesión de eventos y escenas mostradas. De la manera más simple el espectador puede entender que si el grupo protagónico huye debe mostrarse de qué lo hace; por esto, las escenas de otras áreas del colegio con los alumnos “zombificados” cumplen un fin directo aunque encubran orden en sí. Veámoslo de la siguiente manera: narración en primera persona > hechos actuales (infección de ciudades) > sobrevivencia de personajes (introducción de caracteres) > explicación de la primera infección > (desarrollo de los hechos en flashbacks). Como podemos apreciar, cada partícula narrativa corresponde a una escena y se relaciona con el proceso de infección en sí, es decir una gradación de la evolución del virus zombie: infección, mordida y contagio. Además de esto, el capítulo explora la ruptura de valores tipo como ciertos lugares comunes; la escena del rechazo de Takashi en el aula vacía al atardecer es lo opuesto al ideal de situación romántica adolescente en los manga/animes con las parejas formándose en ese escenario con un recuerdo duradero, inocente y diáfano. Aquí se rompe eso y se hace en virtud de un personaje, cosa que desarrollaremos más adelante. Esta ruptura no significa, de todos modos, un divorcio de los arquetipos y convenciones necesarias que podemos identificar en situaciones desoladoras, de service y de comedia. Una a una las visualizamos así: el panorama desolador está en cada secuencia en la que los personajes interactúan con la amenaza zombie y con ese otro personaje que es la ciudad, que les indicará que su predicamento es algo más extendido que su mini universo escolar y funciona como ralentizador de la esperanza. Se les recuerda que la muerte está en todo lugar, que el suelo que pisan está o invadido por la muerte o es la muerte misma, y el cuerpo además de llevarla en el sentido final de la existencia, esta vez también se vale de contenedores andantes y autómatas con ansias de carne. Por su cuenta, el service de la mano de las hormonas adolescentes cumpliendo a cabalidad el trabajo original del manga se decanta por el espectáculo con base freudiana de la carne viva alrededor de la muerte. Que la muestra de ropa interior femenina se dé en toda ocasión y sin justificación alguna – llevada al extremo por obra y gracia de series como la fundamental/intrascendente Aika – mientras corren por sus vidas, no se reprocha pues si bien service evidente, refuerza la ficcionalidad de lo que se cuenta, no por la formas imposibles de féminas en desarrollo sino por el balance de la fórmula “acción, muertos y chicas lindas”. Por tanto habiendo más “pantsu shot” que en el promedio de series no se invalida la premisa de la trama, que como dijimos es simple. Finalmente, la comedia en este ámbito además de acercar a sectores recurrentes el título se enlaza con dos de las características raíz de H.O.T.D, el anime (service) y el zombie show (humor barato). El mejor ejemplo de esto puede ser la secuencia con las compañeras huyendo mientras se prometen apoyo en base a su forjada amistad, la cual no dura ni dos segundos luego de que una de ellas sea capturada por un zombie. Ese guiño tiene tanto de pop japonés como de humor americano, pero no es lo único, hallamos también un sin fin de referencias que enriquecen esta mezcla como: posturas sexuales (minuto 13:51), mediocridad docente (tanto del suicida ¿guiño a Takeshi Kitano?, como del “acartonado”), cobardía (la de Hirano), moe y “tsunderismo” – me permito el término – (ambos de Saya).

"No subestimes el poder de las tsunderes, Kuota Hirano"

La música que ambienta el episodio, y por tanto el resto de la serie, como era de esperarse tiene una base más dura, cercana al j-rock y post rock, en la línea de la escuela de Hideki Taniuchi, cosa que nos hace pensar más en una escuela Madhouse que parece buscar cierto tipo de sonido. Mientras que Takafumi Wada se encarga de ambientar todos los momentos musicales que acompañará la travesía oscura de los protagonistas, la apertura y cierre corresponden a los grupos “Kishida Kyōdan & The Akeboshi Rockets” y “Maon Kurosaki”. Las melodías instrumentales con la peculiaridad de lo acerado de las guitarras son un complemento muy bien elegido para la situación y el tema, en donde parece repetirse además de la tradición del estudio la fórmula con mediano éxito de mezclar zombies y rock, propuesta por las películas 28 days later y 28 weeks later. La influencia de estos títulos es considerable, al punto que se recicla incluso una canción con arreglos particulares, lo que no la salva de ser una copia (minuto 18:17, “28 Theme”). En el apartado del trabajo vocal contamos con las voces Junichi Suwabe como Takashi, Eri Kitamura como Saya y Marina Inoue como Rei, quien pese a tener que desarrollar un personaje demasiado emocional realiza eficientemente su trabajo – en lo personal la prefiero como Cossette d'Auvergne o Chiri Kitsu. Estos personajes por ahora incompletos en la presentación serán compuestos por diversos roles vistos tradicionalmente en las series niponas como la chica tsundere que lleva al extremo su frase cliché en claro guiño al televidente asiduo – el uso de la palabra “Baka” (idiota) hasta diez veces en una oración recuerda con ironía cómplice la mítica pronunciación de las 10/11 violaciones por segundo de Krauser en Detroit Metal City. También tenemos a una practicante de kendo, al chico popular, al cobarde, a la despistada y al protagonista descuidado que roza con la delincuencia, pero más complejo esta vez, como veremos a continuación.

El Shounen Bato
(el chico del bate)

“El día en que todo lo que conocía llegó a su fin, maté a mi mejor amigo y abracé al amor de mi vida por primera vez” (El Shounen Bato). Decidí iniciar este párrafo final con una cita usada en la serie y con una referencia a uno de los grandes – si no el más grande – títulos del seinen, Paranoia Agent (Mousou Dairinin. Satoshi Kon 2004). Y es que para ser un título que pese a su buena adaptación, H.O.T.D posee una historia simple con personajes típicos y clichés universales. Aún así, tiene un protagonista que aunque sabemos como se perfilaba fue capaz de mostrar una personalidad interesante y un paradójico sistema de valores. Takashi es un personaje sombrío, meditabundo, solitario y depresivo, claro a consecuencia del rechazo de Rei, pero es un rasgo de su personalidad a fin de cuentas. Este tipo de caracteres usados recurrentemente en las series shounen, busca identificarse con el sector marginal de la audiencia, apelando a un público ansioso de historias sobre “perdedores” en un universo que posibilite el desarrollo de su potencial. La identificación con el héroe es en este caso la compasión y asimilación del rol frente a la competencia desventajosa de los rivales, pues no vamos a negar que en situaciones donde el protagonista carece de muchas virtudes siempre se le inmiscuirá en un triángulo amoroso o vórtice argumental. Con antecedentes populares, para mayor referencia, como Kei Kurono y Van Fanel, nuestro protagonista en este primer episodio carga con un deseo; hosco a simple vista es capaz de correr tras Rei para protegerla y no necesariamente para enaltecer aquel sentimiento trillado del amor, si no por su provecho, su egoísmo. El deseo mueve a Takashi, las hormonas y la adrenalina irrigada en el torrente sanguíneo resultado de los eventos no hacen más que confirmar que este héroe además de ser un niño caprichoso y egoísta, es un hombre con necesidades físicas más cercano a los antihéroes. Estos motivos no son del todo claros, incluso en la propia mente de Takashi quien encuentra en la doble tragedia proporcionada por su amigo Hisashi y los zombies un placebo. Siendo el protagonista, no es de extrañar que el episodio íntegro se dedique a enaltecer y enriquecer su rol ofreciéndole posibilidades de solución para sus traumas y anhelos, que probablemente no disten mucho de los de la mayoría de los espectadores adolescentes. Hisashi es infectado, y en una escena que parece de justicia u oportunidad de venganza casi poética, Takashi se convierte en el macho alfa; su mecánica de lo sensual y copulatorio se desata y asume su responsabilidad. El personaje es tan temeroso como cualquier joven de esa edad, tan débil física y emocionalmente como cualquiera, pero su mente es más adulta que la de sus pares animados, acercándose más a la realidad. Si la existencia de Hisashi se justifica solo para que Takashi evolucione, la derrota moral/emotiva de Rei corona esta exposición de machismo no en su forma más sutil precisamente – recordemos que la sociedad nipona lo es. Así, con este discurso cuestionable de las relaciones y valores morales de líneas delgadas cruzadas, Takashi es capaz de manipular y resignarse a la vez, de aprovechar la situación y triunfar, pero mantener la culpa y las sombras en una mirada de insatisfacción. Además de no ser plano, se debate entre varias convenciones sociales con la pericia inexistente de la adolescencia. Este es uno de los factores que además de la buena animación – salvando escenas muy descuidadas y trucadas –, música, fondos y textura, hace de H.O.T.D una serie a seguir en la presente temporada de verano 2010, más allá de las críticas o apoyo al service mostrado. Difícilmente será la mejor serie de la temporada debido a su poca profundidad, pero sí de las más esperadas y comentadas.

“El día en que todo lo que conocía llegó a su fin, maté a mi
mejor amigo y abracé al amor de mi vida por primera vez”
EPIC WIN!!!

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Programa nº 4 Proyecto Nihon [PODCAST]

2010-06-08T11:12:00.000-07:00

Cuarta entrega del podcast dedicado al análisis de los medios generados en la cultura popular japonesa (animes, mangas, videojuegos y música) del colectivo Proyecto Nihon. Este podcast, al igual que el anterior tardó algún tiempo en publicarse debido a eventualidades personales de los miembros, pero por fin sale a la luz para satisfacción de sus seguidores.

En esta ocasión, el tema desarrollado se divide en dos partes: primero, los productos generados por aficionados de media japonesa y en segundo lugar, un caso concreto, el fansub y el problema de su legalidad. Ambos temas atractivos por estar referidos al consumo habitual de los aficionados y por lo polémico de las posturas a favor y en contra. Por tal razón aclaramos que las opiniones vertidas son propias de los miembros del proyecto y pueden ser tomadas sólo como eso, o como simples recomendaciones.

También en la tradición de los programas previos, este 4to. podcast se extiende más que el anterior alcanzando una duración de una hora con cincuenta minutos. Además, la sección ya instituida de bloopers esta vez cuenta con 14 minutos de errores y situaciones divertidas que surgen durante la grabación del programa, acompañadas de audios en un collage de referencias a veces bizarro, pero siempre ingenioso, sobre todo para compensar la seriedad de la discusión del cuerpo del programa.

Los invitamos a escuchar este podcast en el que esperamos puedan encontrar información de utilidad. Son bienvenidos todos sus comentarios y sugerencias.

Finalmente recordamos la convocatoria permanente de miembros. Los interesados pueden escribir a proyectonihon@gmail.com

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Programa nº 4 Proyecto Nihon
Duración: 1h:50m:54s
Formato: Mp3
Tamaño: 101 Mb
Participantes: Daniel Vasco, Iván Rodríguez, Lisandro Gómez y Daniel Guerra

URL del Programa (reproducción on line y descarga):
http://poderato.com/proyectonihon/nihon-radio-proyecto-nihon/programa-4-marzo-2010-proyecto-nihon

URL del tracklist del proyecto:
http://poderato.com/proyectonihon

URL alojador externo (descarga)
http://www.4shared.com/audio/Xk8DgWp9/Programa_4__marzo__2010_Proyec.html

Blog del Proyecto Nihon
http://proyectonihon.blogspot.com

Blog personal
http://danielguerracaballero.blogspot.com

Rainbow - Nisha Rokubō no Shichinin episodio 1: After the Rain Emitido el 06/04/2010

2010-04-27T21:55:00.000-07:00

Argumento: Corre el mes de junio de 1955, Japón después de diez años de haber perdido la guerra se encuentra socialmente devastado. En esta crisis social, los más afectados son las mujeres, ancianos y niños, y el clima de injusticia se percibe en todo el lugar. Asimismo, la violencia forma parte de la vida de diaria de muchos jóvenes. Implicados en diversos casos de agresión, estafa y hurto, seis jóvenes con edades alrededor de los 17 años son trasladados a la escuela especial disciplinaria de Shonan. Durante su traslado, en un día lluvioso y oscuro, son llevados esposados y encapuchados en un transporte público provocando la desaprobación de los pasajeros y el rechazo, al punto de que incluso un acto cordial es reprobado; una niña deja caer su muñeca y uno de los prisioneros al intentar devolvérsela provoca el llanto de la niña, quien una vez los delincuentes son dejados en su destino arroja la muñeca por la ventana. Este acto impropio es castigado por uno de los guardias quien les recuerda que no merecen siquiera tocar pertenencias ajenas. Ya en la escuela disciplinaria, son llevados hasta el consultorio del Dr. Sasaki para un examen de rutina, aunque totalmente falso, cuya única finalidad es quebrantar su determinación. Tras haber sufrido esta vejación son conducidos a la celda seis del complejo dos para su confinamiento. Allí se encuentran con un hombre leyendo que los ignora totalmente, y tras ser provocado los desprecia y ridiculiza; aprovechando su superioridad numérica deciden atacarlo, pero el hombre se pone de pie y revelándose como un boxeador les da una golpiza a todos. Ante el alboroto el guardia que los trasladó llega y da un castigo ejemplar al boxeador, aprovechándose de su cargo, para luego ordenarle a los demás que también lo ataquen para vengarse, a lo que se niegan. Dispuesto a castigarlos a ellos también, es detenido por el hombre a quien se le creía inconciente tras la golpiza. Aboga por ellos y también llega el Dr. Sasaki para detener al guardia. El hombre cae desmayado en la habitación; luego de recobrar el conocimiento agradece a uno de los jóvenes el haberle limpiado la sangre y decide fumar el cigarillo que ofreció antes otro de los recién llegados. Se presenta como Sakuragi y les ofrece fumar con él; a partir de ese momento viendo su naturaleza fuerte y bondadosa será como un hermano mayor durante los dos años que aparentemente estarán confinados en ese lugar.

"No... temas... pequeña... no... te... haré... daño..."
Una nueva forma de hacer que los niños hagan sus deberes o terminen la comida

Impresiones: En determinados contextos de producción masiva, ligados a estrategias comerciales y ajenos a la demanda de la revitalización y profundidad fuera del entretenimiento, como respuesta a necesidades básicas y fisiológicas de un colectivo erotizado por la mass media y la coyuntura, surgen planteamientos – a veces – peculiares. Tenemos así, que una propuesta no necesariamente fresca es capaz, dentro de los márgenes de su densidad, de aliviar el panorama coercitivo del conformismo consumista, engrosando la fila de la resistencia creativa en un periodo dado. El seinen, género que tomando su raíz se deduce orientado a un público conformado por jóvenes y adultos, ha aprovechado las tendencias – sin escapar a ellas del todo, pues la limitación primaria siempre será la tecnología de la época – para abrirse camino entre demandas alternativas de información, conocimiento y arte – nótese el orden y confróntese. En un contexto donde el público objetivo está delimitado por una nacionalidad en particular, el sector destinatario de las producciones percibe la generación de contenidos en base a su propia necesidad mayoritaria, ya que establecer el punto de equilibrio de oferta y demanda forma parte de la supervivencia del mercado. Si consideramos estas premisas, podemos preguntarnos cómo lo alternativo y su grupo “minoritario” demandante, es capaz de sobrevivir en una situación que comercialmente parece ser hostil. Pues la respuesta es sencilla, aquella situación es hostil en apariencia. El consumo de historias adultas en productos como manga y anime en Japón está determinado por diversos factores que al igual que las tendencias coyunturales le garantizan su subsistencia y progresivo desarrollo.

Representación del gobierno Japonés y UNESCO castigando al
fan service, el ecchi, el loli, el shota, el hentai y el yaoi (sí, denle duro a ese)

Dejando de lado el aspecto más convencional que otorga al factor de constancia creativa la aparición de historias “serias”, podemos atribuir las preferencias por el género seinen no solo al sector asiduo de suspense, sino a colectivos como el masivo, adulto y foráneo. Para sostener esta afirmación consideremos que al incrementarse el número de consumidores en un universo o muestra estadística, las probabilidades de la aparición de más consumidores de un género determinado se incrementan en base al número del total y eso rige para el caso de los extranjeros. En el caso del sector adulto, consideremos su preferencia por la media durante su periodo de infancia, adolescencia y juventud, por lo que esta evolución generacional deviene en un natural cambio de preferencias, por lo general hacia lo maduro – no es una regla absoluta. Y finalmente, el más interesante, es que dentro del consumidor masivo existen géneros que si bien tienen un nivel bajo de demanda poseen un porcentaje mínimo de interés que sumado al de sus similares consumidores se incrementa exponencialmente y sufre variaciones a favor, tomando en cuenta el crecimiento adulto mencionado antes. Es así como en estos tres niveles podemos observar la respuesta al porqué un género adulto es de interés para la industria si resulta tan “alternativo” en apariencia; el mercado es mediado por la oferta y demanda, pero esta es fluctuante y depende de preferencias cambiantes tanto por factores exógenos (moda) o biológico-sociales (madurez). En este escenario, aparece el estudio Madhouse con una propuesta que evolucionando a lo largo de los años cubre un importante porcentaje (cfr.) de producciones adultas. Este estudio ha producido una larga lista de títulos provenientes de fuentes diversas como novelas y mangas, adoptando características reconocibles en forma y fondo – llámese, estilo de animación y argumento, respectivamente, con énfasis en el thriller – convirtiéndose casi en emblemático del género. Estas preferencias son efectivamente mediadas por factores estratégicos como demanda y tendencias, pero pese a este filón comercial no ha perdido las constantes, manteniéndose auténtico en su espíritu, incluso sin contar con una organización creativa con base común (Gainax, Shaft, IG), poseyendo sólo colaboraciones, con resultados felices.

"Abra la boca por favor"
Examen: Amígdalas
Motivo: Rutina
Dificultad: ¡EXTREMA!

La historia de Rainbow - Nisha Rokubō no Shichinin, es una adaptación del manga de George Abe (guión) y Masasumi Kakizaki (dibujo) ganador del premio Shogakukan en el 2006, que en líneas generales desarrolla la historia de siete jóvenes recluidos en un reformatorio. Esta premisa propicia el desarrollo dramático de cada uno de los episodios y el staff entiende muy bien eso pues pese a contar con los habituales veintidós minutos promedio provoca una sensación de brevedad. Esto ocurre por la concentración de emociones que se genera y espera despertar en el espectador, lo cual desarrollaremos más adelante. En argumentos de este tipo es sabido que el uso de referentes incorporados en el saber popular o cultura pop provenientes del arte o literatura son fundamentales, y siendo utilizados por adaptaciones previas del estudio, en concordancia con el guión original se nos introduce a un universo controlado meticulosamente. El clima es hostil y el reformatorio es oscuro, las tomas introductorias lo muestran como impenetrable, como una fortaleza bajo la lluvia, lo cual es el referente clásico del gótico y sus recursos de formato: día tormentoso, separación del colectivo, ingreso a lo desconocido, fortificaciones intimidades, etc. – solo descarten la damisela en peligro –; de otra parte, los huérfanos y reformatorios también se trataron antes en Monster. En el contexto histórico, el Japón de 1955 fuera del clima político que desencadenara la sucesión y disputa de los partidos liberal y demócrata, y su radical incremento de valor inmobiliario, padecía tras haber perdido la guerra, de los efectos habituales en estos casos: violencia, caos, desunión, subversión, y demás actos combatidos con políticas represivas de las libertades. En efecto, tal como se indica en la serie, los grupos minoritarios más débiles padecieron lo peor y aquí está el referente de la historia que apela al recuerdo japonés y su correlato histórico. Estos breves ejemplos sitúan el marco propicio para generar impacto, pero añadiendo vectores que no convergen en el drama histórico necesariamente. Para complementar este apartado, hallamos en la animación y música de la serie, las habituales técnicas de Madhouse con la animación, presentando una coloración oscurecida en un nivel simbólico y en uno real o ambiental – siempre desafiando la percepción del contraste de cualquier pantalla y retina –, y con la música, eligiendo el post-rock en la tradición de Hideki Taniuchi (Akagi, Kaiji, Death Note y Aoi Bungaku); combinación más que perfecta para el particular, al conseguir respaldar la manipulación emocional.

Un clásico, "Falcon Punch!"

El manejo de la emoción es una técnica muy importante para este episodio que logra condensar en una extensión regular, emociones que en sincronización con el espectador desencadenan reacciones muy bien perfiladas. Mencionamos la aparente brevedad del episodio, o al menos la percepción del mismo, ya que incluso en visionados sucesivos el efecto soporta la repetición y se decanta por su sólida premisa, resultante de amalgamar recursos (historia, secuencias, situaciones, diseño, tiempo, simbolismo y música) y suponer como factor imprescindible, la emoción o mundo moral del espectador. Un drama de esta naturaleza despierta en el televidente emociones que son justificadas al asimilar el relato, disponiendo de un grupo de personajes marginales en situaciones de vulnerabilidad y desasosiego. Durante el largo del capítulo se los ha visto padecer del rechazo justo/injusto, de su vejación física y moral, del quiebre de sus umbrales morales e ideológicos y de la re-humanización a través de la esperanza o promesa del resarcimiento. Encarnada cada emoción en un personaje, los conflictos fungen como vorágine en un mundo endurecido que clama por la compasión del público, algo propio de un discurso enarcado como populista, pero válido en pos del arte/animación/historia. El uso de una narradora refuerza el ritmo expositivo con cadencias e inflexiones que en voz de Megumi Hayashibara – hecho que se agradece en grado sumo – funcionan en todos los niveles planificados, haciendo poética la trama violenta y dura que pretende venderse – y que realmente es. Esta condensación mantiene en un estado peculiar los minutos porque parece adolecer de un crescendo claro, y se suspende en un tempo de revelación y climax poco común, más ligado a un esquema de prólogo que de introducción. Lo cierto es que una síntesis de este tipo con sólo picos dramáticos disimula el crescendo a partir de un hecho de por sí climático, ocultándolo, pero que funciona a discreción en fibras emotivas conscientes e inconscientes. El drama entonces estalla a cada momento, desde el primer segundo y sigue en ese nivel de éxtasis durante su exposición cambiando de leitmotiv a merced de la evolución de personajes – obsérvense los cambios de perspectivas y visión del mundo a lo largo del capítulo.

Estos chicos son un desastre, literalmente. Miren este rostro

Otro de los hechos que conducen el manejo del espectador es la relación de los personajes con los demás y el simbolismo que entraña la evolución de planos hasta el evidente cambio final. Quizás el elemento más claro de cambio, progresión y avance sea, además del cambio y desplazamiento de planos espaciales, la transformación anímica del grupo, coronada por el simbólico cielo despejado en el final del episodio. Se abre y cierra con paisajes claros, soleados, esperanzadores y vivos (el árbol tallado) que son diáfanos en sí, pero melancólicos como vemos en gran parte de la animación, oscura y opresivamente densa. La relación con los demás no es agradable, se muestra tergiversada por malos entendidos, supuestos y prejuicios cuyos ejemplos son: la niña rechazando la ayuda de Jou, el guardia golpeando en todas las ocasiones a los reclusos, la vejación sexual del doctor de la escuela y el escarmiento de Sakuragi – que los golpea en dos niveles el físico y el espiritual. Estas relaciones conflictivas no son, sin embargo, lo suficientemente fuertes como para no ser contrarrestadas por el resarcimiento. La luz no está privada al recuerdo o a la exterioridad del relato sino que está esperando allí, los aguarda hasta que comprendan que el mundo que conocen los hace víctimas de su propia ira. No es hasta que Sakuragi los golpea y los sermonea, que logran entender su situación real. No podían ver la luz de esperanza porque estaban sumidos en el odio, pero en esas fauces la luz del resarcimiento aguardaba ser despertada y Sakuragi, quien la tiene de su parte, y conoce además el infierno, se las muestra, siendo castigador y salvador al mismo tiempo. Por esto, no es gratuito el hecho de que la única ventana que ilumina parcialmente la habitación siempre esté frente o a espaldas de Sakuragi. Esta se convertirá luego en el medio conductor para el acceso a la esperanza, o al menos a su promesa, porque son re-humanizados; han sido llevados hasta allí en sentido estricto para cumplir sus penas, pero también para conocer el resarcimiento. Sakuragi encarna esos valores ideales que ellos requieren para estar completos y seguros, porque esa seguridad de hermano mayor (aniki o anchan como lo apodan), con enfoque épico, varonil y delincuencial es paradigma – el concepto de kakkoii es llevado al extremo de lo dramático. Véase el diseño, voz, entonación, y postura de Sakuragi. Rainbow es una serie que condensa múltiples emociones sin sacrificar lo verídico y realista logrando un climax – usemos epicness por capricho – verdadero, lo cual es un gran acierto. Esta es una producción lograda que soporta el análisis y el múltiple visionado; una historia adulta de mano de los cuasi-especialistas del género (Madhouse) en un periodo saturado de producciones masivas que ya agotaron sus recursos y presentan, sino decadencia, sí transformación (para bien o mal). En síntesis, una de las series seinen de visionado obligado en esta temporada, y digo una, porque hay más títulos – los revisaremos aquí también: Sarai-ya Goyou, Senkou no Night Raid y Yojo Han Shinwa Taikei – del género que “aparentan” ser interesantes en esta primavera 2010.

Michael Scofield y compañía posando para el póster de Prison Break

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Arakawa Under the Bridge episodio 1 (emitido el 04/04/2010)

2010-04-21T11:33:00.000-07:00

Argumento: Ichinomiya Ko es un ciudadano modelo, un individuo perteneciente a la elite, con una formación privilegiada y un sentido del deber único, pues pagó sus estudios con sus propios ingresos, incluso siendo heredero de la acaudalada familia Ichinomiya – familia que inculca como base el no deberle ningún favor a nadie. Por esta razón, se considera lo suficientemente digno como para no entrar en pánico ante su accidente; y es que un grupo de vándalos adolescentes le quitó los pantalones y los ataron a la viga de un puente. Ante esta situación y considerando que aparentemente no hay quien lo vea, decide subir para recuperar su prenda, pero una joven se percata del hecho; tras un intercambio de palabras sobre la naturaleza “exhibicionista” de Ko y su negativa a recibir ayuda, en su ascenso por el puente, este cae al mar al desprenderse una viga en construcción. La joven lo salva del agua y allí empieza el martirio de Ko, pues aquella acción entra en conflicto con su principio de no deberle nada a nadie; le ofrece entonces alguna compensación para saldar su deuda, pero la joven que se presenta como Nino la rechaza. Esto provoca un ataque asmático en Ko quien padece de estos síntomas cada vez que su nivel de estrés se incrementa, casi siempre relacionado con las deudas para con los demás. Así, Nino le propone – no sin antes revelarle que proviene de Venus y que vive bajo el puente – que una forma de compensarla es que se convierta en su pareja. El joven elite no tiene más que aceptar la propuesta bajo sus principios y se ve obligado a vivir con la extraña muchacha quien para concretar las formalidades lo lleva a conocer al “jefe” de la zona, un sujeto sospechoso disfrazado con traje de Kappa – y que realmente cree ser uno, tal como Nino cree ser de Venus - quien desata la ira/sorpresa/incomodidad/alteración de Ko, al ser aquel personaje la confirmación de que todos los habitantes de esa zona están completamente dementes.

Ko Ichinononomiya (perdón, tartamudeé), haciendo gala de su
antirracismo. Zetsuboshita!

Impresiones: Uno de los grandes y recurrentes errores del colectivo es relacionar una obra con su inmediata predecesora “espiritual” o “consanguínea”, debido a que en los vínculos que pueden parecer evidentes, incluso en lo mínimo, el factor radical – en su contexto de raíz, y origen común – se tergiversa a merced del desconocimiento o de lo antojadizo. Es cierto que los mecanismos asociativos del pensamiento humano identifican una imagen fijada bajo determinadas circunstancias – felices o traumáticas – con otras en apariencia o esencia semejantes, pero este fenómeno se produce debido al principio de cierre que la Gestalt planteó. El “cierre” es un proceso que ocurre cuando el objeto analizado carece de un fin, de un término, de una conclusión, y la mente en compensación atribuye un significado a esa carencia, cerrando el círculo. No obstante, esta acción puede devenir en acierto o error, pues es con preconcepciones que el observador completa esa parte faltante del objeto observado, atribuyendo a partir de su experiencia el significado de círculo cuando existe la posibilidad de que aquel objeto posea forma irregular y no sea geométricamente perfecto o reflejo de la imagen preconcebida. Aunque producido casi involuntariamente, este fenómeno funge de compensador para cubrir la incapacidad de percibir algo en su forma completa y reducir así, la incertidumbre ante la irregularidad. Este hecho es la causa o quizás la analogía perfecta para analizar las reacciones provocadas en el gran público tras el visionado del primer episodio de la serie que nos ocupa, Arakawa Ander the Bridge, la más reciente producción del estudio Shaft. Sobre esto, muchos han dicho que el referente a su trabajo previo, Bakemonogatari, es ineludible y en el nivel más bajo que resulta un plagio descarado. No nos ocuparemos del sector que carece de fundamentos para enarbolar un argumento así bajo la expectativa de presenciar un shoujo en toda regla o una serie en clave de fórmula, pero sí de lo que en diversos niveles se ha dicho, la relación directa con la obra anterior de Shinbo.

La siguiente frase es "Hazlo o lloraré. Escupiré mi leche y lloraré"...
Menudo ejemplo paterno, con razón los psicoanalistas tienen trabajo aún

Bakemonogatari significó otro de los éxitos del estudio, llevando a la sublimación los recursos estéticos como resultado de la experimentación a través de géneros y títulos previos; poseía además un desarrollo lo suficientemente balanceado como para satisfacer las expectativas de más sectores – pues sorprendentemente hay quienes no toleran sus adaptaciones de las obras de Kouji Kumeta y Hekiru Hikawa – siendo de visionado obligado durante la temporada de verano del pasado 2009 en adelante, más aún tras su elección como mejor serie del año. Este es el precedente para encontrar ahora opiniones que relacionan a esta adaptación del manga de Hikaru Nakamura – autor de la desternillante y religiosamente (en lugar de políticamente) incorrecta Saint Onisan o Saint Young Man – con la adaptación de la obra de NisiOisin – también responsable de Katanagatari. Líneas arriba hablamos de la incapacidad que cubre el principio del cierre y es que el espectador que la relaciona o la cuestiona por sus semejanzas con Bakemonogatari, evidencia fácilmente su carencia de referentes y lecturas. Aquellos seguidores de las obras dirigidas o supervisadas por Shinbo sabrán que el patrón a seguir es más una marca característica que una tendencia, un estilo más que un sinsentido gratuito, casi un principio en lugar de una mala costumbre. Por tanto, los juegos de luces, los claroscuros, los carteles, las viñetas, las expresiones, los primeros planos, los movimientos de los personajes, la clave de humor y finalmente los seiyuus, forman parte de ese principio o “idealismo” del grupo; hecho que en definitiva no ata a otra producción bajo el lazo del autoplagio. Sólo alguien con “carencia de luces” podría justificar una relación de ese tipo porque cada obra es independiente tanto por sus orígenes como por su tratamiento y valerse de otra obra excediendo la referencia para criticarla carece de valor. Dejando en claro este punto, pasaremos a analizar el primer episodio.

Ah, qué debo decir ¿Love is in the air? No, mejor
Maaya Sakamoto is in the air...

Siguiendo una premisa de relativa sencillez, con desencadenantes o gags como soporte y complemento, la trama debe plantear la problemática desde el protagonista con un punto de vista único, pero introductorio. Por esta razón el personaje principal introduce al espectador a través de su visión, guiando incluso – obsérvese la sincronización inicial de los parpadeos de Ko con los cuadros del puente – y marcando pautas para el enfrentamiento con cada una de las situaciones planteadas, tanto las realistas como las absurdas. Este método no solo ayuda a entender el mundo del personaje y conseguir la vinculación con los las costumbres modernas socialmente aceptadas, sino que prepara el escenario para la confrontación con lo irreal. Ko es un protagonista particular, tanto como cualquiera, su peculiaridad radica en que está por sobre el estándar social en cuanto a lo material, su discurso también es grandilocuente y excesivo, con tendencias a la exageración y a la sobreactuación. También, es un personaje paradójico, pues la más férrea educación de principios no justifica del todo los métodos tradicionales de la familia Ichinomiya – el padre ataviado con accesorios de bebé demandándole una retribución por el cuidado que le dio cuando niño es el mejor ejemplo –, sean pedagógicos o sociales – la corbata que incluso en el manga goza de primeros planos, no es el mejor símbolo a exhibir como herencia de línea familiar, más acorde a su estatus podría ser una joya. La anomalía que se percibe es entonces adrede, y trata de maximizar el impacto de su caótica relación con los personajes que habitan debajo del puente; se nos pone así en la prerrogativa de asimilar el shock del protagonista que por más que incremente sus revoluciones discursivas y emocionales – Hiroshi Kamiya dirigido por Shinbo es especialista en esto como puede verse con Nozomu Itoshiki y Araragi Koyomi – no representa más que la mínima expresión comparado a lo bizarro de los otros personajes. Es curioso que un protagonista de tipo reactivo ante lo absurdo se presentara con las formalidades de un registro serio, quizás por eso durante los primeros minutos su interpretación se percibe endeble. Afortunadamente, la introducción completa al grupo con el cambio de nombre, que es un acto más que simbólico, garantiza la mengua de ese falso actuar, poco similar con la naturaleza del conjunto y de sus propias reacciones.

Sí, y lo mismo debió pensar Ultraman cuando los monstruos espaciales
se reían tras darse cuenta de la cremallera de su traje

La animación, probablemente por el registro de la historia no posee los habituales recursos de Shaft, al menos no en dosis industriales, porque hay carteles, claroscuros, giros, paisajes, tipos diferentes de animación, pero estos no ejercen presión sobre la historia. Aquí los recursos artísticos y plásticos del estudio sirven de complemento en el más bajo de los niveles y no se despliegan per se, pues el eje es la relación de Ko y Nino mientras que los bizarros personajes son las revoluciones de parte de la comedia y del nonsense. Arakawa Ander the Bridge es una serie en la que no se va a experimentar, al menos por ahora ya que su nivel de profundidad no demanda florituras de vanguardia ni preciosismos cromáticos (véase Sayonara Zetsubou Sensei y Bakemonogatari respectivamente). La paleta de colores usada tiene una preponderancia cálida en lo más destacable, aunque su gama de fríos es más estándar haciendo la suma de un nivel medio; el preciosismo está allí, en menor grado, pero está, porque la naturaleza conversacional es prioridad. Esta animación aunque no maximice los sellos característicos del estudio se reconoce de inmediato, o bien por sus obras previas o bien por su contexto, pero en definitiva no se debe hablar sobre una animación post Bakemonogatari porque como dijimos lo primordial aquí es el discurso y su narrativa. Considerando que se construye a partir de reacciones, la narrativa y la velocidad de exposición se incrementan a medida que se exponen los hechos y corren los minutos – o viñetas en el caso del manga –; cada unidad de tiempo cuenta en la aceleración de interpretación como en la capacidad reactiva. Se pasa del soliloquio, al comentario, al diálogo y la voz en off, al recuerdo como a las principales figuras personales con una velocidad que marca el giro de lo absurdo respaldado por la velocidad de las viñetas, porque a partir de ese cambio e introducción al mundo del sinsentido la serie se divide hasta en nueve sub-episodios con rótulos incluidos, validando la afirmación que prioriza la trama frente a lo visual.

La diferencia entre la realidad y la ficción. En la vida real
no sería necesaria esta frase, ¿verdad señoritas?

Finalmente, la gama de personajes usados en el universo de Shaft se enriquece esta vez con una fémina, pues si bien Ko es hasta ahora el protagonista y primer personaje identificable, su registro es similar al de los personajes de Kamiya mencionados antes. Nos referimos a Nino, interpretada por la gran seiyuu – y fantasía sexual vocal de muchos, incluido yo – Maaya Sakamoto en un registro suave que vimos desarrollado con amplitud en las películas de Kara no Kyoukai; claro, aquí el halo de ligereza y desinterés en cada frase se nota más opaco – y sin toques tsundere –, porque el personaje lo demanda. Este acierto para el casting no solo ofrece una interpretación vocal que resulta una delicatessen sino que dentro de su minimalismo en el diseño de personajes, la falta de expresión – por más contradictorio que parezca – de Nino se anima formidablemente expresiva. Cada giro, paso, mirada, reacción o ligera inflexión que requiere de un mínimo esfuerzo gráfico logra un performance único y completo; este es un personaje que desvinculado de su contexto argumental resulta logrado, con la voz adecuada y con una personalidad perfecta para el caso – no compararla con Hitagi Senjōgahara quien posee un registro totalmente diferente, con las vibras del nuevo arquetipo de tsundere –, es decir es un personaje que sirve a su función, no excede las expectativas con creces, pero las cubre eficientemente. Este primer episodio evoluciona con el correr de los minutos y mejora mucho durante su visionado, en particular cuando da prioridad al giro y a la subversión; en un análisis profundo, como vimos, adolesce de los referentes barrocos marca Shaft, pero no le quita peso a la otra especialidad del estudio, la comedia absurda. Esta no es sólo una serie para aficionados del estudio y director, sino una para quienes puedan disfrutar de comedia veloz de reacciones, ya que por momentos llega incluso a recordar a Sexy Commando Gaiden: Sugoiyo! Masaru-san, lo cual es decir mucho. ¿Podemos decir que es la comedia alternativa de la temporada? Ya lo veremos con los demás episodios.

Esta última imagen es un montaje y puro service, interprétenla
(¡No te detengas Sakamoto sama!)

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Programa Febrero 2010 Proyecto Nihon [PODCAST]

2010-03-03T17:22:00.000-08:00

Nuevo programa del Proyecto Nihon dedicado al análisis de los medios generados en la cultura popular japonesa, sean animes, mangas, videojuegos y música. Este es el tercer programa – si contamos el piloto, claro – y como es costumbre su publicación se tardó algunos días debido a la edición (es un trabajo de un solo hombre, aceptamos editores).

Pese a su publicación a pocos días de iniciado marzo, este es el programa correspondiente al mes de febrero, concretamente al día 20, en el que se grabó. En esta ocasión desarrollamos el tema de las tendencias y características en los animes de los primeros diez años del siglo XXI. Para tal efecto dividimos el análisis en cuatro apartados: animación, música, géneros y público.

Cada vez más extenso, este programa tiene una duración que excede al anterior por 20 minutos, lo cual también se ve reflejado en la sección de bloopers que cuenta con casi 6 minutos de duración. También, a quien logre identificar el tema musical usado de fondo entre los minutos 11:04 y 16:35 (concretamente si aciertan el título y la serie a la que pertenece) tendrá una mención especial – y quizás algún obsequio – en el siguiente programa.

Los invitamos a escuchar este podcast en el que esperamos puedan encontrar información de utilidad. Son bienvenidos todos sus comentarios y sugerencias.

Finalmente recordamos la convocatoria permanente de miembros. Los interesados pueden escribir a headonthedoor@hotmail.com

Escuchar con Poderato.com

Escuchar con 4Shared.com

Programa febrero 2010 Proyecto Nihon
Duración: 1h:44m:23s
Formato: Mp3
Tamaño: 95 Mb
Participantes: Daniel Vasco, Lisandro Gómez y Daniel Guerra

URL del Programa (reproducción on line y descarga):
http://poderato.com/proyectonihon/nihon-radio-proyecto-nihon/programa-febrero-2010-proyecto-nihon

URL del tracklist del proyecto:
http://poderato.com/proyectonihon

URL alojador externo (descarga)
http://www.4shared.com/file/233647149/e708ff1b/Programa_febrero_2010_Proyecto.html

Blog del Proyecto Nihon
http://proyectonihon.blogspot.com

Blog personal
http://danielguerracaballero.blogspot.com

Canaan episodio 1: Shangai carmesí (kou shoku mato - 洪色魔都) Emitido el 04-07-2009

2010-02-24T10:38:00.000-08:00

Argumento: En la ciudad de Shangai, que alberga un festival, una joven mercenaria de procedencia medio-oriental y de nombre Canaan, espera las órdenes de su actual empleadora, Yuri Natsume. Ésta le informa de la captura de Alphard Alshua, vieja rival y líder de la organización terrorista denominada Hebi (serpiente), por parte de agentes de la CIA. Le encomienda entonces la vigilancia del traslado de individuos denominados unblooms tras haberse registrado ataques en los que no pudo identificarse al responsable. A su vez, María Oosawa y Minoru Minorikawa, un par de periodistas japoneses llegan a la ciudad para cubrir la cumbre de líderes mundiales con relación a la lucha antiterrorismo. Posteriormente, un grupo de hombres enmascarados hace su aparición y persigue a los unblooms para asesinarlos, sin embargo María presencia estos eventos y se convierte en blanco de ellos. Logra ser rescatada por Caanan, que resulta ser una antigua amiga suya. En el enfrentamiento, la mercenaria muestra su sinestesia, habilidad especial que le permite cruzar las capacidades sensoriales de sus sentidos, y puede ver así a los enemigos ocultos. Por la noche, durante el traslado de Alphard, el grupo que la escolta es atacado.

Esa chica se ve demasiado feliz, mejor dispárenle... Lo peor es que sí lo hacen

Impresiones: En este primer episodio la producción deja en claro que, lejos de tratar de innovar se ciñe a los formatos del género de acción, o más precisamente al de chicas con pistolas ya visto antes en trabajos como los de Bee Train. En este mismo nivel, la calidad visual de la animación está por sobre la media, quizás para justificar – sino (en)cubrir – las demandas del Seinen que se vislumbraba como base tras leer cualquier sinopsis. Es probable que las expectativas generadas por el título fueran repartidas, como se mencionó líneas arriba, por la participación de Type-Moon, la puntuación en la revista Famitsu y la cuota de argumento adulto siempre reivindicador de cada temporada complaciente con los géneros y consumidores masivos – algunos prefieren simplemente la frase: “el moe de moda”.

Como en todo capítulo introductorio, la presentación de los personajes es lo prioritario, por lo que asistimos a una secuencia de apariciones más o menos ágiles a merced de cierto lucimiento de secuencias vertiginosas o silentes donde, dejando de lado los lugares comunes se aprecia un trabajo interesante e integrador de diseño, fondos y texturas. Sin embargo, esa distribución de elementos diversos lejos de funcionar completamente, revela un caos y vorágine poco llevadera o creíble tras un segundo o tercer visionado. Un ejemplo de esto es la muestra de escenas CG que usadas con fines prácticos y estéticos no logran los efectos de Ghost in the Shell en una situación similar; también, las frases con pretensiones universales o existenciales (véase la referente a la negación de los eventos desafortunados), la sugerencia yuri que promete desarrollarse mas a través de los siguientes episodios, los gags intercalados casi de manera obligatoria para ciertos personajes, la presencia de situaciones sadomasoquistas dosificadas, lobbys conspiratorios de representantes de organizaciones influyentes, y tomas alargadas con valor estético. De hecho, este último elemento junto a lo mejor del capítulo, pierde fuerza en la suma final, aun así podemos rescatar esa visión pausada de objetos desplazándose en una toma cerrada e inmóvil junto a una típica, pero bien llevada coreografía de pelea acrobática en la que las referencias y guiños – por usar un eufemismo – a Ryougi Shiki son evidentes; después de todo se debe a Type-Moon, concretamente a Nasu Kinoko y Takashi Takeuchi, el diseño del personaje, su estilo de combate y su habilidad visual sobrenatural en batallas.

Finalmente y como corolario que eleva la valoración por sobre la media del episodio, es el final con las dos “verdaderas” presentaciones de los personajes principales. Una de ellas es la mencionada secuencia del enfrentamiento de Canaan y la otra, el rescate de Alphard, demostrando en segundos la naturaleza del líder terrorista, antagonista principal de la serie, recurso de revelación y frenetismo declarado pero muy efectivo. Un episodio que trata de complacer a diversos sectores y que aprovecha la expectativa para salir bien librado y con aceptación general, con calidad por sí mismo, pero que eleva las expectativas para los siguientes episodios en los que parece adivinarse un desarrollo convencional del género: organizaciones secretas, tráfico de influencias, insania, fanservice, diálogos estereotipados, secuencias de combate cuerpo a cuerpo – aunque breves serán satisfactorias. En apariencia, la serie que intenta seguir el camino dejado por Darker Than Black – obsérvense todas las similitudes, después de todo el estudio estuvo implicado también en su elaboración, además de GITS: SSS, Madlax y Phantom ~ Réquiem for the Phantom – para convertirse en el título “serio” de la temporada verano 2009 (junio, julio y agosto).

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Programa Especial 2009 de Proyecto Nihon [PODCAST]

2010-01-04T11:33:00.000-08:00

Programado y grabado el 30 y 31 de diciembre del 2009 este programa de Proyecto Nihon es especial – y no solo por su extensa duración - ya que en él analizamos las series estrenadas durante el 2009 y elaboramos una división entre las que, a nuestro juicio, fueron las mejores, las regulares y las malas. La sección de noticias también es especial esta vez ya que anunciamos y comentamos los títulos a estrenarse este 2010.

Aunque teníamos planificada su salida el mismo 31 de diciembre del 2009, la extensión de casi dos horas de grabación (entre narración, comentarios, bromas, yerros y silencios) imposibilitó que cumpliéramos ese objetivo. Sin embargo, con el inicio de la semana laboral de este 2010 el programa sale a tiempo para oír las recomendaciones antes de ver los estrenos de este año.

Como dato final, y haciendo referencia a la ya mencionada naturaleza atípica de este programa especial grabado en fechas festivas, incluimos una sección final con bloopers en la que podrán oír situaciones “divertidas” que también surgen entre las grabaciones. Sin más, les presento el programa, esperamos que lo disfruten.

Programa Especial 2009 Proyecto Nihon
Duración: 1h:23m:44s
Formato: Mp3
Tamaño: 78 Mb
Participantes: Daniel Vasco, Lisandro Gómez y Daniel Guerra

URL Programa (reproducción on line y descarga):
http://www.poderato.com/proyectonihon/nihon-radio-proyecto-nihon/programa-especial-2009-proyecto-nihon

URL del tracklist del Proyecto:
http://poderato.com/proyectonihon/nihon-radio-proyecto-nihon

URL Alojador externo (reproducción on line y descarga):
http://www.4shared.com/file/188059762/2b67f154/Programa_especial_2009_Proyect.html

Programa piloto de Proyecto Nihon [PODCAST]

2009-12-24T14:53:00.000-08:00

Tras muchas eventualidades por fin está listo el programa piloto en podcast del Proyecto Nihon. Como se mencionó en otro post, este colectivo denominado Proyecto Nihon orienta su trabajo a la difusión y análisis de los elementos y productos generados por la cultura popular japonesa, sean mangas, animes, videojuegos, y media en general. Así, tras diversas coordinaciones se decidió lanzar un podcast con información sobre los temas mencionados.

En este programa piloto podrán conocer a los miembros que integran el proyecto, escuchar algunas noticias y recomendaciones. Espero sea de su agrado.

Programa piloto Proyecto Nihon
Duración: 48:08 min.
Formato: Mp3
Tamaño: 44 Mb
Participantes: Yesdasi Carrillo, Daniel Vasco, David Martínez y Daniel Guerra

URL Programa (reproducción on line y descarga):
http://poderato.com/proyectonihon/nihon-radio-proyecto-nihon/programa-piloto-00-podcast-proyecto-nihon

URL del tracklist del Proyecto:
http://poderato.com/proyectonihon/nihon-radio-proyecto-nihon

URL Alojador externo (reproducción on line y descarga):
http://www.4shared.com/file/180509671/175ab3c/Programa_piloto_00_Proyecto_Ni.html

Lectura de light novels en vivo: Suzumiya Haruhi no Yuutsu y Goth

2009-01-31T08:38:00.000-08:00

Las Light Novels (novelas ligeras) son muy populares en Japón. De ellas, se han hecho animes tan exitosos como de los eroges, en extremo populares hoy en día para las animaciones. Así, como parte del Proyecto Nihon y como iniciativa personal, antes de lanzar el podcast, producto importante en el proyecto, usando un programa de transmisión de voz provisional (originalmente pensé en streaming de shoutcast) transmitiré en directo la lectura de algunos capítulos de estas novelas. Aunque este “experimento” fue pensado hace mucho tiempo, al fin puedo realizarlo pese a que las viejas Skype Cast desaparecieron. Pronto podrán oír mis lecturas directamente desde el blog e igualmente en vivo. Debo mencionar que principalmente leeré light novels, pero en algunas ocasiones sea antes o después del programa “oficial” leeré también obras en general alejadas de la cultura popular japonesa.

Días: Sábados (desde el 7de febrero del 2009) [FINALIZADO]
Medio: Paltalk (descargar – ver tutorial)
Categoría: Central & South America
Ubicación: Perú
Sala: Anime, manga y cultura pop japonesa
Contacto Pal: Daniel_Guerra
Contacto msn: headonthedoor@hotmail.com

Suzumiya Haruhi no Yuutsu
La primera de las novelas de Haruhi Suzumiya. La historia de una extraña chica que solo desea tener amistad con extraterrestres, personas con poderes paranormales, viajeros del tiempo y demás cosas extrañas en lugar de los simples humanos.

Sábados 10:30 pm (Hora de Lima, Perú)
GMT -05:00 (Hora internacional)

Goth
Novela, como su nombre lo indica, de tema oscuro. Narra la relación de 2 estudiantes y su afición por lo oscuro, la maldad, el crimen, en sí lo gótico. El mal visto desde el punto de vista del mal. ¿Se debe siempre aparentar lo que se es?

Sábados 11:15pm (Hora de Lima Perú)
GMT -05:00 (Hora internacional)

Por No-muerto:
Daniel Guerra Caballero

San Marcos Hill - (Walked in the Misty World)

2008-04-28T09:27:00.000-07:00

Filmada con un celular en el campus universitario de San Marcos (Lima-Perú) les presento esta secuencia que es una suerte de homenaje a la saga de videojuegos de Silent Hill. Es el inicio de un proyecto que continuaré sobre la saga y locaciones que contengan su atmósfera.

La lista de videos para descarga (4 Shared) y visionado (You Tube).

* Mini Teaser Trailer Silent Hill: Another Town (NUEVO)
- You Tube / 4 Shared (descarga)

* Silent Hill: Another Town Prueba con linterna (NUEVO)
- You Tube / 4 Shared (descarga)

1. San Marcos Hill
- You Tube / 4 Shared (descarga)

2. San Marcos Hill - Versión 2
- You Tube / 4 Shared (descarga)

3. San Marcos Hill - Prueba 001 Cambio al mundo alterno
- You Tube / 4 Shared (descarga)

4. San Marcos Hill - Prueba animación de título
- You Tube / 4 Shared (descarga)

5. San Marcos Hill - Prueba voz, audio, pistas y subtítulos
- You Tube / 4 Shared (descarga)

Para descargar el archivo den un clic al título de arriba. Una nueva página se abrirá; allí, solo tienen que esperar unos segundos hasta que aparezca el botón de descarga (Download). El alojador es 4 Shared.

No-muerto:
Daniel Guerra Caballero

La Información y su tratamiento (tendencias y perspectivas)

2008-04-07T10:29:00.000-07:00

Hace algún tiempo escribí un par de textos referentes al tratamiento de la Información desde las perspectivas de su recuperación y mitificación. Frente al constante desarrollo de los medios de difusión virtual y al caos que representa la recuperación confiable, pongo a vuestra disposición dos artículos con formato de ensayo de temas pertenecientes a las Ciencias de la Información.

Ambos textos pueden ser de ayuda en un ámbito académico y para un análisis de la realidad que nos concierne a todos respecto a las Tecnologías de la Información (TIC’s). Pueden citar o usar partes del trabajo respetando mi autoría.

1. Desmitificación de la Información. Una visión lejana de la “Informatización”

2. El dilema de la recuperación de la Información. ¿Progreso o exclusión humana por parte de las máquinas?

Para descargar los archivos den un clic a los títulos de arriba. Una nueva página se abrirá; allí, solo tienen que esperar unos segundos hasta que aparezca el botón de descarga (Download). El alojador es 4 Shared.

No-muerto:
Daniel Guerra Caballero

Convocatoria Proyecto Nihon

2008-03-31T09:09:00.000-07:00

Se busca redactores, guionistas, críticos, dibujantes, fotógrafos, auspiciadores, y colaboradores en general para el Proyecto Nihon, que lanzará una revista de información sobre los temas de anime, manga, cine asiático, doramas, seiyuus, actores, videojuegos y cultura japonesa.

Para mayores informes escribir a: headonthedoor@hotmail.com

DESCRIPCIÓN:

Proyecto Nihon es un intento de acercar la cultura popular japonesa (anime, manga, videojuegos, etc.) a un público que se extiende cada vez más en occidente, pero con una visión crítica y cultural. Siendo muchos los medios en español de distribución de información sobre el tema, el proyecto propone un tratamiento más profesional orientado a un público más exigente en cuanto a calidad, formato, profundidad, oportunidad, rigurosidad, análisis, crítica, etc. Además, no solo cubrirá ese vacío de los medios actuales, sino que también tocará temas referentes a la cultura japonesa como literatura, historia, arte, costumbres, tradiciones y actualidad. Para esto, el proyecto desarrollará una serie de productos destinados a brindar la información de más alto nivel necesaria tanto para aficionados en general, espectadores, dibujantes, críticos y estudios culturales.

OBJETIVOS:

– Ser el medio de información más importante en español sobre la cultura popular japonesa.

– Promover una visón clara y crítica en el aficionado frente a este fenómeno.

– Aportar estudios culturales sobre la materia.

– Convertirse en el principal medio hispanohablante para la exposición de los trabajos de creadores (dibujantes, guionistas, músicos, escritores, etc) y estudiosos (ensayistas, periodistas, críticos de cine y arte, etc.) a la comunidad internacional.

– Formar una sólida comunidad para el establecimiento de entes que produzcan trabajos
propios a nivel regional.

PROYECTOS:

1. Una revista virtual de libre distribución y periodicidad constante que abordará los temas de anime, manga, cine oriental, música, doramas, seiyuus, videojuegos y cultura popular, literatura, arte e historia de Japón. Su enfoque será desde una perspectiva profesional y con nivel académico.

2. Un Web Site informativo donde habrá descarga directa de series, mangas películas, etc. Además de ser el medio de distribución de la revista.

3. Un programa de radio vía streaming con frecuencia de una o dos veces por semana y con segmentos para cada sección de la revista y conducido por los miembros del proyecto.

4. Un fan Sub de mangas que trabajará títulos no editados en español y raros o poco conocidos, basado en el precepto de promover formas alternas de entretenimiento fuera de la tendencia actual.

5. Funciones gratuitas y/o exposiciones de anime a realizarse en cada uno de los países de los miembros. Al incluir miembros y colaboradores de distintos países la responsabilidad será designada para organizar las funciones en sus ciudades.

Descargar:

- Versión PDF de la convocatoria

- Contenidos básicos sobre el tipo de trabajo

Para descargar los archivos denle clic a los links de arriba y esperen un momento hasta que se habilite el botón de Download. El alojador es 4 Shared.

Daniel Guerra Caballero
Director
Proyecto Nihon
Comité Editorial

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Próximos trabajos a publicar

2008-02-11T16:16:00.001-08:00

Durante este periodo de vacaciones y debido al terrible calor de esta época de verano me veo obligado a permanecer en casa, por lo que trabajaré en algunos artículos. Estos serán publicados muy pronto:

Le Portrait de Petit Cossette (reseña, crítica, anime y manga, datos de producción etc.)
Kyo no Go no Ni (reseña, crítica, anime y manga, datos de producción etc.)
Silent Hill: The Movie (reseña, crítica, datos de producción etc.)
Old Boy (reseña, crítica, datos de producción etc.)

No-muerto:

Daniel Guerra Caballero

Micro Fanfics sobre Silent Hill

2008-02-11T16:05:00.000-08:00

Muchos escriben fanfics, pero aquí les presento lo que llamo “micro-fanfics” de mi autoría sobre el videojuego Silent Hill. En realidad, el término fanfic es relativo, ya que en lugar de narrar una historia alterna describo dos sucesos en el juego desde la perspectiva del protagonista, es decir, lo que podía haber estado pensado Harry Mason. Disfrútenlos.

Lisa Garland

“...La puerta está vez abrió. Como siempre, era el medio el mismo, óxido y oscuridad que al contacto solo hieden; aunque algo extraño brilló en lo profundo del cuarto aledaño al subsótano. Lentamente cauteloso de la luz; al norte, casi a la altura de mis ojos, avanzando encontré una estrella de metal. Era creo yo el sello de Salomón en plomo. Ya era el segundo amuleto. Sólo así pude llamarlos hasta ahora. De todos modos, con prisa, salí rumbo cualquiera lejos del sótano, precaución previa. Sin embargo alguien pronunció mi nombre. La sorpresa me heló; aunque, claro, al verla desapareció la sensación funesta, sin borrar por supuesto su huella discordante de intriga. ¿Qué hacía allí? Era extraño. Sólo podía hacerla temerosa. Lo otro no coincidía. Eso creí. Entonces lo dijo, y cayó melancólica su mirada vuelta al instante solo en pánico. Me extendió sus brazos, lentos, desesperados y resignados. ¿Qué significaba aquello? Sus pasos me aterraban, su rostro transfiguró su conciencia, y pese a lo antes dicho y visto la empujé. No pude asirla....temí ”.

Escena de Silent Hill. Harry Mason con Lisa en el Alchemilla Hospital, Nowhere.

Cybill Bennet

“…Parecía la transmutación disforme, pero hórrida siempre a mis temblorosos pasos. Aquello cambiaba en dirección incluso en efímera lumbre. Un cuerpo en comunión crucificado se hizo a mi costado, añejo, casi perdiendo mi conciencia al punto. No era real tal cambio, era de saberse, pero el ruido metálico, émulo a las paredes y la sangre en derredor, que en mis oídos refulgía, sentenciaba cruel lo Verídico. Me pasmó entonces la visión trepidante de la carne maldecida que entre garras se aferró a mis piernas. No recuerdo más. Tras el dolor proferido de aquellas bestias, el martilleo en mi cabeza oscura, hasta hora presa inconciente se extendió entre mis venas con sus ramificaciones purulentas. He despertado y tras lo vacuo y tembloroso, lo Bello, apenas en mi viaje vislumbrado, me cegó. Mejor aún me despertó, quizás. Después de todo Ella, por fortuna, la visión primera de lo Humano era…”

Escena de Silent Hill. Harry Mason con Cybill en el Café.

No-muerto:
Daniel Guerra Caballero

Puzzle (Acertijo) sobre Silent Hill

2008-02-11T15:27:00.000-08:00

En el 2006 elaboré un puzzle (acertijo) sobre el universo de Silent Hill. Lo hice porque ciertas personas querían que les proporcione la información que yo tenía en cuanto a la película, teorías sobre los juegos y fanfics. Obviamente accedí a ello, pero de una forma poco común; diseñé el mencionado acertijo para que sólo las personas dignas (hablando en términos de conocimiento de los juegos de Silent Hill) accedieran a esa información. Hoy pongo a disposición de la comunidad Web mi puzzle, el cual pueden intentar resolver o distribuir libremente (respetando mi autoría). A diferencia del reto que les puse a mis amigos he colgado dos archivos: el pack que contiene la información encriptada y otro comprimido que tiene el acertijo y su resolución en PDF. De tal forma quienes no puedan resolverlo siempre podrán descargar la solución y abrir el archivo. Quiero dejar en claro que la información que se encuentra el archivo comprimido “Contenido sobre Silent Hill.rar” proviene de diversas fuentes de la Red y no me atribuyo su autoría en lo absoluto, exceptuando dos textos debidamente firmados.

Espero que disfruten resolviendo estos acertijos y prueben su conocimiento sobre Silent Hill. Para descargar denle clic a los links de abajo y esperen un momento hasta que se habilite el botón de Download. El alojador es 4Shared.

1. Contenido de Silent Hill (encriptado con acertijo)

2. Acertijo, esquema y solucionario (de libre acceso- abre el comprimido 1)

No-muerto:

Daniel Guerra Caballero

A Tale of Two Sisters (Historia de dos hermanas) - Janghwa, Hongryeon: "Rosa y Flor de Loto" - Dos flores entre el ocaso del dolor pasado

2007-08-02T11:23:00.001-07:00

Una de las llamadas artes, sin el menosprecio de ser calificada, o incluso de reconocerse como “moderna”, es capaz de asociarse de inmediato con un género en específico que lidia o convive directamente con la degradación, y/o la fantasía; ¿podríamos decir entonces que el morbo es el mayor acicate de esta forma artística que se vincula directamente con el común de las personas y cuya mayor valía, sino reconocimiento, es el acercamiento a un gran y diversificado público? No totalmente, consecuencia de que existen distintos niveles de interacción entre estos. El cine puede ser más tolerante con sus espectadores de lo que podría ser un libro, una pintura o una escultura, pero a razón del equívoco, debido a que se asocia a una manifestación creativa con el entretenimiento improductivo, uno que bajo pretextos y supuestos solo reporta ocio vacuo. Entonces, ¿acaso es el arte un medio de instrucción y no uno de entretenimiento o diversión? Diremos que ambos; como elemento cultural no solo debe aportar un sólido constructo pedagógico e intelectual – expresado directa o indirectamente mediante las fuentes, referentes o la formación del creador – sino también momento alguno de sorpresa, novedad y diversión. Y es bajo esta última premisa que se ha hecho de una actividad cultural como es la asistencia al cine, y todo lo que implica su industria, un producto masivo de consumo irreflexivo. Al ser una industria, la exigencia de productos con fórmulas conocidas y efectivas es inevitable, ya que ante un riesgo mínimo la opción con posibilidad de fracaso es la menos considerada, descartada o simplemente reformulada para un público en particular. Así, los espectadores más que asistir a un evento cultural asisten a una exposición fantástica de lo inimaginable, donde lo importante es la progresión milimétrica de un patrón o una serie de estos: exigencias técnicas ligadas con el uso de lo más reciente, actores de moda, escándalos tras la producción, censura de la trama y demás factores expuestos como los de cualquier producto de bajo costo en vitrinas para compradores burdos.

Sin lugar a dudas los géneros que más parecen haber sufrido este fenómeno son los del terror, el suspenso, los thrillers psicológicos, el misterio y símiles, efecto de los invasivos blockbusters norteamericanos. No es nada nuevo ni sorprendente que en contraposición con el medio europeo, asiático e, incluso, el indio, en esta parte del mundo la mayor oferta y demanda fílmica sea la norteamericana, pero no la total de esta, sino el segmento masivo y comercial, en términos de ganancias, proveniente de aquella maquinaria de sueños llamada Hollywood; así, es precisamente esta escasez la detonadora del condicionamiento de receptores no críticos dispuestos a invertir cierta cantidad de dinero para ser testigos de un espectáculo visual tan diáfano que cuya trama es olvidable al terminar la proyección, muchas veces antes.

El cine de terror, género explotado hasta el hartazgo y casi carente de renovaciones, acostumbrado al estreno de tres o cuatro títulos por año, muchos de ellos incluso remakes de filmes antiguos o foráneos, pese a sus carencias expuestas sigue motivando el consumo de películas y la consecuente producción de más cintas, pero el problema radica en que llegado a un punto el espectador habitual-común ya no tendrá una buena recepción de las cintas ajenas a las mayoritarias o no le será posible tolerarlas ni acceder a ellas, sea esto resultado de la nacionalidad, tema, metraje o estética. Se rechaza lo nuevo, lo distinto y lo políticamente fuera de lo usual, pese a ser un producto totalmente comercial para su exhibición exitosa fuera de su país, con un tema de fórmula y perteneciente a una corrient en boga como la que ha generado el cine asiático.

La calidad, pese a estar precedida como se dijo, de todo incentivo comercial no es reconocida y poca importancia se le da en cuanto a fechas de estreno se refiere y crítica, cuando menos en el circuito fílmico de Lima. Esta es una de las premisas que antecede a la presente reseña de la película coreana de suspenso / misterio / horror – quizás el orden sea el adecuado – Janghwa, Hongryeon, traducida como “Rosa y Flor de Loto”, con el título de A Tale of Two Sisters para el resto del mundo, una película que demuestra que el cine de suspenso intimista y con matices regionales puede valerse de recursos comerciales para presentar una propuesta interesante, aunque no nueva, sí distante del conjunto en el que fácilmente se la incluye.

Sinopsis

Su-mi y Su-yeon dos hermanas huérfanas de madre, son llevadas a pasar una temporada en la casa que tiene su padre en el campo, allí tendrán que convivir con numerosas dificultades en su interior siendo la principal su madrastra. La antipatía demostrada de las dos menores hacia su madrastra no es solo el habitual rechazo ante la intervención de una nueva persona en la familia, sino que se justifica en los maltratos recibidos en el pasado por esta, sumada además, a la insoportable atmósfera que parece emanar aquella casa relacionada directamente con la incomodidad entre madrastra y hermanas. A medida que sean expuestos los avatares domésticos, los celos familiares, las discusiones y los maltratos, un halo sobrenatural envuelve a la casa tal como si alojara una presencia inhumana que acosa tanto a la hermana mayor como a los desatados recuerdos de su infancia.

La historia

(Esta sección contiene spoilers, detalles que develan el argumento de la película)

En un hospital psiquiátrico, Su-mi es conducida ante un médico para ser revisada; sin embargo, impávida y gacha la cabeza, no es capaz de responder a ninguna de las preguntas del psiquiatra. Éste, en un paciente intento le muestra una foto de ella y su familia pidiéndole así, que le cuente cómo empezó todo, a lo cual, con un único gesto emocional, accede. Su relato da inicio con la llegada de ella, su hermana menor, Su-yeon, y su padre, Mu-hyeon, a una casa en el campo, pero lo que parece ser un descanso de la ciudad en realidad es un motivo más de molestia y tensión para las niñas ya que tienen que convivir con su madrastra. Su madre, muerta años atrás era cuidada durante su enfermedad por Eun-ju, una doctora colega de su padre; una vez muerta aquella, éste inicia prontamente una relación con Eun-ju por lo que las hijas tienen, además de una animadversión justificada por los maltratos que recibían de ella durante su estancia en el pasado, la sospecha, y por ende rechazo, de que era la amante de su padre.

La casa a la que han llegado siendo una de campo, rodeada de vastos espacios y aislada totalmente de cualquier atisbo de gente a su alrededor, posee una atmósfera extraña, es sombría, silenciosa y aunque tapizada en su interior totalmente de motivos florales produce una sensación de enervante desasosiego e, incluso, claustrofobia. Instaladas completamente, Su-mi tiene el primer conflicto directo con su madrastra por haber dejado ropa y algunos diarios en su habitación anticipando su llegada, aquel hecho que pude parecer irrisorio no es más que una muestra del gran rechazo que mutuamente sienten. Aquella noche Su-yeon se dirige al cuarto de su hermana para dormir con ella porque dice haber sentido unos pasos extraños y que alguien trataba de ingresar en su habitación. Pensando que puede tratarse de otro de los intentos de su madrastra para perturbarla, Su-mi, acepta y consuela a su hermana. Dormida, empieza a tener pesadillas; en estas ve a una mujer arrastrándose por su habitación para luego subir hasta su cama y desangrarse entre las piernas. A la mañana siguiente se percata de que estos sueños coinciden con la primera menarquia de su hermana menor. Buscando toallas para limpiar su cama se ve en la necesidad de ingresar al cuarto de su madrastra donde se entera que ella tiene el periodo en el mismo día; extrañada y claramente incómoda sale de esa habitación, y se da cuenta que ella misma también ha tenido su periodo ese día.

La convivencia se torna cada día más insoportable pues los maltratos de la madrastra a Su-yeon son constantes, y el padre parece no inmutarse ante las evidencias ni ante las quejas de Su-mi. Durante este periodo la casa ha mantenido su aire viciado, no obstante ahora parece manifestar hechos extraños, sobrenaturales, a otras personas además de a las hermanas. Eun-ju, en una ocasión, escucha un ruido y se siente observada por alguien en la cocina lo que la mueve, aunque temerosa, a buscar de dónde proviene ese ruido metálico, siendo tomada del brazo por una mano putrefacta mientras revisaba debajo de un escaparate. También, durante la visita forzada, notoriamente desmotivada, de los tíos de las niñas ocurre un incidente en el que la madrastra incomoda a su hermano con recuerdos de su infancia, hecho que lo hace enfurecer. Ambas parejas se sienten incómodas por la situación hasta que repentinamente la cuñada de Eun-ju se asfixia y empieza a convulsionar. Una vez fuera de la casa, la pareja comenta haber visto la figura de lo que podría ser una niña debajo de la mesa. Días posteriores Su-yeon tiene una fuerte pelea con su madrastra quien había encontrado unas fotos antiguas en las que aparecía la familia y ella, en ese entonces como enfermera de su madre, pero su rostro estaba tachado con un marcador, por lo que no solo la golpea sino que además la encierra en un armario. Este último evento es el desencadenante de la ira de Su-mi que enfrenta por fin a su padre reclamándole por su inacción frente al maltrato que su hermana recibe. El padre consternado le pide a su hija que entre en razón y que deje ya de mentir, pues eso no puede ser posible, debido a que su hermana lleva muerta ya, muchos años.

Una vez desaparecida la imagen mental que tenía Su-mi de su hermana muerta, toda la tensión entre ella y su madrastra se libera en un conflicto que va más allá de la discusión. Si hasta entonces Eun-ju había sido cruel e hiriente, ahora parecía estar desquiciada y posesa por una furia incontenible. En una persecución por toda la casa que tenía por motivo el hallazgo dentro de un armario, del supuesto cuerpo mutilado de Su-yeon en un saco, la madrastra intenta asesinar a Su-mi. Producto de los golpes y de las contusiones, ésta cae inconsciente; al poco tiempo su padre llega y encuentra en el piso un rastro de sangre que sigue hasta al armario encontrando un saco atado con un muñeco dentro. Buscando en toda la casa halla sólo a su hija inconsciente, y ante la situación no tiene más remedio que llamar a alguien para que lo ayude. Su-mi, sentada y casi en estado de shock se queda atónita cuando su padre le dice que la persona que ha llegado desde la ciudad para ayudarla es su madrastra.

Ahora el panorama es claro, Su-mi padece de un transtorno mental en el que asume el rol de su madrastra con los desagradables recuerdos del pasado, y producto de la negación de la muerte de su hermana imaginó su supervivencia como asimilación mental de esta. Es internada, luego, en un psiquiátrico mientras su madrastra regresa a la casa de campo para recoger algunas cosas y el padre se conduele porque su hija no pronuncia palabra alguna. Estando ya en la casa, Eun-ju es atraía por un ruido a la antigua habitación de Su-yeon. El aire allí es sumamente denso y frío, por lo que la madrastra intenta salir de inmediato, pero la puerta del armario se abre y empieza a emerger una mujer reptante con el cuerpo putrefacto; sin posibilidad de salida e inmóvil de terror, Eun-ju es víctima de la venganza de la madre de las niñas.

En el pasado, cuando aún vivía la madre de Su-mi, su incapacidad para hacer frente a su esposo y a la mujer que la cuidaba, por los maltratos contra Su-yeon, provoca que se suicide en el armario del cuarto de su hija menor; ésta la encuentra y en su intento por sacar el cuerpo de allí es atrapada en el suelo al caer el armario. Intrigada por el ruido en la habitación de arriba Eun-ju sube y descubre a Su-yeon asfixiándose por el peso de su madre y el armario. Pese a ver los desesperados intentos de la niña por salir, huye azorada, pero tras haber bajado las escaleras decide volver y ayudarla; en su camino de vuelta se cruza con Su-mi quien discute con ella por entrometerse entre sus padres y le manifiesta de forma insolente y beligerante su odio. Este hecho es suficiente para que Eun-ju salga encolerizada dejando a Su-yeon morir bajo el armario, mientras Su-mi se va de la casa ignorando la tragedia que por su actitud ha provocado.

Personajes

(Esta sección contiene spoilers, detalles que develan el argumento de la película)

- Su-mi

La protagonista de la película. Es la hija mayor de Mu-hyeon, y la de carácter más fuerte. Siente un profundo y enigmático odio por su madrastra. Habiendo sufrido el trauma de perder a su madre y a su hermana desarrolla una patología mental en la que adquiere doble personalidad y asimilación.

- Su-yeon

Hermana menor de Su-mi. De carácter tímido, siempre esta cerca su hermana de la que depende emocionalmente en grado sumo. Es constantemente maltratada por su madrastra. Muere asfixiada tratando de sacar el cuerpo de su madre de un armario en el que se había suicidado ahorcándose.

- Eun-ju

Madrastra de las hermanas y actual esposa de Mu-hyeon, del que además es colega pues estudiaron juntos medicina. Antes de casarse con él había sido la encargada de cuidar de su primera esposa y presumiblemente durante ese periodo haya sido su amante. Fría y manipuladora acosa a menudo a sus hijastras.

- Mu-hyeon

Padre de las niñas. Un hombre anímicamente quebrado y cansado. De apariencia ausente, siente que es incapaz de servir de ayuda en su familia. En un principio ignora las quejas de Su-mi por los maltratos de la madrastra, pero en realidad su estado actual es causado por la depresión que le provoca la enfermedad mental de su hija mayor.

Crítica – Opinión

Son fenómenos mentales antiguamente datados, deformaciones psíquicas comprensibles en nuestra era y con explicación científica, patologías curables y humanas, pero es quizás su origen tangible y real lo que las hacen temibles y hórridas. Las enfermedades mentales son con mucha seguridad la base de una voluptuosa y prolífica tradición artística; ondulantes viajeras de los caminos del misticismo – consecuentemente de la religión –, de la literatura tanto en su forma oral como en la escrita, de la pintura y de símiles disciplinas, han perturbado más que fantasmas, monstruos, y apariciones ultraterrenas los sueños y vigilias de las personas. Una historia de horror se caracteriza por el adecuado ritmo de su narración, su estructura, orden – o la carencia de este – y hasta por su macabro origen que es capaz de remontarse a hechos reales, pero estos, que no son más que la sucesión de eventos sencillamente comunicables, hallan en su forma de transmisión la perdurabilidad. Dicho esto, podríamos comparar a “A Tale of Two Sisters” con un cuento mórbido, de horror humano, casi silente y minimalista, de personajes exóticos y de un tipo horror más creíble y probable, pues la esquizofrenia, psicosis, la demencia en fin, es tan posible como cotidiana la claustrofobia, sobretodo en comparación con los habitantes de los viejos castillos góticos.

Esta película con versiones previas a cuestas, se vale de componentes regionales como de tópicos del género, no obstante, con claras referencias en su tratamiento de la fotografía, de la trama, de la actuación o de los planos, al cine más clásico no efectista. Podemos hallar títulos y directores claramente reconocibles en su haber, la toma introductoria de la película de un recipiente de agua en un psiquiátrico por ejemplo, ambiente que nos retrotrae inevitablemente a la secuencia final en el hospital mental de “Das Cabinet des Dr. Caligari” (Fritz Lang, 1919), escena que por cierto es añadida por los productores al poema del checo Hans Janowitz, que sirve de guión para este film, dándole así un final inesperado y según muchos su genialidad. De igual modo, es esta historia de terror psicológico-psiquiátrico y sus twists argumentales los que elevan a la obra de Kim Jee-Woon por entre las demás películas de sus connacionales, ya que tomando como base una historia tradicional, modificó su forma introduciendo elementos propios que le proporcionó fuerza y sorpresa a la trama, tal como en la película expresionista alemana. Mas su referentes que son también los de la “nueva ola” del cine fantástico asiático motivada por el Festival de Puchon, se envuelve de un suspense minimalista en su exposición interpretativa y sonora como el de Hitchock; de un clima asfixiante y actuaciones tensas como las del Kubrick de “The Shining”, y de un guión crípticamente retorcido a la usanza de Lynch – aunque con una única y verdadera explicación a diferencia de las películas del director nacido en Montana.

Uno de los elementos claves del film es el cuidado de los recursos técnicos utilizados. Se acude a una fotografía naturalista, casi impresionista, abundante en tonos verdes y cepias en donde la belleza de la música de Mozart puede desplazarse como un preludio de la nostalgia trágica que se conocerá al final. Los temas usados del compositor son el Concierto Nº 5 para violín y “Wieglied”, aunque este último fue atribuido a Mozart, fue compuesto por Bernhard Flies. Ambos temas son interpretados por la London Orchestra Symphony, y versionados para su uso a lo largo del film, según el contexto, por Byung-woo Lee, compositor de la demás música incidental. Su ritmo triste de violines es el acompañante perfecto de la parte más oscura del film, que es por su puesto el drama.

Debemos destacar de igual manera las actuaciones, que proveen de credibilidad a la historia, sin caer en la adusta indiferencia y conformismo de los actores típicos del cine de occidente ni en la melodramática interpretación del teatro clásico de oriente. Lo que se logra es un punto medio que dota de naturalidad al relato. Debido a sus roles y a la importancia de estos para el entendimiento de la película, considerando además su dificultad, las actuaciones femeninas de Jung-ah Yum (la madrastra) y Su-jeong Lim (la hija mayor) tienden a ser reconocidas como las mejores, y en efecto son sus personajes ricamente ataviados de profundidad, lo que permite un desarrollo a más niveles. Sin embargo, toda construcción dialogada debe poseer puntos intermedios o discretos para que los demás interactúen, y es en esta labor que el actor Kap-su Kim en su rol de padre tiene una “eficiente” performance, que pese a su brevedad, es fundamental para mantener la exposición pausada y que resulte verdaderamente tensa sin revelar explicaciones prontamente.

Citando a Nathaniel Hawthorne, “... padecía en alto grado los horrores mentales que castigan al autor de un crimen secreto” (El entierro de Roger Malvin); podemos entender que el sentimiento de culpa de Su-mi – pues su crimen provoca la muerte de su hermana como una de las causales – es el motivo principal de la película, capaz de desatar una vorágine de odio y vendetta que ahonda en lo sobrenatural para hacerse del verdadero protagónico, tácito en un principio. La película muestra un panorama realmente desolador, siendo madura en su tratamiento de temas crudos como el drama familiar, la violencia, la infidelidad y la locura. Resulta un finiquitado proyecto con un matiz evidentemente comercial, con toda la parafernalia que se puede permitir una película que se orienta más allá de sus fronteras, como un producto redondo para la satisfacción tanto de la crítica como de los espectadores, y todo esto sin quitarle el mérito de haberlo intentado y logrado conscientemente. Las tendencias cinematográficas pueden ser caprichosas en su productividad y permanencia a largo plazo; quizás A tale of Two Sisters no llegue a convertirse en un clásico del cine de terror, pero se ha ganado cuando menos el mérito de ser una opción intensamente disfrutable dentro de un género ampliamente reciclado como el terror. Esto, que de alguna forma pudiera ser una injusticia se fundamenta en que por sí misma la película es una obra de arte tanto como producto, una confluencia entre visión comercial y manifiesto cultural; sumida con la totalidad de sus componentes “...en un círculo que gira eternamente / sobre sí propio y en el mismo sitio; / ¡mucha locura, más Pecado aún / y el Horror, son alma de la trama!” (Edgar Allan Poe, Ligeia).

Antecedentes – La leyenda

Como habíamos mencionado antes, la historia de Janghwa, Hongryeon, no es en absoluto nueva. De hecho está inspirada en una antigua leyenda tradicional coreana del mismo nombre. Aunque algunas de las situaciones, por contexto histórico, varían, el argumento es el mismo, pero la versión de Kim Jee-Woon, está dotada de elementos contemporáneos y de un factor distinto en el tratamiento tradicional de este tipo de cuentos, que habitualmente solo se ocupan de los fantasmas como eje. Éste factor es el uso de los transtornos mentales y su consecuente explicación.

Previamente se filmaron cinco adaptaciones para el cine, inspiradas a su vez en las leyendas tradicionales, los cuentos que fueron transmitidos por generaciones en los pueblos y en las obras de teatro resultantes de aquello. De estas historias la más común narra los maltratos sufridos por dos niñas, con los nombres de las respectivas flores, por parte de su madrastra. Estos hechos devienen en el asesinato de una de ellas ahogada en un lago, por lo que su hermana se suicida. Tras haber ejecutado a la madrastra y el padre haber huido para tomar otra vida lejos del pueblo, los espíritus de las niñas se quedaron en la casa para aterrorizar a los pobladores, siempre presentes cerca de la flores que evocaban sus nombres.

Esta historia ha acompañado el ideario de la cultura de Corea por un periodo largo, no solo encontrando su ápice en el siglo XX con su llegada al cine, sino también en el ámbito histórico, pues se creía que un guerrero llamado Chong Tong-u invocó la ayuda sobrenatural de las hermanas antes de combatir en una guerra. La primera versión fílmica fue rodada en 1924; posteriormente, el director Cheng Chang-wha la filmó en 1956 durante el auge del cine coreano, siendo la última versión previa a la de Kim Jee-Woon la de Lee Yu-Seop estrenada en 1972.

El director

Nacido en Seúl en 1964, Kim Jee-Woon, quien ha llegado a convertirse en uno de los nombres esenciales del ambiente fílmico dentro y fuera de Corea dio inicio a su carrera artística efectuando labores que de algún modo lo prepararon para su actual desempeño en la dirección. Como actor, director de teatro, previamente, y siempre guionista de sus películas, es capaz de dotar a sus personajes de un matiz especial, siempre rodeados de una atmósfera trágica, desencantada y pesimista durante sus infructuosas o inesperadas luchas contra el destino, tal como habría dicho en algún momento; sin importar los géneros en los que haya trabajado: terror, suspenso, thriller y comedia negra, lo que no ha importado para mantener su estética característica, independientemente de los premios recibidos, pues si bien Jee-Woon es un director laureado en festivales importantes, la naturaleza de sus films parece sostenida por la única razón de su éxito, ser versátil, original y auto crítico.

En los años de 1994 y 1995 dirigió “Hot Sea” y “Movie Movie” respectivamente, pero es hasta 1997 que con el guión de su película “Wonderful Seasons” obtuvo el premio al mejor guión del Premiere Scenario Contest (Corea). También, en aquel año, con el guión de “The Quiet Family” gana el premio a mejor guión en la competición Cine 21, tras lo cual obtuvo el premio a mejor película en el Festival de Portugal, Fantasporto, siendo seleccionado al mismo tiempo para participar en el Festival de Berlín. Luego de haber cosechado estos éxitos y lograr el reconocimiento de la crítica internacional, en el año 2000, estrena la película que se convertiría en la más vista en su país natal durante seis meses, “The Foul King”, siendo nuevamente seleccionado para los festivales internacionales, esta vez los de Toronto, Berlín y Hong Kong. Posteriormente y formando parte de un grupo de tres directores coreanos lanzó su cortometraje “Coming Out” en el 2001 para su estreno en Internet, y el año siguiente participó en el proyecto de San geng “Three”, película de terror en tres partes de diversa nacionalidad, con el segmento coreano del film “Memories” en codirección con Nonzi Nizimbutr y Peter Chan. Pero el 2003 es el año que significó el verdadero éxito y la ruptura de las fronteras cinematográficas con el estreno de su versión de “A Tale of Two Sisters”, cuento fragmentario de suspenso y terror psicológico, en el festival de Sitges, que en el año 2005 también proyectó su, hasta el momento, último film “A Bittersweet Life”.

Ficha técnica

Título original: Janghwa, Hongryeon (Rosa y Flor de Loto)

Título comercial: A Tale of Two Sisters (Un cuento de dos hermanas)

Nacionalidad: Corea del Sur

Año de estreno: 2003

Duración: 115 minutos

Director: Ji Woon Kim

Productora: Kim Young

Guión: Ji Woon Kim

Fotografía: Mo-gae Lee

Dirección artística: Cho Geun-hyun

Vestuario: Ok Soo-kyung

Montaje: Go Im-pyo

Música: Byung-woo Lee

Ficha artística (actor: rol)

Su-jeong Lim: Su-mi (hija mayor)

Geun-yeong Mun: Su-yeon (hija menor)

Jung-ah Yum: Eun-ju (madrastra)

Kap-su Kim: Mu-hyeon (padre)

En el Perú

La productividad del cine asiático en el género del terror es en estos años cada vez mayor, y como es lógico el respectivo paso a la cartelera occidental ya sea mediante estrenos en festivales internacionales o remakes, genera más expectativas y demanda. Es evidente que la excesiva productividad tiene por consecuencia un ineludible incremento no solo de títulos sino también de calcos carentes de calidad; llegado a este punto, en pocos años una larga tradición asiática del cine ha sido reducida por la sobre exposición, a los ya conocidos lugares comunes de esta corriente, por lo que el consumo no deja de ser más que un simple acto de repetición. Aunque fuera de la distribución convencional es posible acceder, incluso, a películas de reciente estreno en el mercado limeño, la cantidad de estas es mínima, los títulos son reducidos y se limitan a los más “representativos” de cada país, pero es lo más problemático, aun, que se los puede encontrar como sólo un complemento de la nueva y más reciente versión del film original. Cierto es que el panorama de estas películas exhibidas en el cine posee unas cifras desalentadoras en cuanto a cantidad de títulos proyectados se refiere y cantidad de recaudación percibida, mas este fenómeno sumado a la masiva adquisición de las ediciones piratas en DVD produce un tipo de espectador carente de visión critica de una obra, dejando como únicas opciones realmente interesantes a las películas independientes de los cine clubes y a sus espectadores. Esta realidad local ocasiona que los estrenos se vean postergados y no sean reflejo de lo que ocurre en los demás países, de malas interpretaciones y de escaso o mórbido, según sea el caso, interés por el género.

A Tale of Two Sisters fue estrenada en los cines de Lima el 8 de marzo del 2007, cuatro años después de su estreno en Corea y tres luego de España; y aunque ya era posible adquirir la película desde mediados del 2006 el interés por una nueva cinta de “terror oriental” era poco o nulo, hecho sumado a la cantidad de nuevos aficionados insatisfechos, acostumbrados al tratamiento más típico de este cine, tras su respectivo visionado. Si los fenómenos resultan paradigmáticos e icónicos tal como ocurre con el auge de las producciones asiáticas de terror, la demanda produce carencia de fondo e incluso forma, garantizando, a la usanza de los filmes norteamericanos, una lista de escenas de miedo – y tomas en concreto – con personajes oriundos ahora ya parte del nuevo imaginario de las criaturas sobrenaturales. Así, la recepción del gran público en las salas fue regular, sin contar en lo absoluto a los antiguos aficionados del género y a la crítica especializada, el resultado comercial fue menos que imperceptible y los medios de prensa escrita no hicieron más que la respectiva formal presentación del estreno mediante la lista de cartelera con sus cómodos métodos de calificación en escala de cinco puntos – A Tale ... recibió dos estrellas – , anticipando el escaso tiempo que permanecería en los cines.

Expuestas las virtudes de la cinta, su cuasi fracaso en la taquilla fue motivado por factores previos como la concepción de lo ya narrado y de lo expuesto linealmente. Aunque, con una explicación total y coherente de la trama, se argumentó en contra de esta su ritmo lento y sus escenas tipo de los espectros femeninos, lo inexpugnable de lo verdadero que imposibilitaba un hilado cronológico, la escasez de diálogos explicativos, la repetición constante del main theme en sus diversas versiones, los paradójicamente enigmáticos flashbacks explicativos y las sobredimensionadas ostentosas actuaciones, claro que esto criticado con el más simple y vulgar argumento que los espectadores de cintas de “todo género” se permiten. La crítica más común era que dada su preconcepción del género y de los supuestos que debe poseer, tras el ansia de más películas con el horror de “El Aro”, la historia, más internacional, no se ajustaba a lo antes visto procedente de oriente y dejaba de ser un espectáculo de “sustos” para convertirse en una retorcida e inextricable trama con absurdas pretensiones, por demás ilógicas. No podemos encasillar a todos los espectadores dentro del grupo que deleznó a esta película sin haberla visto completamente, no solo en la totalidad de su metraje si no también en todas las posibles lecturas que debe tener un film respecto a su construcción y por sobre todo a su interpretación verdadera, pues si la principal crítica fue lo caótico de su narración y su incoherencia, esta película cuenta a diferencia de sus símiles asiáticos más conocidos, con una definitiva y racional explicación de la trama, absolutamente legible y con escenas sobrenaturales que no son más que un simple guiño sarcástico y complaciente a esos espectadores “habituales” sean nacionales o internacionales que no conformaban en esta ecuación más que un porcentaje del ingreso recaudado por la taquilla.

Entrevista

Entrevista realizada el 5 de diciembre del 2003 en el Festival de Sitges.

Efectuada por Tomás W. Rubio al director de la película A Tale of Two Sisters, Kim Jee-Woon para “El Templo de Chanpoo”

(Esta entrevista puede, también, ser leída de su página original dando un clic AQUÍ)

El Templo - Ud. Empezó su carrera como guionista ("Wonferful Seasons" y "The quiet family"). ¿Qué le hizo pasarse al campo de la dirección?

Kim Jee-Woon - Diez años atrás estaba inmerso en una difícil coyuntura. No tenía trabajo, mi situación económica era precaria y sentimentalmente estaba roto, dos años atrás me había separado de mi novia y todavía arrastraba las secuelas. Todo a causa de esa falta de dinero. Decidí salir de éste estado de perenne depresión escribiendo un guión, un buen guión que me permitiese que algún productor se atreviese a financiarlo."CJEntertaiment" que quería abrirse un hueco en la industria cinematográfica de mi país encontró en él los suficientes ingredientes como para convertirse en la apuesta que necesitaban dándome la oportunidad de dirigirla.

ET - Como guionista, ¿para usted la historia es lo mas importante? ¿Cuáles son los factores que más le influyen de los mismos a la hora de construir una película?

KJW - Sí, cuando me presentan un proyecto antes de que, según los casos, me digan que voy a contar con tal o cual actor u otros componentes del mismo, quiero leer su guión. Es muy importante para mí. Pero sobre todo las situaciones. Me gusta que los personajes estén "marcados" por los hechos y no al revés. Quiero espontaneidad. Y que estas situaciones por la interrelación con los personajes tengan a su vez otras consecuencias. La correlación de hechos son los que forjan a mis personajes independientemente de que estos ya vengan con ciertas premisas.

ET - Excepto "The foul king", todas sus películas se han movido por terrenos "oscuros" y pesimistas. ¿A qué ha respondido este proceder? ¿A una demanda del mercado o a que simplemente le atrae este punto de vista mas real y menos desenfadado?

KJW - No, todo ha sido una suma de factores. Nunca he dirigido mi carrera de manera predeterminada y este cambio de registro se ha debido más a encontrar una buena historia, a mi propio estado de ánimos o los ofrecimientos de los propios productores. Para mí el cine no se rige por géneros, yo veo las historias como un "todo", como he dicho antes busco "consecuencias" y poco me importa si se producen bajo la influencia del drama, terror o comedia si estas cuando se llevan a cabo producen el efecto buscado.

ET - Con "The quiet family" usted inició una moda, si se puede decir así, por la cinematografía surcoreana. Muchos fueron los que se fijaron en este cine. Incluso un cineasta tan popular como Takashi Miike se fijó en ella para realizar "The hapiness of the Katakuris" ¿Conoce a Miike? ¿Ha visto el film? Y si es así, ¿qué le pareció?

KJW - Sí, lo conozco y la película también. Me encantó y lo consideré un honor. Lo que mas me gustó fue la libertad con que trabajó Miike. La cogió y le dio un giro inesperado al convertirla en un curioso musical. Eso es lo que me gusta de Miike, su independencia y forma de trabajar sin complejos.

ET - ¿Cómo llegó a usted la coproducción asiática "Three"? Han anunciado ya la segunda parte. La representación coreana correrá a cargo de Park Chan-Wook, director de "Symphaty for Mr. Vengueance". ¿Le preguntaron si quería volver a participar?

KJW - Mi relación con el productor responsable de "CJEntertaiment" con la que contactó Peter Chan, productor hongkonés creador del proyecto, fue esencial para la elección. La idea me gustó desde el principio y la acepté de inmediato. Referente a la secuela, la idea era de cambiar de autores. Sin embargo me preguntaron quien podría encargarse en ésta ocasión del episodio surcoreano. Yo mismo recomendé a Chan-Wook. Desconocía que lo hubiesen escogido ya. ¿Cómo ha tenido noticia de ello?

ET - Mi trabajo está basado en la red y las noticias circulan rápidamente por ella. Es mi obligación estar constantemente informado.

ET - La productora norteamericana "Dreamworks" compitiendo con otras importantes productoras compró los derechos de "A tale of two sisters" con intención de realizar un remake. ¿Le han consultado?

KJW - ¿En qué sentido?

ET - Sam Raimi adquirió los derechos de "Ju-On" para realizar también un remake pero Raimi se llevó a Takashi Shimizu, su director, para que le ayudase a construir un guión más acorde con el carácter occidental.

KJW - No, la única noticia que tengo por parte de los productores surcoreanos es que han comprado los derechos. Todavía no se han puesto en contacto conmigo aunque espero que lo hagan en breve. No quisiera dejar perder la oportunidad de formar parte de un "algo" que ha salido de mí y más con la repercusión que puede llegar a tener.

ET- Por ultimo, ¿En qué está trabajando ahora, qué proyectos tiene a corto o medio plazo?

Estoy pensando en realizar una película de género negro. No un thriller, algo más cercano al sentido clásico de la palabra. Lo que no tengo todavía decidido es si orientarlo hacia un estilo parecido al utilizado en algunas obras de Quentin Tarantino o al tradicional de "L.A. Confidential".

Por No-muerto:
Daniel Guerra Caballero

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Mamiko Noto: Suspiros de entre lo bello y lo obscuro

2007-05-25T10:10:00.000-07:00

En la actualidad, la proliferación de actores de voz o seiyus graduados de las escuelas japonesas ha provocado una saturación de la plaza laboral al extremo de conceder tan solo en un porcentaje menor al 30%, un puesto de trabajo. Los jóvenes ávidos de incursionar en el mercado del doblaje ya sea en una producción encargada de elaborar animación, CD dramas, videojuegos, o aplicaciones para ordenadores como software de citas por computadora, ven sus anhelos lejanos en un entorno en el que la crisis vocacional puede provocar rechazo e incluso negación, dando paso a un fenómeno reciente de comportamiento propio de la sociedad nipona moderna llamado Hikikomori. Este, es un padecimiento de los jóvenes japoneses reticentes ante la realidad y su entorno, ligado a su interacción social, afectiva y cultural bajo la perspectiva del rechazo o incluso la automarginación. Se puede traducir literalmente como inhibición y es similar al estado emocional conocido como depresión, y de acuerdo a los niveles de su gravedad puede provocar incluso suicidios (actualmente, 1’200,000 es el número aproximado de jóvenes japoneses que padecen de este transtorno psicológico). Así, en el negocio de la creación de animes y productos que requieran de actores de voz, realmente son pocas las nuevas incursiones de seiyus, pues los grandes nombres casi siempre son la elección menos arriesgada en un mercado lleno de, si bien innovación y a veces genialidad, también lucro. Usualmente de las escuelas de seiyus los potenciales talentos son escogidos incluso antes de terminar sus estudios por lo que las plazas están cubiertas con mucha anticipación. No obstante, en este corto margen, la infinitud de producciones lanzadas por año o temporadas cubren plazas en un circuito, como ya dijimos, difícil de penetrar pero de fácil salida. En este contexto, una joven seiyu de casi poco tiempo de actriz y con una particular voz ha logrado posicionarse rápidamente en este competitivo negocio del doblaje como una de las más interesantes actrices contemporáneas, su nombre, Mamiko Noto.

Mamiko Noto, nacida el 6 de febrero de 1980 en Kanazawa, prefectura de Ishikawa en Japón, pese sus 26 años de edad posee una considerable lista de roles interpretados, incursiones en la televisión y en otros medios, lo que la ha convertido en uno de los nombres más solicitados para las producciones, sobre todo en las recientes, pues aunque posee ya una gran cantidad de roles previos, muchas de las series emitidas a partir del 2004 y las estrenadas entre el 2006-2007 cuentan con ella en sus elencos. La peculiar voz de Mamiko se ha convertido, en algunas circunstancias, tema de discusión en el medio, ya sea entre fans o entre la crítica; pese a esto cuenta con una gran legión de admiradores. Su registro vocal oscila entre lo suave y lo discreto, por lo que generalmente se le asocia a personajes llamados Kawaii, término que se traduce como “lindo”; este es uno de los principales cuestionamientos que la crítica ha comentado acerca de la selección de personajes que Mamiko interpreta, pues consideran que el continuo doblaje de personajes similares impide su evolución en la interpretación, aunque en contraste, luego de participar en series como Witchblade (interpretando a Masane Amaha) o Yami to Boushi to Hon no Tabibito (interpretando a Hazuki), lo poco habitual de personajes fuertes en su galería le otorgaron el reconocimiento unánime. No obstante, aunque la versatilidad de las voces de otras seiyus parezca una ventaja, la variedad de matices que se es capaz de alcanzar con una voz peculiar se traduce en la habilidad interpretativa de la actriz; así, Mamiko Noto es capaz de interpretar tanto personajes masculinos como femeninos, aun los que no poseen temperamentos juveniles. Por lo peculiar de su voz usualmente ella es llamada “Kawaii” (linda), aunque también es cierto, que probablemente sea a consecuencia de que gran parte de sus roles son personajes que cuentan con características dulces o tiernas, serias, distantes y hasta melancólicas, siendo estas últimas facetas en las que mejor se desenvuelve. Aun así, nadie puede afirmar que su popular apelativo sea una forma sarcástica de referirse a ella, ya que su personalidad calmada y amable se asemeja mucho a la de los personajes que interpreta.

Luego de terminar la escuela secundaria, ingresó en una academia de interpretación o escuela de seiyus, y al poco tiempo tras audicionar para algunos proyectos, aún durante sus estudios, fue seleccionada de inmediato para más de un papel, lo cual es poco común en el circuito, pues la saturación del mercado que mencionamos líneas arriba es uno de los grandes impedimentos para los nuevos seiyus. Una vez conocida, la escala de popularidad de Mamiko se incrementó rápidamente, no solo para las producciones que implicaban animación sino también para proyectos de televisión, radio, CD-dramas, juegos, eventos y festivales, al punto de convertirla en la actualidad en una de las seiyus privilegiadas que no tienen la necesidad de audicionar para sus papeles. Mamiko Noto pertenece a un grupo de seiyus llamado “More Peach Summer Snow”, que está conformado por Chiwa Saito, Haruna Ikezawa, y Ryo Hirohashi. El grupo inicialmente se llamó “More Peach Summer” y contaba con las cuatro jóvenes que en ese momento trabajaban juntas en el anime Sgt. Frog. Paralelamente a la amistad que mantiene con las actrices de su grupo, recientemente ha estrechado sus vínculos con otros actores de voz con quienes ha trabajado. Estos son: Masaya Matsukaze, Suzumura Kenichi y Nana Mizuki. Junto a los tres participó en la versión anime de Witchblade; junto a Mizuki y Matsukaze en Jigoku Shoujo; y junto a Mizuki y Suzumura en Ichigo 100%. Pero Mamiko Noto, como muchas de las seiyus, no solo se dedica al doblaje si no que también incursiona en el canto. Usualmente los temas que interpreta son los singles de apertura o epílogo de las series (opening y ending), por lo que hace tanto los coros, en aquellas canciones en que los seiyus que interpretan a los protagonistas cantan el opening, como en las que tienen únicamente una solista. Un ejemplo reciente del primer caso se encuentra en el anime Kyo no Go no Ni (serie Ova de contenido cómico y ecchi), mientras que en el segundo caso podemos mencionar los temas de ending de las dos temporadas de la serie Jigoku Shoujo. La música de Mamiko suele ser triste y melancólica, pero nos referimos a los temas que no se utilizan para series, a excepción claro, de Jigoku Shoujo. En esta, predominan las baladas con letras sombrías y es esa una singularidad que se asocia indirectamente al trabajo de Mamiko. Lo depresivo, triste y oscuro parece influenciar mucho en su trabajo o cuando menos, si no la influencia, siempre permanece cerca de ella. Muchos de sus personajes, como mencionamos, son tiernos pero algunos de ellos pertenecen a series de características oscuras, ya sean de terror o de misterio. En todos los casos, la interpretación de Mamiko siempre estuvo a la altura de las circunstancias muestra de que el typecast no la afecta en lo mínimo. Entre estas series con temática oscura tenemos: X (Kotori Monou), Boogiepop Phantom (Moto Tonomura), Le Portrait de Petit Cossette (Yuu Saiga), Trinity Blood (Esther Blanchett), Monster (Anna Liebert), Elfen Lied (Yuka), Paranoia Agent (Sagi Tsukiko), Jigoku Shoujo y Jigoku Shoujo: Futakomori (Enma Ai), XXX Holic (Girl), y Witchblade (Masane Amaha). Así, la carrera de Mamiko parece haberse afianzado en el siglo XXI junto a todas las series exitosas de este periodo, tan solo queda esperar que la crítica parcializada o sin acierto no mengüe su trabajo restándole el éxito que justificadamente, y de seguro, tendrá.

Ficha personal:

Nombre familiar: Noto

Nombre propio: Mamiko

Fecha de nacimiento: 6 de febrero de 1980.

Lugar de nacimiento: Kanazawa, Ishikawa, Japón.

Altura: 1.61 m.

Tipo de sangre: O

Signo zodiacal: Acuario

Galerías de personajes

Full Gallery
(Roles interpretados en el anime)

Dark Gallery
(Roles interpretados en animes de misterio o suspenso)

No-muerto:

Daniel Guerra Caballero

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Jigoku Shoujo Live Action

2007-05-25T09:56:00.000-07:00

Introducción

Véase Introducción Live Action

2. Antecedentes (manga, novelas y/o juegos)

El género del terror en las producciones japonesas tiene su origen en los mismos inicios del cine japonés. Las historias tradicionales o cuentos (monogatari) japoneses han abordado el terror y el misterio como una característica fundamental, sobre todo en las épocas de guerras civiles y luchas. Así, con una ambientación de época, junto a samuráis y clanes familiares en busca del poder político, la permanencia del linaje o de la paz, o incluso de la vida del campo y la infidelidad, la tradición japonesa posee como una de sus fuentes radicales o de inspiración básica al terror. Incursionando el mórbido mundo de lo terrorífico en la literatura, el cine, el manga y posteriormente en el anime, no era de extrañarse que la popularidad de algunos títulos provocaran las adaptaciones live action de éstos. Muchos son los títulos sobre el género, unos mejor llevados que otros, pero junto a la exitosa y masiva producción de películas de horror, los doramas abundantes en la televisión nipona han ido incrementando entre sus líneas, especialmente entre las historias para el público adulto, los doramas de terror.

“Jigoku Shoujo” (La chica del infierno – para algunos países “Hell Girl” o “The Girl from Hell”), serie animada estrenada en el año 2005, se convirtió en uno de los títulos que reivindicaba al horror después de muchos años en la clasificación de series animadas de terror. La historia original fue realizada para una serie anime de televisión bajo la producción del Studio Deen, dirigida por Takahiro Omori y emitida en late night anime (Horario nocturno de anime) desde el 05 de octubre del 2005 al 05 de abril del 2006; y en el mismo mes de estreno de la serie animada se comenzó el tiraje del manga en la revista Nakayoshi por la mangaka Miyuki Etoh. Con una trama interesante y extensión razonable (26 episodios de 21 min. c/u aprox.), la popularidad de la serie no sólo consiguió mantener la serialización de la historia en versión manga, sino también, además de una segunda temporada llamada “Jigoku Shoujo: Futakomori”, el lanzamiento de una adaptación live action.

La serie posee el mismo tratamiento de la versión animada, y en lo que se ha podido ver hasta ahora es fiel a la historia presentada en el anime, y estará, aunque adaptada para televisión, desarrollando la misma trama. Aunque es una producción con actores reales se utilizan secuencias con efectos especiales, ya al momento de la presentación del Infierno, de los tormentos de las víctimas o hasta el movimiento de Enma con su Yukata al llevarse a los condenados, que por demás desde la serie nos recordaba ya una suerte de tributo a las ya tan conocidas transformaciones de chicas mágicas, representando esa escena totalmente idéntica en todos los episodios, aunque que con un matiz oscuro y siniestro de acuerdo al contexto, claro, especialmente por la forma monótona y cansina con que Enma sentenciaba a las víctimas:"Oh, penosa sombra atada a la oscuridad. Despreciando a la gente y haciéndoles daño. Un alma ahogada en un karma lleno de maldad. ¿Quieres probar la muerte?".

El casting tiene como protagonista a la Pop Idol Saturi Iwata quien interpreta el papel de Enma Ai, secundada por Kazuhiko Nishimura (como Hajime Shibata), Aya Sugimoto (como Hone Onna), Kazuki Kato (como Ren Ichimoku), Hisahiro Ogura (como Wanyuudou) e Irie Saaya (como Tsugumi Shibata). Hasta el momento solo se han podido ver algunos de los personajes principales de la serie, ya que al mantener la línea argumental del anime se respetará el orden de las apariciones. Las actuaciones son eficientes, pero a pesar del gran trabajo del diseño de vestimentas, los actores no son tan parecidos a los personajes y parece que los televidentes presenciaran, solo en este aspecto, un gran despliegue de cosplay (contracción de costume play, que hace referencia a los disfraces y maquillaje que usan los aficionados basándose en personajes de ficción, mangas y anime), pero de sólo trajes. Con esto no queremos decir que el staff o la serie sean malos, sin embargo una selección menos “popular” y más fiel hubiera sido más adecuada. La serie empezó a emitirse por Nippon Television Network el 4 de noviembre del 2006 con la música de OLIVIA para el tema de cierre, llamado “Dream Catcher” de similar melodía al ending de la primera temporada del anime (Karinui) interpretado por Mamiko Noto.

3. Historia, sinopsis y reseña

3.1 Historia
Cuando el miedo, el odio y la tristeza embargan a las personas, la desesperación de la auto-contemplación en desgracia provoca el deseo de venganza. Buscan entonces al culpable, y los miedos se tornan en una ira que clama por el resarcimiento. Los niños, los estudiantes de instituto, las madres de casa, los trabajadores y todos los tipos de personas poseen una carga que los oprime, esta, usualmente es provocada por alguien de su entorno, alguien que los daña, un ser que desde la perspectiva de la víctima merece morir.

Se ha expandido el rumor de la existencia del Jigoku Tsushin (El correo del Infierno), sitio Web que solo se hace accesible a partir de la media noche y en el que solo se incluye una barra de texto, un botón de solicitud ( y la frase “Llevaremos a cabo tu venganza”) todo delante un fondo negro. Se dice además, que se encarga de llevarse a las personas al Infierno a modo de venganza, así que aquellos que se deseen vengar realmente de alguien, si escriben el nombre del victimario en la Web, en efecto enviarán a esa persona al Infierno, no obstante también deberán ir ellos mismos en compensación una vez hayan muerto en pago del precio, porque “se cavan dos tumbas cuando envías a una persona al Infierno...”. Enma Ai o Jigoku Shoujo es la intermediaria; ella entrega a todos los solicitantes una muñeca negra de paja con una cinta roja atada en un extremo, símbolo del pacto que realiza con el solicitante. Si la persona tira de la cinta habrá sellado el trato y aquel cuyo nombre fue escrito en la Web irá al Infierno a sufrir eternamente; al mismo tiempo, aparecerá una marca circular en el pecho de quien llevó a cabo la venganza señal de que cuando muera está destinado al Infierno también. Los hechos se irán sucediendo de forma episódica, es decir una historia diferente en cada episodio, hechos individuales de personas usando el Jigoku Tsushin, hasta que la trama alcance los dos segmentos restantes de los tres que están nítidamente definidos en la historia. Primero, se suceden los acontecimientos de venganza y la expansión del rumor del Jigoku Tsushin; segundo, un periodista free lance (Hajime Shibata) y su hija (Tsugumi Shibata) empiezan a investigar los hechos ocurridos en la ciudad alrededor de Enma Ai; y como parte final el develamiento de la verdad y el pasado de los personajes. Para mayor información sobre la trama recomendamos leer el artículo de la serie animada Jigoku Shoujo, pues esta live action es la adaptación directa del anime.

3.2 Sinopsis
Se ha expandido el rumor de que por la media noche en Internet una página llamada Jigoku Tsushin (El correo del Infierno) se hace accesible. En ella sólo se puede ver una barra con la inscripción “llevaremos a cabo tu venganza” y un botón de envío. Si una persona escribe el nombre de quien se quiere vengar, Jigoku Shoujo aparecerá y se la llevará al Infierno, pero a cambio el solicitante una vez muera deberá ir también al Infierno. Para esto, Jigoku Shoujo entrega una muñeca de paja negra con un cordón rojo que deberá ser retirado si se hace el pacto, que de ser aceptado dejará una marca en el pecho de los solicitantes recordándoles su trato y su destino al morir.

3.3 Reseña

Serie incompleta (aún sin ver totalmente)

4. Personajes (biografía)

Enma Ai: La enigmática protagonista de la serie. Una joven de aproximadamente catorce años que se encarga de realizar el pacto con el solicitante de la venganza. Conocida también como Jigoku Shoujo, posee un actuar frío y melancólico, extendido a demás por su forma de hablar y sus frases predeterminadas al contacto con quienes la llaman; a quienes además, les entrega una muñeca de paja negra seña del contrato que se llevará a cabo una vez se haya tirado del cordón rojo que lleva en un extremo. Siempre viste de uniforme escolar, azul oscuro, pero cuando el pacto se ha llevado a cabo cambia su atuendo por una yukata (traje festivo tradicional japonés) negra con flores que le sirve para llevar a las víctimas al Infierno.

Hajime Shibata: Periodista free lance que luego de salir del periódico en el que trabajaba y nunca pudo ascender, vende sus reportajes al mejor postor; los cuales por lo general contienen noticias que generan escándalos como la vida de los políticos, tratos corruptos, infidelidades y demás. Vivía obsesionado con su trabajo y dejaba de lado a su esposa, hasta que un día mientras investigaba las salidas furtivas de un político casado se dio con la sorpresa de que la amante era su esposa. A partir de ese momento Hajime le negó ver a su hija Tsugumi, y cuando la echó de casa en una noche lluviosa esta muere en un accidente de coche a la vuelta de su casa. Tras descubrir que su hija tiene visiones de Enma, trabaja por su cuenta en los casos del correo infernal, tratando de convencer a los solicitantes de retractarse.

Hone Onna: Una de los tres ayudantes de Enma. Es una mujer japonesa de la época de las geishas. Fue rescatada por Enma del Infierno a condición de ser su sirviente. Posee tres tipos de forma, su forma humana en la que se le ve como una bella mujer, su forma real, en la que tiene medio rostro desfigurado y fundido como una calavera sin piel y su forma de muñeca de paja que yace en la habitación donde Enma está usualmente y habla con su abuela. Posee como armas unas dagas flamígeras.

Ren Ichimoku: Un joven japonés de la época moderna, también ayudante de Enma. Al igual que Hone Onna fue rescatado del Infierno; posee también tres formas, la del joven normal, la de muñeca de paja y la de un gran ojo que es capaz de instalarse en cualquier lugar y verlo todo en el mundo respecto de los solicitantes/usuarios y víctimas del Jigoku Tsushin.

Wanyuudou: El primer ayudante de Enma Ai. Un japonés mayor, de cierta antigüedad y vestir tradicional, aunque a menudo se le ve fumando una pipa. Tiene al igual que los dos ayudantes tres formas, su forma normal, la de muñeca de paja negra, que Enma usa para pactar con los solicitantes y la de un rostro rodeado de fuego que sirve de ruedas al carruaje que Enma utiliza para ir al mundo humano y llevar a cabo las venganzas.

Tsugumi Shibata: Hija de Hajime, tiene diez años de edad, y siempre acompaña a su padre en la investigación que hace sobre el correo del infierno y Enma Ai. Es capaz de tener visiones sobre las personas que hacen pacto con Jigoku Shoujo, en ese momento ve a través de los ojos de Enma y entra en un estado de trance y en el que incluso es capaz de reproducir lo que Enma está diciendo.

5. Guía de episodios

Próximamante

6. Ficha Técnica

Título romanizado (romaji): Jigoku Shoujo
Episodios: (cantidad y min. por c/u)
Año de producción: 2006
Fecha de emisión: 4 de noviembre
Idea original: (guión de la serie)Hiroyuki Iwasaki, Kenichi Kanemaki, Maki Hiro y Natsuko Takahashi.
Adaptación: Versión Live Action de la serie animada Jigoku Shoujo
Televisora: Nippon Television Network
Producción: Studio Deen
Ending: “Dream Catcher”
Interprete: OLIVIA
Página Web oficial:
http://www.ntv.co.jp/jigoku/

7. Ficha artística (actores de doblaje, por orden alfabético de sus personajes)

Enma Ai: Sayuri Iwata
Hajime Shibata: Kazuhiko Nishimura
Hone Onna: Aya Sugimoto
Ren Ichimoku: Kazuki Kato
Wanyuudou: Hisahiro Ogura
Tsugumi Shibata: Irie Saaya

8.Banda sonora (Op., Ed. [letras y traducciones], OST’s y bootlegs)

Ending: “Dream Catcher”

No-muerto:
Daniel Guerra Caballero

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El Live Action: ¿Qué es? Una breve introducción

2007-05-25T09:48:00.000-07:00

El mercado del anime en Japón es desmesurado, tanto así que se tiene conocimiento de las series nuevas en un porcentaje que no sobrepasa el 50% en esta parte del mundo. La proliferación de series, directores, adaptaciones y tal vez por sobretodo la dimensión de sus temas le ha otorgado una gran, y al parecer inextinguible, oportunidad mercantil en todo el orbe. Para la habitual comunidad de otakus (entiéndase el término como aficionado no japonés a la subcultura popular nipona representada por series, películas, mangas, etc., ya que en Japón este término es usado de forma despectiva) un producto que rápidamente se ha introducido en las preferencias de los aficionados es el Dorama (Drama, o adaptación con actores reales). Considerado como el segundo filón comercial a explotar luego del anime dentro del circuito de las producciones para medios audiovisuales (recordemos que el manga, es tal vez el primero de forma global, pero bajo otros patrones de difusión y comunicación) son en su gran mayoría telenovelas, sin embargo existen adaptaciones de series famosas, o cuando alguna alcanza una gran popularidad precedente de la versión manga y genera gran expectativa, usualmente se realiza una adaptación en Live Action.

Sus presupuestos varían de acuerdo a la dimensión de la serie o al tipo de características previas que tenga el proyecto, ya sea para una serie de ficción o de romance, también, en el caso de adaptaciones de series muy complejas por su campo de acción escenarios o diseños (construcciones, diseño de criaturas, mechas, CG, etc.). En estas producciones encontramos por lo general rostros conocidos en el universo del pop japonés, ya que muchos son los J-idols que conforman el reparto de las producciones. Cantantes y modelos del momento son los intérpretes de la mayoría de las producciones dando a entrever una gran intención de aprovechar la popularidad de éstos para ganar una mayor audiencia, considerando el fenómeno comercial y el fanatismo que generan en la juventud japonesa, casi un referente de la sociedad contemporánea nipona. El horario de las producciones es diverso, pues las compañías que emiten estos doramas o series live action tienen tendencias como productoras.

Algunas de las emisoras producen temas de romance, históricos, policiales y adultos. Entre estas tenemos a: Fuji TV , TBS , NTV, TV Asahi, NHK (Información extraída de “http://es.wikipedia.org/wiki/Dorama”)

El término de Live Action, como el dorama, hace la misma referencia a que está encarnado por actores reales; series y/o películas con actores basadas en mangas o series animadas previas, este término es usado generalmente por los aficionados no japoneses, aunque en la actualidad las cosas han cambiado en la comunidad de aficionados nipones, sobre todo con la gran cantidad de palabras anglosajonas introducidas en su japonés estándar (nihongo). Mangas shojo, shonen y de terror han sido llevados a la televisión. Además, se podría hacer una distinción de la definición en tres conceptos de acuerdo a su alcance, como: a) Adaptaciones de series o películas con actores reales, b)división de actores u objetos reales en producciones que integren animación y actuación “real” (3D, CGI, etc.), y c) en los juegos de Rol-Live Action con matiz interpretativo y teatral. No obstante, para nuestro mercado la creciente injerencia de este material japonés, realmente destacable y masiva, es a través de las películas de terror, bajo la primera definición, que es la más común en el resto del mundo. Es cierto que ya desde los noventa existía un creciente número de aficionados al anime y a los mangas (resultantes fueron una abrumadora cantidad de revistas informativas, clubes y proyecciones), pero hablamos de difusión masiva y aceptación del gran público, e incluso tal vez lo más representativo, como son los estrenos en salas limeñas de películas japonesas. Aun así, el dorama o live action aunque ya conocido por algunos tuvo su primera ventana en las telenovelas adquiridas por TNP, hoy TV Perú. El hecho curioso es que las novelas que emitía el canal del estado eran coreanas o chinas, asiáticas en fin, pero debido a que en antaño TNP haya comparado una cantidad considerable de programas a la empresa japonesa NHK (programas infantiles en su mayoría, aunque también algunos culturales) la nacionalidad real de las producciones pasaba desapercibida. También, los aficionados al cine encontraban un cierto medio de difusión de películas japonesas sobretodo por los ciclos de películas de director que se emitían, como las de Akira Kurosawa (Los siete samuráis), Takeshi Kitano (Sonatine), Shohei Imamura (La balada de Narayama), Nagisa Oshima (El imperio de los sentidos) y de Naomi Kawase (Sukazu, ganadora de la Cámara del Oro en Cannes en 1997).

Hoy en día el medio que ha puesto realmente más al alcance cualquier producción japonesa o no, es la Internet y los fansubs (aficionados que subtitulan series y ponen a disposición sus trabajos en la Red de forma gratuita con fines de difusión). Tal vez los más importantes en la materia o más conocidos por los internautas sean “Dorama no Fan Sub” (http://www.doramanofansub.es/), site español especializado en subtítulos de series live action y doramas, y “JDorama” (http://www.jdorama.com/). Por este medio se es capaz de encontrar series que no han sido licenciadas para otros países. Es cierto que aún se discuten sobre problemas como la legalidad, el respeto a los derechos de autor y demás infracciones ligadas a la propiedad intelectual, pero considerando la situación tanto económica como cultural de la región, el hablar de “problemas” se contrapone con la llamada realidad. En nuestro país donde la piratería es el más importante comercio casi como la piratería china, el anime, ya sea licenciado o de fansubs, de igual forma integra la lista de títulos de la piratería. Con un mercado nítidamente reconocible en zonas específicas y distritales (casi como Akihabara lo es en Tokio) es posible encontrar casi cualquier serie, película, OVA (también OAV – Original Animation for Video) y recientemente también mangas en formato digital (CD-ROM). Las series que se consiguen en nuestro mercado son versiones subtituladas de fansubs y comercializadas, las cuales atentan contra el principio mismo de los antes mencionados, sin embargo considerando la realidad de nuestro mercado, muchas personas no poseen ordenadores y no pueden acceder a estos productos, así que una forma de hacerse con las series que se desea ver es a través de estos discos. Obviamente muchos participamos de este círculo de la ilegalidad, pero resulta inevitable en un Estado donde la posibilidad o imposibilidades sobredimensionan a la población y la reprimen. Defender la piratería resulta complejo, y al hacerlo se cae en facilismo o la ciega condena. De cierto modo la venta de los discos de anime o dramas, si bien con fuerte demanda en Lima, oscilan entre precios de costo, así que se podría hablar incluso de una comercialización con fines de difusión al igual que los afisubs. De todos modos el tema es delicado y lo que delimitamos finalmente en esta introducción es que este es el principal medio de difusión de las series o películas live action en nuestro mercado, con un creciente y progresivo incremento de títulos actuales o no. Finalmente, conociendo a grandes rasgos ya el live action y su injerencia en nuestro mercado reseñaremos algunos títulos recientes.

(Imágenes - actores reales de live action) De arriba hacia abajo: "L" personaje del manga-anime Death Note, "Enma Ai y sus sirvientes" personajes del anime Jigoku Shoujo, y "Boogiepop Phantom" personaje del anime "BoogiepopPhantom".

No-muerto:
Daniel Guerra Caballero

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¿Silent Hill: The Movie tendrá segunda parte?

2007-05-25T09:40:00.000-07:00

El pasado año 2006 se estrenó una de las películas más esperadas dentro de la comunidad de aficionados a los videojuegos y en menor grado de los aficionados al cine de terror. Dirigida por el francés Cristophe Gans, escrita por Roger Avary y producida por Samuel Hadida, Silent Hill: The Movie, adaptación fílmica de la saga de videojuegos de survival horror más importante de Konami, representaba desde su anuncio una reivindicación de las adaptaciones al cine de juegos para consola, o bien por la excelente trama del título o por lo casi independiente del director; pero tras su estreno, la crítica especializada, los seguidores de la saga jugable y los espectadores en general estuvieron divididos casi diametralmente en opinión y valoración. Gans quien tenía trabajos previos como Crying Freeman, Le Pact des lups y el segmento “The Drowned” en la película Necronomicón durante todo el proceso promocional de la película se había mostrado como un verdadero aficionado del complejo universo de Silent Hill, por eso la comunidad de seguidores del juego esperaban la versión definitiva de una adaptación, hecho que como mencionamos no ocurrió.

Pese a los abruptos cuestionamientos de los críticos de cine sobre el producto final de la película y la inconformidad de los ocasionales espectadores no conocedores de la historia previa, pues se había hecho una película que solo seguidores del juego entenderían totalmente a pesar las declaraciones de Gans, ambos grupos resultaron homogéneos e incluso predecibles en su juicio desfavorable, a diferencia de los jugadores de Silent Hill que detestaban el film o lo consideraban aceptable y hasta bueno en ciertos aspectos. Lo cierto y realmente consensuado es que la película se convirtió en la, hasta ahora, mejor adaptación que se ha hecho de un videojuego, aun dejando de lado los deplorables intentos previos (Alone in the Dark, Doom, Resident Evil, Super Mario Bros, etc.); por eso y por la colocación de la película en el tercer lugar de recaudación de films de terror en Estados Unidos sólo detrás de Saw3 y An American Haunting, Silent Hill tendrá una secuela. La noticia ya circulaba en diversos medios una vez estrenada la primera parte, pero entonces eran tan solo rumores; de hecho, incluso pese a las declaraciones de Gans, sólo con la confirmación de Tristar Pictures de Sony se tiene la certeza del proyecto.

Planteada para finales del 2008 e inicios del 2009, Silent Hill 2 contará según Gans con Roger Avary (co-guionista de Pulp Fiction) nuevamente como escritor de la historia pero esta vez con la asistencia de Neil Gaiman dibujante de cómics, autor de títulos como “Sandman”, “American Gods” y “Casos Violentos”. El nombre de Gaiman suscitó una reacción favorable en los aficionados, quienes esperan en esta secuela las correcciones pertinentes de los yerros de la primera película, errores que Gans también reconoce. Según el director, las presiones fueron demasiadas, y pese a que la película trabajó con Davis Films tenía una notable influencia y matiz hollywoodense. Además, la participación de Chris Da Silva (Sean Bean), esposo de Rose (Radha Mitchel) en la película, se vio incrementada por la imposición de aplicar los resultados de estudios de mercado, ya que Gans sólo lo había considerado en dos escenas, al inicio y al final del film. En esos estudios se mencionaba que no se puede hacer una película sin un protagonista masculino, esto provocó el desfase temporal entre las dimensiones alternas de la ciudad y sus cambios innecesarios que ocasionaron incoherencia entre el plano del “Misty World” (mundo de la niebla) y el “Other side” (otro lado). Sumado a esto, por motivos de presupuesto y tiempo no se filmó la escena final como se había planteado, en la que seis Pyramid Head tras la muerte de Cybil ingresaban a la iglesia y degollaban a los miembros de la secta. También, se obligó a extender la película a los finales 127 minutos, por lo que se tuvo que expandir secuencias que carecían de relevancia, la mayoría, escenas de Chris en el mundo real.

Algunos sites recogen declaraciones de Gaiman negando su participación en el proyecto debido a que se encuentra trabajando con Avary en un video juego llamado Driver. Incluso, el propio Gans ha dejado entrever que podría no participar por ahora en la segunda parte de Silent Hill, ya que tras haber postergado proyectos como Morane, Rahan y Non Coupable se encuentra trabajando actualmente en su adaptación del videojuego, Onimusha, una historia de samuráis con matices de horror. De este modo, intervendría en una posible tercera parte, de lo contrario, si no lo hace como director en la segunda, lo haría como productor. Sobre el guión no se ha dicho aún nada y se duda de una adaptación de la segunda parte del juego, considerada por los fanáticos como la mejor parte de toda la saga, que tiene por cierto, la estética que se utilizó en la película, que fue a pesar de sus bondades una combinación de las historias de los juegos con variaciones menos que groseras acompañadas por la música de Akira Yamaoka.

Silent Hill videojuego está conformado por 4 partes para Playstation One y Playstation 2, además se ha hecho una precuela llamada Silent Hill Ørigins jugable con PSP que no está desarrollada por Konami; estos a su vez han confirmado la quinta parte de la saga, que tendrá como plataforma al reciente Playstation 3. Solo queda esperar más noticias sobre la secuela, pues a pesar de todo, los jugadores de Silent Hill aún quieren seguir apreciando su historia preferida en el ecran.

No-muerto:

Daniel Guerra Caballero

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You Tube y el anime: El problema de la legalidad de las descargas

2007-05-25T09:31:00.000-07:00

El conocido sitio Web de videos You Tube, enfrentó el año pasado una serie de reclamos demandas de empresas japonesas de entretenimiento debido a la infracción que representa el alojar videos de animes y su exhibición sin el consentimiento de las casas productoras y sin el pago por los derechos de autor. You Tube, fundado en febrero del 2005 por tres ex trabajadores de la empresa de pagos en línea PayPal, perteneciente al grupo eBay, Chad Hurley, Steve Chen y Jaweb Karim, atrajo desde sus inicios la atención de inversores, uno de ellos Sequoira (firma de capital-riesgo) porque en la ahora Web de crecimiento acelerado, se entreveía una gran capacidad publicitaria, que Google en la actualidad aprovecha. Hoy, los usuarios colocan alrededor de 65,000 videos al día en You Tube y ese, precisamente es uno de los problemas, pues aunque iniciada bajo la premisa de compartir videos aficionados o caseros (Hurley y Chen tenían problemas para enviar un video suyo de una fiesta por correo electrónico debido a la extensión de este, así que idearon su Web de videos compartidos) los usuarios japoneses “cuelgan” todo tipo de material relacionado al anime que infringe los derechos de autor.

Las producciones japonesas de anime se emiten usualmente en canales de pago por evento, por lo que las series llegan a los usuarios tras pagar por el servicio de conexión; además, una vez terminada la emisión se editan los DVD’s respectivos y se inicia la licencia para diversos países de los títulos estrenados; mediante este proceso una serie de animación llega al consumidor final. No obstante, existen mecanismos alternos para la difusión de este tipo de material, no solo en Japón sino en el resto del mundo donde la demanda es grande. Los afisubs o fansubs graban de los canales nipones los programas estrenados o los descargan de servidores donde los usuarios japoneses o residentes “suben” las series una vez emitidas; así, el fansub subtitula una serie para difundirla y la coloca en Internet sin fines de lucro, pero muchos son los países donde se comercia con estas ediciones aficionadas (Perú es uno de ellos). Obviamente el problema inicia desde el upload de la serie, ya que adquirida o grabada posee derechos que le garantizan, o debieran, un pago por cualquier emisión o distribución, que no sucede en el caso de los videos compartidos de You Tube.

En el site, algunos usuarios nipones colocaron (colocan y probablemente lo seguirán haciendo) videos de series de estreno, por lo que veintitrés empresas dedicadas al entretenimiento y la animación (entre ellas Sunrise, Madhouse, ADV Films y Tv Tokyo) amenazaron a los funcionarios de You Tube con iniciar acciones legales de no retirar los videos; también, casi de inmediato, aunándose a las empresas demandantes, la Japan Society for Rights of Authors, Composers and Publishers (JASRAC) advirtió con abrir procesos legales y enviar un C&D (Cease and Desist - Cese y desista) a los usuarios de la página que hayan colgado los videos de las empresas antes mencionadas. Esto ocasionó que el año pasado You Tube retirara de su Web alrededor de 30,000 videos. Se retiraron, pese a lo ocurrido, solo los títulos de las empresas que hicieran el reclamo, aun más, sólo algunos títulos específicos, como series de estreno (el caso más conocido es el de la serie Code Geass de Sunrise).

Aquellos que consideraban a You Tube como un gran medio de información referencial sobre las novedades lanzadas, a partir de ahora deberán buscar otros medios de información, ya que resultado de las presiones ejercidas sobre el site, You Tube puede dar información personal sobre los usuarios que colocaron videos que infrinjan los derechos de autor. Aun así, la desaparición total de los videos resulta compleja, y eso quedó demostrado con otro de los recientes problemas del site con la modelo brasilera Daniela Cicarelli. El sitio albergaba un video aficionado de la modelo junto a su actual pareja Renato Malzoni Filho en situaciones íntimas en una playa, y pese a que se abrió un proceso judicial (El juez Enio Santarelli Zuliano ordenó a las operadoras de telecomunicaciones bloquear el acceso a YouTube mientras siga atentando contra la privacidad) el video se volvía a colocar bajo otra denominación lo cual imposibilitaba su eliminación total del servidor. En este momento la página de inicio de You Tube incluye una advertencia en inglés sobre su política de respeto de material registrado y la propiedad intelectual, pero accedió a colocar advertencias en japonés en los servidores para los usuarios en Japón para evitar así los uploads de series. Esta fue la decisión tomada por You Tube pues una de las propuestas de la JASRAC había sido la introducción de un formulario previo al proceso de alojamiento.

En el resto del mundo los problemas legales de You Tube no han cesado, tanto como demandado o demandante, pues en Estados Unidos la discográfica Universal los acusó de infractores de los derechos de autor al albergar videos de sus artistas sin autorización; consideremos además que muchas de las franquicias discográficas norteamericanas son dueños de bandas y solistas de J-Pop y esto tendría repercusión también en Japón. Sin embargo, todos los problemas de You Tube en Norteamérica parecen haberse solucionado con la reciente compra de la empresa por Google. El 10 de octubre del 2006, el buscador más popular de la Web compró a You Tube por la suma de 1.650 millones de dólares sacando de apuros a Hurley con los pagos por infraestructura (dos millones de dólares por mes), necesaria para soportar las cien millones de visitas mensuales que recibe el sitio. A pesar de la compra, You Tube mantendrá su nombre y sus trabajadores, y mantendrá además su independencia del servicio de video de Google. La adquisición ha resuelto de inmediato inquinas y firmado prósperos acuerdos con anteriores demandantes, pues Google acordó con Sony BMG y Warner Music la difusión de videos de sus artistas gratuitamente en el modo de streaming, pero si los usuarios desean descargarlos deben pagar 1,99 dólares, que adicionalmente les da acceso a material extra como entrevistas y tomas de backstage. Por la contraparte, You Tube con la cartera de abogados de Google envió un C&D a Michael Arrington propietario de TechCruch por haber publicado en su blog recomendaciones para transferir videos de You Tube a un iPod, e ir de este modo contra el servicio que solo You Tube puede dar; sobre este tema ya circulan en Internet algunas páginas que incluyen programas y recomendaciones para descargar videos del servidor de You Tube y convertirlos a diversos formatos (uno de ellos es el programa video downloader de Javi Moya). No queda duda alguna de que la compra ha sido beneficiosa, ahora sólo resta esperar las acciones tomadas por “GooTube” sobre los uploads de animes posteriores a la adquisición, ya que incluso en el sitio de servicio de video de Google también se encuentran afisubs de animes.

No-muerto:

Daniel Guerra Caballero

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